一 : 如何上好音乐欣赏课

在音乐欣赏课中，怎样引导学生对欣赏曲的情感内涵和音乐表现形式整体把握，去体验、发现、创造、表现和享受音乐美的过程，这是摆在我面前的大难题。每个学生都是创造的天才，把一根木棒交给他，他绝对给你即兴敲出不同的节奏，声响，音色。这是他的潜能，他的兴趣，他在探索，他要表现，从而得到自我肯定。针对一年级学生的年龄特点，我是从以下两方面来做的。
一、敲出情境。在教授《鸭子拌嘴》时，学生听的比较模糊，我让每位学生手里都拿支笔在铅笔盒上根据音乐的节奏变化来敲击感受音乐表达的不同情境，想象鸭子走路、喝水、捉鱼、拌嘴时所发出的不同声响，用不同的节奏来表达不同的情节，再由小组合作商量表现群鸭戏水，吵闹时的情景，并注意提示学生所采用的节奏与音乐表现的内容相吻合。在这样的教学情景中，学生便能很好地理解乐曲表达的内容与情绪，并常尝试自己去表现、创造。
二、敲出创造。在聆听《我是人民的小骑兵》时涉及到编创不同的节奏、参与表现乐曲的练习。我采用了先教乐理知识二分、四分和八分音符，一般的教学只讲“二分音符唱二拍，四分音符唱一拍，八分音符唱半拍”。这些概念对于一年级的小学生来说既抽象又枯燥。我从学生内心感觉出发，制造一个让学生自身感受、想象的音乐环境，从而将“拍子”的抽象概念进行化解。首先，让学生们分辨出不同的节奏：舞蹈节奏x---x---，马蹄声xxxxxxxx，枪声：嗖　０　嗖　０。其次，用碰铃、双响筒、小锣来敲击二分音符、四分音符和八分音符，使学生得到直观的感性认识。接着，让学生闭眼聆听老师发出的不同节拍的走步声和跑步声，由学生用敲击方式把听到的模仿出来，从而完成由声音感知到节奏感知的过渡。
为巩固已学的概念，我把几段风格各异的儿歌让学生按一定节拍创编，然后敲击出来。当他们亲自感知到节拍的时值概念时，就可以将二分音符、四分音符、八分音符牢牢掌握，从而灵活运用，自由创造。
想要让小学生竖起小耳朵，用愉悦的心情学会听音乐，一个好的老师应该花更多的时间来钻研教材，站在孩子们的角度去看新课程下的音乐欣赏课，统筹安排欣赏曲的教学方法，做好音乐和学生之间的桥梁。

二 : 如何欣赏高雅音乐

周阅读计划

如何欣赏高雅音乐

〔也门〕塞卜西

音乐不是生理满足的工具，音乐是人的最精致的精神产物之一。

——圣·桑

音乐是宇宙间共同的协和。

——毕达哥拉斯

音乐是河流，浇灌着大地和人们；音乐是血液，驱动人类心田里的生命；音乐是奥秘，能制约灵魂；音乐是启迪，给人睿智、天才与和谐，使人升华，领悟万物的悸动与希望的节奏；音乐是纯真与慰藉，是全人类的至爱。大自然、历史、神话、宗教、宇宙、思想意识与梦幻，都愿与音乐相伴，不厌其烦。人类历史证明，音乐以博爱、公正、智慧滋润心灵与生命。

音乐艺术只存在于人类的心灵与记忆中。音乐的韵律在历史的回眸与通古博今的聪慧脑海里融合成一首完美无缺的乐曲时，才是美妙绝伦的。懂得欣赏音乐的听众往往也是能再创作的音乐人，当我们聆听音乐时，它像出自我们内在的气质，源于我们心房的搏动，发轫于我们步履的节奏和周围大自然、宇宙的旋律。为了显示音乐的儒雅大方，世界各地很多的音乐人被冠以懂得“高雅音乐”的人。

