一 : 音乐的赠与

在我的意念里

音乐是高山流水,小溪潺潺

把相思和忧虑洒在水里

消散凝结在心头的忧思和凄苦！

在我的意念里

音乐是烟花丝雨,明月清风( 文章阅读网：www.61k.com )

像轻柔的手,清澈的眸

温暖冰冷的心，拂去心灵的尘！

在我的意念里

音乐是辽阔草原,巍峨的山

每一个跋涉,登攀的足印，都是奋进的音阶

不懈的征程让心胸变得宽广无限！

在我的意念里

音乐更是民族之魂,不朽的史话

一曲曲汉唐雄风,黄河怒吼

让沸腾的热血奔腾不歇……！

二 : 节拍与节奏在音乐表现中的作用

摘要：音乐是没有国界的，纵然语言不通，文化背景不同，但是音乐给予我们的感染力却是相同的。一首脍炙人口的歌曲能够拉近音乐与人的关系，那么旋律就是歌曲的灵魂。无论音乐的用途是欣赏、教学或者商业开发，都无时无刻的影响着我们的生活。而节拍与节奏作为音乐的构成要素，在音乐作品中具有独立的审美。本文通过节奏与节拍在音乐应用中的运用，结合实际情况分析节拍与节奏在音乐表现中的作用。强调节奏与节拍的重要性。