现在，让我们一起来学一学欣赏音乐的方方面面。首先应该懂得，音乐是一种摸不着、看不见的语言，只有在内心和天良中才能具体感受到。音乐艺术的最可恶敌人，乃是音乐商。他们根本不懂得音乐的真谛，甚至是目不识丁者，唯利识途地让无辜听众争购他们手中的有毒商品，使毒素潜移默化地渗透到听众的思想意识中去，掺和着他们的吃吃喝喝、荒谬、堕落等各种落后现象。

柏拉图认为，音乐艺术是人类实现平衡的一个主要且崇高的发动机。根据这个观点，人类的音乐应为协调人类感情服务，为实现社会不同成员间或不同社会间的感情协调服务；也是个人与群体感情完整有序的表达工具。

音乐是体现人类文明的一个主要领域，与人类文明史的漫长进程紧紧相连，并隶属于每个时代，概括着社会环境的思想、情感和风貌。在古代文明中，音乐是信仰与崇拜的主要手段，是神与人之间的桥梁，也是传播知识、法律和道德的载体；战争发生时，音乐更是鼓舞士气、激发斗志、誓夺胜利的手段；在宗教礼仪、传统社会习俗中，音乐与舞蹈犹如一对孪生子。东方曾是古代文明的中心，其中尼罗河谷文明独树一帜，所以世界上许多优秀作曲家无不把亘古不变的东方精髓，作为他们汲取丰富养料的源泉。

历史上，早期的人类业已懂得旋律和节奏，古代文明就这两项音乐要素的研究，成就卓著。古埃及的音乐诞生于公元前四千年，而西方借鉴古希腊文明发展起来的各种音乐表现手段，最早也只能追溯到公元前1200至146年。直至二十世纪初，上述两项要素始终是所有音乐表现手法的最重要成分。在研究西方各国艺术创作成就时，不难发现它们最终的丰饶源泉是东方的古文化遗产，其中，古埃及的文化遗产尤为蔚为大观。世界上任何一种独立的音乐艺术，都与人类文化遗产相联系。因此，要提高我们的音乐鉴赏力，不仅要理解它产生的那个时代风格，还必须了解它的根基与发展史，才能较好地理解音乐。众所周知，公元二世纪前的希腊，以其卓越的成就成为现代欧洲文明中艺术、文学、哲学的源头。雅典艺术与埃及音乐有着特别密切的关系，雅典人从古埃及人的音乐、歌曲中学会了插曲、伴奏、重唱等多种乐曲表现手法。

音乐作为一种表达思想的艺术手段，具有一定的时代特征，体现在大众公认的音乐规则与模式里。普遍存在于社会中的共同特征，尤其是思想意识与文化特征，必然会给隶属于这个社会时代的音乐作品留下烙印。因此，鉴赏时应将音乐作品风格与作品产生时代的文化背景联系起来。

与此同时，接触和研究其他门类的艺术，如造型艺术中的建筑——综合每个时代音乐和其他艺术的立体多维艺术，能帮助了解这个或那个时代人类创造力和创新精神，而音乐本身是人类发展过程中表达情感演变的艺术。

对于一名音乐爱好者来说，听音乐的经验不仅在他文化感官享受中起作用，也为他的鉴赏水平奠定基础，为他对文化、艺术、历史的感知能力及对生活的认同感奠定基础，促使生活在更美好的道路上延续，不断接受新事物，区分伟大与卑劣、高尚与庸俗，毫不迟疑地摒弃对文化有破坏作用、对下一代有腐蚀作用的坏东西。

徜徉在人文艺术的殿堂里，能懂得什么是想像力，什么是惊心动魄的思想冲突；更能透视蕴藏在人类精神中永不枯竭的创造力。沉浸于音乐之声中是人的绝对享受，它赐予我们生活的美学价值，即对艺术美的欣赏能力，是通过理解作曲家及其艺术和对诸如曲调、节奏、谐音、和声等音乐表达要素的感官认同而获得的升华。音乐美的享受过程可概括为意义不断更新的有趣经验的获取，包括思维理解和感情反馈。

任何一个时代里有价值的音乐必然具备一些特征，如作曲家的技巧、思想体系、表达情感、印象、阅历的风格特征等，这些特征向听众提供一个更加广阔的喜、怒、哀、乐的生活感受空间，将他们与宇宙、上帝、博爱乃至死亡维系在一起，成了人生拼搏的思想情感上的“充电”，也是人与生活冲突的产物。