关键词：节拍 节奏 音乐表现 音乐要素 旋律
音乐的本质是抒发人们内心的情感，是一门能走进人们心灵的艺术，为人与人之间的交往架起了一座桥。为什么在语言不通的情况下，有些歌曲还是同样能够撼动人们的心灵？因为音乐中的各种要素在发挥其自身作用的同时，通过相互结合、组织、进行，进而传递给我们各种信息，使我们产生情感共鸣。而除了音高之外让我们产生共鸣的重要因素就是——节拍与节奏。
1.音乐要素及表现
1.1 音乐的基本要素
音乐的各种元素组成了音乐，这些元素包括音的高低、长短、强弱、音色。这些因素之间进行合理的结合，就形成了常用的音乐的要素。
1.2 音乐的表现手段
音乐的表现手段包括节拍、节奏、力度、速度、和声、曲式、旋律等。节拍和节奏是音乐中最基本也是最重要的表现形式。
2.节奏与节拍的区别及表现
2.1节拍与节奏的区别
节拍和节奏之间相互关联却又互相独立，但是也经常会被混淆，其实两者并不相同。节拍是指有强有弱的相同的时间片段，按照一定的关系不断的循环重复。对强拍和弱拍的组合规律有着准确的要求，它强调音的强弱关系。当出现一个强拍，一个弱拍时是一种节拍，而出现一个强拍，两个弱拍时代表了另一种节拍。所以节拍是狭义上的概念。所以从实际音乐创作中的表现作用来看，节拍时刻存在于音乐中。
“节奏”一词是由希腊字“rhein”即“流动”衍生而来，它广义的解释就是“运动的节律”，一切协调、平衡的律动都可称为节奏。指将长短相同或不同的音符与休止符有机的组织起来。它强调音的长短关系，一个节奏感好的人，在音乐方面是富有感知力的，他能够恰当的调动小节、拍子、重音的位置和循环周期等因素，表达出音乐所具有的感情。
2.2节拍与节奏的在音乐中的表现
节拍、节奏在音乐表现中发挥着无可取代的作用，这是做好音乐所不可忽视的。也正由于节拍、节奏的变化性、组合性强，就给音乐带来了更加多元化的发展空间。看似复杂的节拍与节奏经过分析，还是可以找到自身从简单到复杂发展变化的内在联系。从节拍方面分析，简单的单拍子经过其节拍的变化演变出了复拍子、变换拍子、交错拍子、混合拍子、散拍子、等多种节拍。
一种节拍之所以可以演变出如二二拍子、四二拍子、八二拍子究其原因是由于单位拍时值的不同。所以即便都是二拍子，但是其表现出的音乐作用也是不同的。我们都知道在节拍中，二拍子和三拍子是最有代表性的。二拍子，强拍，弱拍，方整对称。三拍子则流畅、灵活。在音乐作品中进行曲和圆舞曲，最能体现二拍子和三拍子特点。不同的拍子之间具有特性的同时也存在着共性，是不能够相互取代的。可是在特定的环境下，一种拍子也可以转换成另一种拍子。如快速的六拍子，会与二拍子有相似之处。这种情况下每一拍，在实际表现中上就成了三连音。相反的，将二拍子的每一拍都变成三连音，同样会产生一种六拍子的感觉。如此看来，就使二拍子的单拍子与六拍的复拍子之间发生了转换。例如混合拍子、变换拍子、交错拍子，则是两种不同拍子不同次序、不同方式相互转化的结果，因其比重不同、变化较大所以在音乐传达上也有更加丰富。
节奏运动是一种客观的物理现象，与这种客观的物理现象相对应，在人的心理上便产生了“节奏感”。朱光潜先生说：“节奏是主观和客观的统一，也是心理与生理的统一，它是内心生活（思想和感情）的传达媒介。”它的直接效应便是满足人们对节奏运动的心理预期需要。节奏就像旋律的脉搏，能给旋律带来鲜明的性格。节奏是音乐作品的骨架，简单来说，长短不一的音按照一定的规律组织起来就是节奏。节奏是音乐在时间上的组织。音乐中的节奏概念是很宽泛的，从最宏观的角度看，它可以说是“进行”，这个概念包括了音乐中各种各样的运动形态，既有轻重缓急，也有松散与紧凑。具体些说节奏包括节拍和速度这两个概念，前者是指音乐规律性的强弱交替的运动，即拍点的组合；后者是指这种律动的速率。《韦氏大辞典》将节奏定义为“音乐的一个方面它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音、节拍和速度）”。“进行”在这里是个关键词，节奏即是音乐的进行。
3.节奏与节拍表现的意义
一段美好的音乐离不开节奏、节拍、速度、力度之间的紧密配合。而旋律和节奏都是都存在于节拍（www.61k.com］之中的，所有的节拍中也都离不开节奏的要素；而所有的节拍与节奏都会表现出一定的速度，同理，速度也是建立在一定的节拍、节奏之上的；两者是相辅相成的关系。所以，对于表现音乐、塑造音乐他们的有机结合是必然的。只有把它们恰当的结合起来才会创作出动听的音乐。
人们之所以热爱音乐，是因为能够在音乐中宣泄情感，找到共鸣。所以在音乐创作中，节奏与节拍是基于情感基础上的。
首先，节奏能够表现出空间的延伸感。在很多音乐中，我们都能够体会到当音乐节奏快、短且密集的时候，空间也会随之变得短而狭窄拥挤，进而表现出人们心理上的紧张的感觉。反之，当音乐的节奏舒缓的时候，空间就会变得宽阔，反映到人们的心理上事就会感受到安宁和谐；在空间延伸的同时也能够体现物体的大小和轻重，当音符长且慢时，能够给人们物理体积大的感觉，而对于轻而小的物理特性则用短且密集的节奏来表现；在事物运动状况进行体现时，通常也是通过对节奏的快慢变化来实现的。
其次，对于人物的刻画和描写来分析，节奏的快慢能够充分的表现出人格特征的豁达与拘谨两个方面。我们可以用长且慢的节奏表现出人物心胸的豁达与奔放，用短且紧凑的节奏来突显人物的小气、狭隘的性格特点：在描述出人物的性格特点后，对其情感和态度同样可以通过节奏来表现。节奏就如同人一样，平和、内敛的人通常由长音符、舒缓的节奏来表达。而对于焦躁、激动的人物性格则可以使用短、快、密集的节奏来表达。
最后，音乐是有灵魂的，你可以透过作品感受到作者内心深处的情感，或者压抑、或者纯洁都能通过作品得到答案，这就是音乐的魅力所在。抛开节奏与节拍，仅仅体会旋律本身，结合自己对音乐的理解，都可以从音乐中读出作曲家的心思，看见作者的故事，体会自己内心深处的声音，从而丰富我们的心灵陶冶我们的情操。
结论
节拍、节奏在音乐中的作用是极其重要的，与旋律、曲式、和声、复调、配器等共同构成了音乐的诸要素。在大力提倡节奏表现力提升的今天,节奏应该在音乐中给予与旋律同等的重视程度，通过节奏、节拍的情感表现，将其大量的融合在音乐的情感表达中去，将会给音乐在各个领域的运用起到更为深刻的作用。
参考文献
［1］ 于润洋译《卓菲娅?丽莎音乐美学译著新编》/中央音乐学院出版社
［2］ 张前《论音乐表演创造的美学原则》/中央音乐学院学报 1992（4）
［3］ 国外音乐资料 第26辑.
（作者单位：武威职业学院）