聆听音乐的人可以从多种渠道得到享受，如独奏演员的娴熟技巧、气势恢弘的音响、细腻悠扬的曲调等等。所以，在一场大型交响乐演奏会的高潮处，台上台下会浑然一体，完全沉浸在乐曲营造的氛围中，体会到音乐作品内涵的各种哲学和美学功能。随着听音乐经验的不断积累，鉴赏音乐的水平会不断提高，对音乐反响的广度与深度更趋加强，速度会更快捷，能捕捉到不同旋律、音调内部蕴蓄的细微情感差异。这种差异，源于音乐构思的内部结构、不同的乐器音质和不同的听觉结构。一个欣赏音乐经验丰富、训练有素的听众，能较正确地区分民歌、歌剧、协奏曲、交响曲、奏鸣曲等多种音乐模式。

欣赏音乐的另一个要点是想像，即通过对音乐的领悟，回想曾经听过的乐曲，把有关乐章的片段串连起来。丰富的想像能增强对音乐的“悟性”，帮助理解乃至深化作曲家希冀表达的意义。

最后要提及的是，欣赏音乐不宜怀揣僵化冷漠的分析思维，而应怀抱着揭示生活底蕴的温馨渴望，随着乐曲声的抑扬顿挫、轻重缓急，一起激动、振奋、陶醉忘怀。

选自《天方智慧鸟》，周顺贤、袁义芬译编，上海文化出版社2000年版

伴读知音

本文虽说是一篇说明文，读起来却朗朗上口，轻松自如。介绍性的文字能写得这么文采斐然，真是让人佩服。

更让人佩服的是，介绍如何欣赏高雅音乐的文章一定不好写，特别是在介绍对象是一点高雅音乐基础都没有的人，这会更让人不知道从何说起。可赛卜西的这篇文章却做得很好，先介绍音乐的起源，再说音乐的特征，然后说欣赏音乐需要的思维和感情，相信读过它的读者一定能在以后欣赏高雅音乐的时候有所长进。

当然靠只读理论来欣赏音乐一定是不行的，我们还需要经验。所以，戴上你的耳机，打开CD机或单放机，或者去音乐厅吧，多多沉醉在音乐的海洋里，不断地进行欣赏的锻炼，欣赏高雅音乐的水平才能真正地提高。

三 : 如何欣赏说唱音乐？

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网友夏如昊对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：



如何欣赏说唱音乐。说实话这是一个很难回答的问题，众口难调，在流行文化的欣赏上，很多时候都凭的是第一感觉。如果觉得hip hop 和 流行音乐并没有区别，那么我也无话可说。这本身并不是坏事，但是有一点值得注意：hip hop原来是与流行音乐格格不入的。MC Hammer, Vanilla Ice 两人销量惊人，在圈内，评论界饱受质疑，被骂成“sell out”就是活生生的例子。有时候，这不是hip hop anti-mainstream，是因为"real hip hop"的某些东西是无法融入流行文化的。当然，这首先得看个人的口味。

我不知道Duke 大学的Hip hop/rap Appreciation 课上都讲了什么，我在这里只是介绍一下我个人的观点，能给那些把hip hop当作一种真正的艺术或者一种文化的人与带来一点启示，或者指明一个方向。

如果看 http://www.61k.com（一个非常好的专于hip hop的乐评网站）可以看到分为两个方面的打分：
1、Lyrics Vibe 也就是歌词的评价
2、Music Vibe 也就是音乐方面的。
这样的分类就比较粗糙了。
（千万别看http://Allmusic.com这样所有风格通吃，没有节操的网站）

如果看我的review，里面都会分这样几个方面，为了叙述的条理性，我也从这几个方面介绍。



1、Substance
也就是歌词真正的有效信息，歌词带来的知识，故事或者是一些让人思索的观点。包括暗示，文字游戏，双关语这样的让人玩味品鉴的方面。

Substance是说唱音乐的立身之本，更多的信息量，也是他相比一般的流行文化最有价值的一个方面。固然，尤其在现如今的主流音乐界，有很多说唱歌曲只是在吹嘘自己的money, guns & bitches，或者只是以把16 bars填充满为目的，说出来的东西没有实质意义，只是为了做出这首歌好让人们在dance floor 上面跳的开心。当然这样的说唱乐存在是有一定的意义，但对于hip hop纯粹主义者来讲，这种歌的大量存在是对hip hop文化的扭曲甚至玷污。