三 : 音乐教案－《节奏与生活》

《节奏与生活》案例
 常州市新北区薛家中心小学   陈玲
教学设计指导思想：
《节奏与生活》是一节创新课，选取和创编的内容主要从能激发学生学习兴趣，贴近学生生活，体现音乐性、人文性这几方面入手。在教学设计上力求延展和突破原有教学模式，关注对人的教育，活化教材，从文本向人本转化，创设更多学生参与音乐体验，表现和创作的空间和机会，追求课的逻辑关系，提高密度，时效度。设计的基本思路：一是了解，二是创作，三是表现，了解是创作表现的前提，创作表现是了解掌握的提升，这个关系是本课教学的主线 。整个教学过程 面向全体学生，以学生为主体更多关注学生行为状态，教师与学生、学生与学生互动交流合作，激发学生真情投入和创新参与。教学一开始在复习掌握各种节奏型之后，教师不做任何讲解，提出问题“为什会有这些节奏型，他们从哪来”让学生带着问题去看、去想、去体验、去思考，经过体验思考后向教师说出自己的感受，然后通过从生活中提炼节奏，用节奏来表现生活等教学活动，让学生对节奏与生活之间的关系产生新的理解和体验，并产生自己创作创新的愿望，自然引入创作阶段。接着教师提供多种参与情景、条件使学生都有参与体验的机会，充分发挥想象力和创造力，根据不同的生活形象创作表现节奏。使学生对节奏有新的认识，真正体会生活是音乐的源泉。
教学目标 :
1.知识目标:了解节奏与生活的关系,拓宽学生音乐文化视野。|
2.技能目标:能根据生活中的不同形象来创编并表现节奏，培养学生大胆想象,大胆表现,大胆创新的能力.
3.情感目标:培养学生团结协作、勇于创新的精神,在潜移默化中加深学生对音乐与生活的热爱。
教学重点.：通过各种手段让学生了解节奏与生活的关系.
教学难点 ：如何激发孩子的兴趣，使其充分发挥想象力和创造力，根据生活形象创编并表现节奏。
教具准备：多媒体课件、电子琴、书写纸、口琴
教学过程 :
 
教学要点 教师主导活动 学生主体活动 设计意图   
引入新课 组织学生按节奏进行 “请你跟我一起动”的游戏 按节奏模仿教师的动作 调动情绪,拉近距离,引出节奏   
复习所学节奏,了解节奏是音乐的骨架 (1)    请学生例举并复习所学节奏
(2)    渗透节奏是音乐的骨架这一知识点 回忆.例举所学节奏,进一步享受节奏 复习.掌握节奏，为节奏提炼和创编打下基础   

  从教师的言行入手引导学生从身边的生活形象中去寻找提炼节奏 从教师言行中提炼节奏，积极讨论，自主地从身边的形象中寻找提炼节奏     
  播放录像，引导 学生从大自然的各种形象中提炼节奏 投入地欣赏，积极地从大自然中去寻找节奏     
  街头录像，引导学生提炼节奏，表现节奏 大胆想象街头情景，从中去寻找节奏，提炼节奏。根据创设的情景，用身体语言表现节奏,并为节奏取名 为命题节奏创编作好铺垫   

 

  出示四条不同特点的节奏,引导学生想象分别表现怎样的生活形象 学生分组讨论
根据节奏特点,大胆想象生活形象,并用身体语言表现 充分发挥学生的主体作用,通过自主探索与学习,进一步了解不同的节奏表现不同的生活形象   
  出命题,让学生运用节奏表现命题,用身体语言来表现节奏 学生齐心协力的创编节奏,尝试用节奏来表现命题,同时用表演的形式充分表现自己的作品 培养学生根据不同形象创编节奏的能力,通过小组合作的学习方式,给学生创作的时间空间,培养合作精神,体验创作带来的快乐   