什么是拥有substance 的说唱歌曲？

我们不得不回到1982年，Grandmaster Flash & Furious Five 的一首 The Message 正式宣告了说唱音乐脱离了仅仅以party为中心的一种娱乐方式。这首歌曲中首次对一些社会现象进行叙述和批判，第一次给说唱乐，这种起源于街区party的艺术赋予了更深层次的社会意识。(Social Conscious and Awareness) 感谢Melle Mel,真正伟大的MC。

Turned stick-up kid, but look what you done did
Got sent up for a eight-year bid
Now your manhood is took and you're a Maytag
Spend the next two years as a undercover fag
Bein' used and abused to serve like hell
Til one day, you was found hung dead in the cell
It was plain to see that your life was lost
You was cold and your body swung back and forth
But now your eyes sing the sad, sad song
Of how you lived so fast and died so young so

随后，这样的例子在说唱的黄金时代出现了很多。如Slick Rick，Native Tongues，KRS-One（说教和传播知识为主） 最杰出的要属Public Enemy 。Chuck D将说唱音乐歌词的Substance提升到了一个前所未有的高度。将说唱音乐赋予了激进的政治意识。Chuck D 可谓将自己的对种族歧视，政治阴谋，媒体虚伪等一系列问题的看法都直白的写进了歌词。这样有实质，有思想的，同时令人深思的歌词是影响深远的。The Rolling Stone, Time都给予他们专辑很高的评价。Chuck D的歌词早已代表了说唱音乐意识的巅峰。
http://en.wikipedia.org/wiki/It_Takes_a_Nation_of_Millions_to_Hold_Us_Back

如这首最为经典的，令人热血沸腾的Fight the Power

While the Black Explainbands sweating
And the rhythm rhymes rolling
Got to give us what we want
Gotta give us what we need
Our freedom of speech is freedom or death
We got to fight the powers that be
Lemme hear you say
Fight the power

就如同街头黑人政治运动的颂歌。

近些年的一些歌词拥有社会意识或者政治色彩的代表：Dead Prez, Paris, Common, Mos Def, Talib Kweli，Jedi Mind Tricks, Immortal Technique, Kendrick Lamar.

有些歌手本身是不习惯在歌词中加入社会意识，政治色彩的，但是好的叙事方式，好的wordplay 同样能让人叫好，这样的例子就太多了。有人说说唱音乐是“直白”的，这样的概括是很不准确的。好的说唱歌词是纯正的poetry， 会用到讽刺，借代，比喻，双关，影射，引经据典等一系列的手法，真正的意思有时很隐晦。在hip hop鉴赏者的眼中， 一个词作能力强的说唱歌手即使吹牛也是能和平庸的歌手瞬间区别开来。

比如这首出自Madvillainy 的 Accordion，只看这几句，可能没有一定文化背景知识的人很难知道这名rapper在表达什么:

When he had the mic you don't go next
Leaving pussy cats like why hoes need Kotex
Exercise index, won't need Bowflex
And won't take the one with no skinny legs like Joe Tex

如下是解析：

当他拿着麦的时候，你无法跟上他的水平
When he had the mic you don't go next

让菜鸟们的下场如同婊子需要高洁丝的原因
Leaving pussy cats like why hoes need Kote

Pussy cat 双关，有菜鸟或者女性生殖器的意思。高洁丝——一种卫生巾。让菜鸟流血，而流血也是Pussy cat 需要卫生巾的原因。你懂的。

活动下食指即可，我不需要Bowflex
Exercise index, won't need Bowflex

表示枪就能解决他们了，不需要用Bowflex——一种健身器械品牌的器械锻炼。

而且我像Joe Tex那样，不会领那些有纤细长腿的女人的情。
And won't take the one with no skinny legs like Joe Tex

食指得到锻炼，说明前戏厉害，这样他找女人也不用愁了，不用锻炼，却可以挑肥拣瘦。
Joe Tex 是70s 的歌手，经常说词儿，类似rap。
他的单曲：“Skinny Legs and All” 有如下的歌词：
“Hey,Joe”..
“Yeah Bobby?"
"Why don’t you take her?"
"You-a-fool? I don’t want no woman with no skinny legs”

这就是吹牛的最高境界：充满典故，暗示，黑人俚语（Ebonics），双关语，文字游戏。

（打个广告）多关注http://ourden.net字幕组吧，有很多晦涩的词都在视频中被解释的很到位。


需要说明一点，有的说唱歌手的歌词需用心体会，但是另外一些则容易over interpret过度阐释，需要把握尺度（如Lil Wayne, 50 Cents 的歌词，大部分时候，看到什么意思即是什么意思，否则就没意思）。

总之，欣赏一首说唱歌曲时，歌词就是MC的灵魂，首先应该看他的歌词是否有高度，或者至少能让人受用，给人启发或是带来惊喜和快乐。



2、Representation
也就是一个MC的声线，节奏感，flow，发音，韵脚。

Flow的定义：
The flow of a hip-hop song is simply the rhythms and rhymes it contains.
flow就是节奏和词的结合。
——How To Rap

Flow风格的选取其实跟个人的风格也有关系。说唱发展到现在，产生了很多复杂的flow，各种各样的flow。比如有些rapper写完词儿后将整体后移半拍，造成一种错落的感觉。

“说唱踩节奏也很有技巧，慢速的rap经常故意稍微不踩准，让人有摇晃感。”
这是很对的。

有些rapper 如MF DOOM的flow捉摸不定，时快时慢，感觉没有踩上鼓点，实际上在自由地驾驭节奏。在他的世界里，这为了给听众造成一种扭曲，奇异，神经质的感觉，迎合他反常规的风格。Eminem flow pattern 的灵活变换也展现出了他的高人一筹的技术。

Flow其实没有好坏之分，不一定要把每个八拍都用音节填满，但是一般来讲，一直用过于单调，松散，初级的flow体现的是一个rapper 技术上的缺陷。而流畅顺滑的flow是很彰显一个MC的节奏感，词作，说唱技术的。

在押韵方面，并不一定是压的越多越好，比如太多的双压在一起让人感觉廉价而枯燥。而且很容易就会为了押韵而写词，让整个歌曲变得空洞而没有意义。这种押韵的平衡的掌控对于歌曲的表现是很重要的。

说唱的Vocal是很重要的，最显著的例子就是Mobb Deep 二人组。听他们的说唱是不用认真去听他们在表达什么的，他们的粗糙嗓音，黑人口音本身就给人一种享受，一种如同黑巧克力般顺滑至极的感觉。Prodigy 和 Havoc的flow没有多么高明，有时可以说是一成不变的，但他们的词儿就是不用押韵也听着舒服。而Cypress Hill 的B-Real 与这些东岸硬核的rapper 正好相反，用的是一种和Beastie Boys 的Mike D一样的尖厉的alternative vocal。但B-Real和拉丁说唱Funky而诡异充满大麻气味的制作（充满了尖厉的声音）也是一种完美结合。不过很难想象B-Real 用上 Da Beatminerz 的Beat会是一种什么样的后果。Slick Rick 清晰的英音，Q-Tip的甜美，DMX的沙哑，Method Man 低沉厚重都是他们令人难忘的特点，如同签名一样独一无二。这就是Vocal 起到的作用。出了独特性方面，总得来说，如果Vocal懒散无力，缺乏气场，如Del the Funky Homosapien 这样是representation上的不足。

发音方面是次要的，黑人男子的口音总的来讲都会有些模糊，只要不是太影响听众的认知即可。

还有一些次要的东西，如像Das EFX那样在词的结尾加上 -iggedy 比如 bone thugz-n-harmony ，twista的飞快的说唱。这些无非就是rapper在凸显自己的独特，让人记住了。