  (1)    出示节奏
(2)    出示旋律
(3)    引导学生领略音乐带来的美 (1)    想象节奏所表现的音乐形象
(2)    用口琴吹奏旋律,领略音乐带来的美 进一步了解节奏是音乐的组成要素之一   
  小结  鼓励学生从生活中去发现节奏,创编节奏 

四 : 华尔兹音乐的节奏与摆荡动作

本文主要为我们讲解华尔兹音乐的节拍和摆荡动作的内容。华尔兹音乐为3/4拍，其节奏是强、弱、弱，是由一个强拍和两个弱拍组成一小节音乐，每分钟大约28-30小节。

。www.61k.com”

为了更好的理解华尔兹音乐我们再进行一下回顾：

1、节奏包括节拍和速度这两个概念，前者是指音乐规律性的强弱交替的运动即拍点的组合，后者是指这种律动的速率，是指音的长短关系。

2、节拍是指强拍和弱拍的组合规律，有很多有强有弱的音，在长度相同的时间内，按照一定的次序反复出现，形成有规律的强弱变化。

3、音乐的旋律是体现音乐的主要思想或全部思想，用调式关系和节奏关系组织起来的，具有独立的许多音的横向单声部进行，是经过艺术构思而形成的若干乐音的有组织、有节奏的和谐运动。作为舞蹈者：如何理解音乐的旋律、节奏以及节拍之间的关系和特定的作用;如何利用我们形体的动态语言表达音乐的思想和内涵;如何诠释出华尔兹音乐的典雅、缠绵的风格特点，而彰显舞者神情自若、气度非凡的高雅风度;如何让华尔兹音乐与华尔兹舞蹈动作进行有机的融合，是我们步入摩登舞艺术殿堂过程中必修的功课。

一、秋千式摆荡与华尔兹音乐的融合

1、秋千式摆荡(钟摆原理)

在生活中我们常常见到“荡秋千”的动作，“荡秋千”是指一个物体通过具有一定长度的绳索固定于一端，之后此物体沿着固定点进行反复悠动的过程。“荡秋千”的过程是物体从高处借助重力和外力的作用沿着固定点进行向下的弧线加速运动，而后借助惯性进行弧线式抛起运动，物体到达最高点之后受重力和外力的作用继续回摆的过程。

分析此过程我们可以把物体向下的弧线式加速过程称为“摆”的过程;待物体到达最低点的瞬间平动速度最大(离心力最大)，这个速度的获得是重力势能转换为动能的结果;而后该物体依靠惯性进入弧线式向上的运动过程，此过程我们可以把它称为“荡”的过程;物

体荡至最高点后有瞬间的相对静止，此时动能完全转换为新的重力势能。如此循环往复就是典型的秋千式摆荡过程，在“秋千式”摆荡的过程中若是没有外力的补充其最后会由于能量的逐渐损耗而停止下来，这是自然法则无需解释。

华尔兹舞蹈的摆荡是及其特殊的摆荡，在此借用“秋千式”摆荡的形态来阐述华尔兹的摆荡也比较牵强，但若能够把生活中的“双绳秋千”设想成“单绳秋千”则比较贴切一些，在此只是借用过来以便于阐述摆荡的原理，这也是没有办法的办法。若是仅运用“钟摆式”

摆荡原理来描述也会存在许多瑕疵，因为华尔兹的摆荡是“复合式摆荡”，仅从一种摆荡的方式来完成复合式摆荡的描述，显然是难于完成的工作。

华尔兹舞蹈的摆荡原理与撑杆跳高运动员“压杆”时的身体摆荡原理更为相似，仅仅是撑杆的弯曲代替了我们形成“满弓”的腿，但是绝大多数舞者都没有亲身的体验，因此借用荡“秋千”这一常见的活动来表述也是不得已而为之的权宜之计了。

2、华尔兹音乐的强、弱、弱：

在华尔兹音乐中每个小节都会出现一个强拍，而强拍是力量的象征也是诠释华尔兹音乐思想的开端，因此我们能否利用好音乐的强拍就显得非常重要了。

试想一下：假如在我们面前悬挂着一个很重的物体，若想让它摆动起来该如何去做呢?是在静止中直接去推动?还是将其先拉起一定的高度，而后借助回摆的速度再施加推力而将其摆出?显然我们会选择后者。那么在何时进行发力呢?是到达最低点之后?还是未到最低点之前?答案也是后者。因此我们可以很清楚地认识到发力是在到达最低点之前，那么此时的音乐又处在哪一个拍节上呢?结论就是华尔兹音乐的第一拍“强拍”，所以说发力是在“强拍”出现时，是因为“发力”而出现的“强拍”，而不是因有“强拍”再“发力”。由此我们可以推论出华尔兹音乐的节奏与秋千式摆荡的周期是吻合的、融合的，因此如何塑造与华尔兹音乐节奏相吻合的摆荡式身体动作，是掌握华尔兹舞蹈内涵的关键。