@孙尉翔

“是否有技巧地给其中一些词规定固定的音高，这是rap的一大趣味。但这一点使得rap好像是天生为英语这种音调比较自由的语言而设的。所以有很多中文的rap唱出来为了这个特点不得不把原来的中文字读音改掉。”

这点我十分同意，中文这个语言在音调上缺乏自由度，在说唱中就会有缺陷。韵脚与韵脚音调的不重合不可避免地会降低美感和流畅度。

“这一段，编曲做的伴奏，低音每句都下行一个音，结果跟说唱用的key，每句都能形成一个独特的和弦。”

这些就是锦上添花之笔了，不是representation 的核心部分。个人认为这些乐感上极其细致的分析在说唱音乐中不是那么重要。不要忘了Rakim 和 Guru 的monotone，也就是单“调”的说唱，照样让他们成为了说唱界的传奇。



3、Production
制作。

A sample is a recorded section extracted from a sound recording or a reproduction of a written composition.
采样就是从一个已录好的声音片段中提取的一部分，或者是已写好的作品的复制。
——Gotta Get Signed

作为一个采样技术的忠实拥护者，我依然认为采样是hip hop 音乐的核心，采样让hip hop 音乐诞生，离开了采样的hip hop就失去了很多的魅力。 采样技术的衰落是我们的不幸。对于一个采样为主的制作人来说， MPC就是他的乐器，而采样给他的音乐赋予了无限的可能，可能是 James Brown, Jazz, funk , soul, rock也可以是邵氏功夫片，60年代闽南摩登金曲。反过来，采样也让更多人在无意中欣赏到了那些不为人所知的音乐。 好的采样需要技术，采样是一种艺术，采样让我们在一首歌曲里看到了更宏大的音乐世界的legacy。

从取样的角度来看，不同取样的融合程度，音乐性，还有取样的技术性，创新程度，都是制作这方面的重要考虑因素。

从 http://whosampled.com你可以看到说唱音乐的源头，也可以看到某首歌曲的采样是否让人叫绝。可以看到为什么Pete Rock, DJ Premier, Large Professor 是hip hop制作人中公认的传奇。

比如：
DJ Premier in Deep Concentration (1989)
取样了：
Summertime by Billy Stewart (1966)
The Awakening by Ahmad Jamal Trio (1970)
Handclapping Song by The Meters (1970)
Funky Stuff by Kool & the Gang (1973)
Summer Madness by Kool & the Gang (1974)
Stoop Rap by Double Trouble (Hip Hop Group) (1982)
Change the Beat (Female Version) by Fab 5 Freddy feat. Beeside (1982)
Marley Marl Scratch by Marley Marl feat. MC Shan (1985)
I Ain't No Joke by Eric B. & Rakim (1987)
Paid in Full by Eric B. & Rakim (1987)
It's My Thing by EPMD (1987)
Movin' On by Gang Starr (1988)

这是DJ Premier 1989年一首歌，这首歌的采样比现在大多数说唱专辑整张的取样都多。这么多的样本巧妙融合到一起当然需要很强的技术，更需要很好的乐感，大量的积累，对音乐片段或人声片段超群的记忆力。如果融合的很好，这样的制作从hip hop的角度上来说就是很出色的作品。

另一方面，器乐制作， 如 the Roots 的 live instrumentation ， 还有 Limp Bizkit 的摇滚的评判标准就完全不一样了。而现在synthesizer, auto-tune,electro 为主导的说唱也是hip hop的corporate control, 商业化和版权问题干扰下的一种必然的趋势。这样的音乐当然很适合在现如今的club 里播放，每种制作方法都有不同的优点，但是就不会有hip hop取样音乐的魅力了。需要具体情况具体分析。



4、Chemistry
化学反应。
这是一个难以详细解释的方面。Chemistry可以理解为是说唱音乐的整体性。我们需要把之前说的3点综合起来。就比如之前所说的沉重粗糙的vocal对应的东岸的硬核说唱，而尖厉的声音对应的是funky诡异的拉丁说唱。就每首歌而言，化学反应也是不一样的。

举几个例子：

如Takeover 这样毫不手软的Dis Track需要一个十分强有力的鼓点，才能体现出“接管比赛”这样的气势。Kanye做到了，这就是因为一种producer 和 rapper之间，曲和词之间的chemistry, 所以Takeover才会那么成功。

Your reach ain't long enough, dunny
Your peeps ain't strong enough, fucker
Roc-A-Fella is the army - better yet - the navy!
Niggas'll kidnap your babies, spit at your lady
We bring knife to fistfight, kill your drama
We kill you motherfucking ants with a sledgehammer
Don't let me do it to you, dunny, cause I overdo it
So you won't confuse it with "just rap music"

很难想象这首歌如果有一个I Need Love 那样棉柔的鼓点会有什么灾难性的后果。

又比如Madvillain 的All Caps，充满了Madlib大胆，诡异，来路不明，模糊浓重，阴暗的取样，DOOM神经质的flow，给人一种疯狂，扭曲,黑暗的气氛。所以这两个人，Madlib, DOOM的duo就有了最好的chemistry.也完全符合专辑的概念。

So nasty that it's probably somewhat of a travesty having me
Then he told the people
You can call me Your Majesty
Keep your battery charged
You know it won't stick, yo
And it's not his fault you kick slow
Should've let your trick 'ho chick hold your sick glow
Plus nobody couldn't do nothin' once he let the brick go
And you know I know that's a bunch of snow

时快时慢，间歇性的flow， 捉摸不定，更加重了这样的气氛。让很多人无法自拔。

再比如Luniz 的 I Got 5 on it
轻柔的旋律，迷幻的感觉贯穿全曲，完全符合歌曲——描述抽大麻的主题。

Player, give me some brew and I might just chill
But I'm the type that likes to light another joint like Cypress Hill

听到这里，让人也有一种抽飞了，脑中充满幻象的感觉。这就是完美的chemistry。

每首歌曲的主题意境不同，每个MC的风格也不同，制作人的特点也不同，这样的Chemistry无法详细阐释，但有时候强大的chemistry 恰好能决定一首歌曲是否成为经典。



就从说唱音乐的欣赏来看，看到这4点就已经足够了，当然如果十分感兴趣，也可以在歌手生平，歌曲的背景做一些功夫，加深对这首歌的认识和理解。但从一个好的说唱歌手的作品中，一般就能了解到这些知识。

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网友匿名用户对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
我非专业。我对rap的鉴赏点有以下几个：
1. 是否有技巧地给其中一些词规定固定的音高，这是rap的一大趣味。但这一点使得rap好像是天生为英语这种音调比较自由的语言而设的。所以有很多中文的rap唱出来为了这个特点不得不把原来的中文字读音改掉。
2. 结构。即ABA或ABA'之类，或者有“副歌”这种，有这些结构的话会好听，本来是音乐上的规律，rap也有会遵守这些
3. 和弦变化。传统有旋律的歌曲，伴奏的和弦是要根据该段旋律的特点来选配的。rap没有旋律，照理其伴奏的和弦就不需要怎么变了，其实不然，一个和弦咚咚咚到结束会很厌烦。所以也要适时的变和弦，而且变得也有好听难听之分。其实，rap并不是没有旋律，只是它的旋律的规定性没有传统音乐这么死（像五线谱这么精确）。所以rap叫“说唱”是很贴切的，其实有在“唱”。

例如双截棍第一次唱这一段的时候：
他们儿子我习惯从小就耳濡目染
什么刀枪棍棒我都耍的有模有样
什么兵器最喜欢双截棍柔中带钢
想要去河南嵩山学少林跟武当
加粗的字是用特意保持用同一个key开始的。这相当于整段动机有一个支柱和平台。这种感觉是很重要的。
第二次唱这一段的时候，“旋律”又改了，但这四句必定是统一的。

然后以下这段和弦变了，rap的基key也要变，
呼吸吐纳心自在
气沉丹田手心开
日行午里系沙袋
飞檐走壁莫奇怪
这四句的key也是配合改了和弦的伴奏的，不是随便换的。再然后，和弦回来了，“一个马向前”之前那一句“嘿”的key就是正对回来的和弦的。如果这个嘿走调的话，感觉立马就消失了！