3、秋千式摆荡与华尔兹音乐节拍的对应关系：

秋千式摆荡的过程揭示出了物体重心由高到低再由低到高的运动规律，这个循环往复的过程可以用摆动的“周期”来度量，而华尔兹舞蹈音乐的旋律则是时间上循环，这个循环的过程也可以用“周期”来描述。因此我们可以把华尔兹音乐的进程划分为若干个时值，并以

此与“秋千式”摆荡做出一个时间和空间的坐标系，描绘物体在时间与空间上的运动轨迹，这个物体的运动轨迹就是我们进行华尔兹舞蹈时所要遵循的身体重心运动轨迹，只要我们身体重心的运动轨迹与之完美融合，我们的舞蹈就会呈现出无比的生命力和艺术的魅力。

我们知道线段是由无数个点组成的，而这些点的密度会影响到弧线的圆滑程度。因此我们与华尔兹舞音乐进行融合时，把三个拍节划分成六个半拍来进行对应，既One、and、Two、and、three、 and(1n2n3n)将会获得更加细腻的效果，由此我们可以很轻松的推论出华尔兹音乐的第三拍是处于身体重心的最高点。我们可以借助时钟的表盘来描述身体重心在华尔兹音乐中所处的高低位置，既简单又明了又易于掌握和运用。在时钟的表盘上“three”拍对应于3的位置，“and”拍对应于4，“one” 拍对应于5，“and”拍对应于6，“two”拍对应于7，“and”拍对应于8，而到达9的位置又是一次最高点“three”拍的开始。

舞蹈动作的过程就是时间的过程，也就是舞蹈音乐时值的进程，我们把一小节音乐的时值，划分为六个时值片段以利于我们很好的与动作的环节相对应，由此可以说明我们跳舞时是在时间的进程中做出与之相适应的动作的过程。因此，说我们跳舞既不是跳One(第一拍)也不是跳two(第二拍)更不是跳three(第三拍)，而是跳“3 – 1”、“1 – 2”、“2 – 3”时间的过程。

华尔兹音乐的节奏与摆荡动作

我们要明确节拍的时值所在时间轴上的位置，对于我们很好的理解音乐具有极为重要的现实意义。华尔兹音乐是由强、弱、弱组成的三拍子音乐，那么每一个节拍所拥有的时值是多少呢?以每分钟30小节音乐来算每小节音乐的时值是两秒钟，每一拍所占的时值是2/3秒;这2/3秒时间是一个节拍的完整时值，那么在华尔兹舞曲中是如何划分时值的?显然那种仅以踏上强、弱节拍为目标的舞者是很难表达音乐时值的，因为强与弱仅仅是瞬间的声音，即使有时值也是非常的短暂。在舞蹈中我们对音乐的处理，是把出现“强拍”声音之前的半拍时值，加上“强拍”出现后的半拍时值称为一个完整的“拍子”(全拍)，这个完整的“强拍”在华尔兹舞蹈中我们统称为第一拍，而后的两个“弱拍”也是如此，都是时间的进程而不是动作的“标志”。

以此类推我们就可以很容易的理解华尔兹舞曲的节拍了，既 “and – One – and” 是第一拍，“and – Two – and”是第二拍，“and –Three – and”是第三拍，也就是说把华尔兹音乐的强到弱、弱到弱、弱到强，都以两个半拍的时值来划分，前后两个半拍构成了一个完整的拍子。

二、华尔兹的基本动作与音乐的融合

系统论知识告诉我们整体的融合取决于局部的融合，而局部的融合效果又反过来影响整体的融合效果，因此做好局部或单一方面的融合是保证整体融合的基础，因此我们在基本左转步与华尔兹音乐的融合中，利用拆分原理从不同的方面进行简单的融合实践，以寻求循序

渐进式的各个突破最终达到整体的高级融合，这是学习与实践经验的必然选择也是提高学习效率的选择，更是获得举一反三能力的唯一选择。

1、人体重心的运动轨迹与华尔兹音乐的融合：

依据秋千式摆荡原理与华尔兹音乐的融合而推论出第三拍处于最高点，因此我们可以作为起始动作的准备(提高重心)，随后进入由高到低的运动过程，这个过程就是音乐的“three – and – one”，这是一个逐渐向下“摆”的过程并伴有加速运动的状态，但此时并未到达最低点，随后音乐进入“one – and”半拍时值的过程，至“and”时人体重心才处于最低点，而后随着音乐的进程到达“two – and – three”，这是一个逐渐减速“荡”起的过程直至到达“three”的又一个准备。在这个过程中我们人体重心的运动轨迹完全满足秋千式摆荡规律，同时也符合华尔兹音乐节奏“周期”的要求。因此理解和运用好人体重心在华尔兹音乐时值中所处的位置，对于提高华尔兹舞蹈艺术水平、诠释华尔兹音乐的思想内涵具有基础性意义，这个过程可以借助钟表的表盘来记忆。

2、上体框架的运用与华尔兹音乐的融合

上体框架的作用就是维持身体重心的平衡和作出蓄势的准备，是上弦加张力的部位。说起上弦加张力我们不得不提及背部肌肉的收缩，在此我们仅就舞者背阔肌的收缩提出更高的要求：

1)要了解背阔肌的起止位置。

2)要了解背阔肌的收缩会引起我们上体框架的哪些形态的变化。

3)背阔肌的收缩与华尔兹音乐的融合在哪个拍节的时值出现。当然人体动作的精妙变化仅仅依靠一块肌肉的收缩是远远不够的，但是我们如果能够抓住主要矛盾并能够得以解决，那么次要矛盾也会因此而逐渐的解决掉。

我们知道舞蹈是用我们的身体唱歌，用我们的形体语言描述音乐的意境和主题思想。因此研究和确定上体框架在华尔兹音乐中的作用是跳好华尔兹舞蹈的关键。在摩登舞基础部分我们已经经过了上体框架统领下肢运动的练习，可以说明上体框架的作用在摩登舞中是极其重要的，也是必须熟练掌握的一项最为基础的功夫，决不可忽视，否则会对未来的发展产生无法形容的重大影响。 为了更好的说明动作的过程，我们以基本左转动作为例加以论述和分析：

在华尔兹音乐的and –three过程，是我们的身体处于接收来自地板支持力的过程，待此力传导至肩胛骨下沿时(横膈膜)，我们的下肢已经完成了力的传导，而后我们进入依靠收缩背部肌肉产生的张力和“上弦”动作而准备进入能量“释放”的过程。与此同时男士依靠上体框架通过“球窝关节”引领女士做出相应的框架外观，并做好蓄积能量的储存和释放的准备。

在华尔兹音乐three – and的过程，由于身体重心的升高我们身体所具有的重力势能相对较大，在重力势能转换为身体的弹性势能(腿部满弓)时我们的能量转换是由上而下逐渐转换的过程，最后形成腿部满弓的蓄势待发状态。

在华尔兹音乐and – one的过程，是在释放身体弹性势能(满弓)的同时，利用腿部前群肌肉和背部肌肉的收缩产生强大的动力，推动我们的身体进行运动，至双脚开立前跟后掌状态。

在华尔兹音乐one –and的过程，左脚进入由脚跟碾压(滚动)至脚掌形成新的满弓并完成重心的完全转换，此时右侧身体产生长长的身体线条形成拉弓状态，由此得到蓄势待发的射箭姿态准备进入“摆”的过程。

在华尔兹音乐and – two的过程，在释放身体蓄积能量的同时男士依靠收缩左侧背部肌肉产生的力量，控制右侧身体的超越左侧身体的进入真正的“摆”的过程，身体右侧形成最大线条的同时身体重心依然处于左腿上。

在华尔兹音乐two – and的过程，左腿借助满弓时弹性势能的释放逐渐拉长身体线条至双腿开立、脚掌支撑姿态，做好合并步前的重心提升准备，这也是由“摆”而来的“荡”的开始。

在华尔兹音乐and –three的过程，利用背部肌肉的收缩产生的张力促使身体重心的继续升高，同时依靠上体框架通过“球窝关节”的传导作用，引领女士完成新的上弦加张力的蓄势准备，这是“荡”起动作的结束，也是新“摆荡”动作的开始。

如此反复既可完成基本左转步的上体框架与华尔兹音乐的融合工作，由此我们得出一个结论：

华尔兹音乐的节奏与摆荡动作(2)

男士背部肌肉的收缩是通过上体框架引领女士完成动作的前提，在与华尔兹音乐的融合过程中，背部肌肉的收缩仅仅出现在“and - one、and - two、and - three”三个半拍的时值里，而“one - and、 two –and、three – and”三个半拍的时值是脚下动作，当然在此过程中背部肌肉保持一定的张力是必要的。

理解和运用此规律是提高学习摩登舞效率的又一方法，一定要熟记于心切不可稀里糊涂不明就里而浪费时间。

3、下半身运动与华尔兹音乐的融合：

在摩登舞中我们从横膈膜以下至脚尖部分统称为下半身，它包含了我们身体中段和腿及以下部位。如果我们把整个人体看作是一部汽车，那么我们的上体框架就是高级跑车的“稳定翼”和装饰外观，身体中段则是汽车的底盘和发动机，而我们的腿和脚则是车轮。因此漂亮的外观和“稳定翼”取决于上体框架的塑造，稳固而强劲的中段是得以获得运动安全保证和动力的前提，运转自如的腿和脚是满足高速而灵活运动的先决条件。

还可以这样理解：我们人体的上端(横膈膜以上)是运动平衡的稳定翼，中间的腰部则是人体运动的发动机，而居于腰部下端的髋部是人体运动的方向盘。由此我们在舞蹈的过程中，如何很好的利用髋部进行运动信息的传递与接收，如何控制女士运行的方向和速度的同时，并能够与音乐有机的融合是塑造一体化舞蹈的关键所在。

人体的一切运动都离不开我们腿和脚的协调配合，其髋关节、膝关节、踝关节的协同运动构成了我们人体移动的基本方式，因此处理好三关节协同工作的关系是提高舞蹈流畅性的基础。

1)在华尔兹音乐and –three的过程，借助来自地板的支持力依靠踝关节、膝关节、髋关节的传导促使我们身体重心的升高，通过对中段上端进行能量的蓄积工作，促使我们形成蓄势待发的姿态，与此同时我们的背部肌肉进行收缩，从而塑出造欲左先右上弦加张力后的释放趋势。

2)在华尔兹音乐three – and的过程，是身体重力势能转换为腿部弹性势能的过程，在此过程中我们的能量传递是由上而下的过程，通过腰部、髋部、腿部、脚部的协同工作，形成一个蓄势待发的满弓姿态，与此同时我们的髋部进行前旋的工作，促使女士髋部进行外展并形成后退的运动姿态，做好满弓后的蓄势待发准备。

3)在华尔兹音乐and –one的过程，是支撑腿脚跟经过重力的作用落跟的同时，我们借助释放支撑腿肌肉的弹性势能以及我们腰部储存的强大能量，促使身体向前运动并形成前跟后掌双脚开立支撑状态。

4)在华尔兹音乐one–and的过程，男士的髋关节继续打开，膝关节继续向前滚动形成脚掌支撑的同时，右侧身体形成最大的身体线条，依靠左侧背部肌肉的收缩使右侧身体形成新的拉弓姿态，准备进入摆荡(射箭)。在完成身体重心转换的同时男士依靠髋部的力量，促使女士形成预先摆动。

5)在华尔兹音乐and–two的过程，借助释放经过拉弓而产生的能量并通过左侧背部肌肉的收缩，促使右侧身体完成强大的摆荡，与此同时借助身体中段的联合运动带领女士完成整个摆荡。

6)在华尔兹音乐two–and的过程，是借助来自摆荡的惯性而完成的双脚掌开立支撑姿态,做好新的蓄势待发上弦加张力的准备.

7)在华尔兹音乐and –three的过程，此过程与1)的过程相似。综合以上分析，我们中段的运用是伴随华尔兹音乐整个进程中，因此熟练掌握身体中段的运用技巧，是学习和掌握摩登舞技术的关键之关键。

第三节的基本内容就这些，不过应该强调的是：由于大家没有见到前面关于舞蹈形体的划分内容，有必要说明一下。

这是第六章的第一节有关“说明”内容，有助于理解摩登舞形体的“两段”式结构。

三、舞蹈中的形体

为了语言交流的需要，我们把人体划分为三段式结构，但是在舞蹈动作的运用中我们的身体则是以《嫑-犇》两段式结构出现的。由于我们身体“中段”的特有性质，决定了我们的身体分为“上半身”和“下半身”两部分。上半身包括上体框架和中段，下半身包括中段和腿脚，此时的“中段”是“承上启下”的中枢和纽带，在运动中我们的“中段”在不同的运动状态下其归属是不同的。

1、装饰性动作

所谓装饰性动作既指人们为了塑造身体线条或上体框架间的扇形打开动作。这些动作大多出现在“高点”或相对静止或减速运动时，这时我们的“中段”属于“下半身”(如华尔兹舞蹈中的升起性动作等)。

2、移动性动动

所谓移动性动作既指人们为了产生最大的移动距离，而使身体重心降低而产生移动的动作。这些动作大多出现在“低点”或脚步变化较快时，此时我们的“中段”属于“上半身”(如探戈舞的低点走步等)。

一般情况下：

高点时“中段”属于“下半身”，随着身体重心的逐渐下降，我们身体“中段”的归属也随之产生逐渐的变化，待身体重心达到最低点时我们身体的“中段”则完全归为“上半身”了，而后随着身体重心的逐渐升高，其归属也由“下半身”逐渐的下移，直至属于下半身(高点)。这种“中段”归属权的上下转移过程是身体能量循环产生的自然现象，也是人体运动的基本特征。

我们要时刻注意在摩登舞中我们的身体是“两分式”结构，且不可依据“三分式”定义来运用我们的身体，否则我们身体的“中段”会在无形中削弱其作用，只有深刻理解“中段”是连接上体“框架”和“下肢”的桥梁和纽带，是身体能量上下循环的“通道”，我们的舞蹈才会朝着正确的方向去发展、去进步

16.吉他只是一种乐器是一个工具，你心里面有没有音乐?

17.学习吉他的方法之一：一开始就正确的弹奏。

18.学习吉他的方法之二：找一位好的老师。

华尔兹音乐的节奏与摆荡动作(3)

19.学习吉他的方法之三：多与别人交流。

20.让别人快去吧，你得慢慢来。

21.任何时候都不要以为手里有把好琴就够了。

22.请爱惜手上的琴，不管她有多便宜。

23.看得懂的乐理请仔细看，看不懂的，请硬着头皮看。

24.别指望看一遍就能记住什么，请看第二遍，第三遍，并在琴上练习。

25.别老问一些弱智的问题，问之前自己先查查书，翻翻以前的帖子，你不至于那么懒吧?

26.和别人讨论有意义的吉他方面的知识吧，而不是争吵XX不行或者YY哪个好。

27.别以为翻弹的很像就把自己当大个了，远着呢，学无止境。

28.请不要认为学过古典或者民谣再改学电声会有什么问题----你只不过又在学习一种全新的乐器而已。

29.多听多看高手的演奏和音乐，再来认定自己是不是已经学会吉他了。

30.学好吉他的秘诀是：练习，练习，再练习。

31.你觉得弹吉他很酷很眩是吗?那我建议你不如去跳街舞。

32.记住：不止有吉他能表现音乐。

33.既然决定了学吉他，请坚持学下去。

34.让各种品牌的琴争去吧，我们要以学习吉他学习音乐本身为主。

35.没有什么比亲自去写一首去扒一首去编一首进步更快的了。

36.别心急，把一首乐曲完美的弹下来是不容易，你只需要不断的练习就可以完善了。

37.不要因为乐曲很简单就不去遵循那些基本的技巧和指法，甚至不开节拍器，好习惯是平时培养出来的，不是演出的时候掉到你头上的。

38.如果有可能，请保存你写过的歌录过的曲子---那是你最好的积累和美好回忆。

39.请不要做浮躁的人。

40.请热爱吉他，热爱音乐，爱你的亲人。

华尔兹音乐的节奏与摆荡动作(4)

本文标题：音乐的节奏与节拍-音乐的赠与
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