副歌“快使用双截棍哼哼哈嘿”那段，背景音乐有一个二胡的旋律，用简谱写就是6 7 3 5四个音不断重复。在这里，“哼哼哈嘿”的那个key是跟二胡旋律的那个6一致的。唱的时候key就要对。
整首曲子都是这种情况，我不再重复举了。因此，到头来说唱对音准能力的要求是很高的。rap的创作也不简单。

慢速的rap也很讲究。例如Fugees的随便一个作品都令人惊叹。不经意透出来的似唱非唱的一句旋律，拿捏得太好！

rap对key有要求的另一个例子就是，有时每句的某几个字都有另一个人的“和声”加进来。加和声的那个一定要抓准key才好听。

说唱踩节奏也很有技巧，慢速的rap经常故意稍微不踩准，让人有摇晃感。

其实，把普通话的音调改掉完全符合音乐旋律，本来就是国语歌的惯例。粤语由于本身就有音乐性，所以粤语歌的旋律和歌词在平时讲粤语的音调如果不配，立马会很难听。（例如儿歌《世界真细小》），国语歌没这问题。粤语的rap可能就反倒容易些，因为原本分离的两者统一了。rap本身需要的那种音乐性，粤语本身就可供挖掘。所以，粤语的rap本应有更多佳作才对。但是至少我到现在没有听到上档次的粤语rap。

rap的运气也很重要。

节奏不是不重要但不是难点我觉得。随便搞一个很带感的鼓音什么的，编曲基本素质了吧。所以，更好的rap，编曲不是一般带感。例如Eminem的The Real Slim Shady。一开始就不用说了，副歌
I'm Slim Shady
Yes I'm the real Shady
...
这一段，编曲做的伴奏，低音每句都下行一个音，结果跟说唱用的key，每句都能形成一个独特的和弦。这段音乐简直可以作为歌曲而成立了。最后重唱的时候加的口哨旋律用的几个音同样是配合唱的key选的。我觉得可以说是浑然天成，每次听到这里我都很舒服原因就在此。

普通常规hip-hop的节奏会使得一个rap很廉价。

有很多时候我听到rapper说一些定的时候用到了共鸣，跟唱歌一样。但现在很难举到例子了。

所以，不要以为五音不全没有气息的人就可以去唱rap。rap的门槛很高，而且也许资深的老师比一般的声乐老师少得多，特别是国内。就算是懂唱歌的歌手，也不是随随便便就能学到rap，不懂唱歌更免弹。也许是因为这一点一般商业打造的明星想很少考虑包装成rapper，除非他自己本身恰好是资深rapper。

这是我觉得很多人误解之处。当然我不是专家，以上可能是我自己的意淫。

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网友陈羡生对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
不喜欢长篇大论，也不复制给楼主。简单讲两句，说唱音乐是通俗的，迎合普罗大众，丰富生活的产物，并不用你像欣赏专业古典乐，民族乐，歌剧一样带着特定的审美角度和方式。刻意用“欣赏”两字才他妈是装逼。
喜欢就喜欢，不喜欢就不喜欢。你可以因为Jay-z的节奏舞动，哥几个跟着哈狗帮的旋律调戏同班的小妹妹，有消遣，有娱乐不就好了。
说得更低俗一点，对着苍老师心满意足地释放生命的种子后，还要穿好裤子板着脸一帧一帧去分析每个镜头构图和布景，“这个屁股撅高一点更好？”

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网友齐蔚佳对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
耳朵觉得舒服就是好
非要拿着量角器去量是不是达到了歌词，韵律，节奏，内涵，各项指标才算欣赏的话
那真不叫听音乐了

PS：有些人虽然写了那么多鉴赏方法和维度，但是估计也屈从耳朵比较多吧

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网友Ga Ou对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：

非专业人士。手机码字。
听说唱是从高中开始，最开始听的都是喷麦的，算不上是说唱吧。从大众音乐上算的话是从周杰伦转过来的。听了mc hot dog，天津的贱男春，北京的阴三儿。
大学的时候认识了北京的学长，推荐了很多北京的说唱组合。较劲，双棒，新街口，慢慢的开始写，录，所以看见这个问题有些话想来回答。
听你问的问题，可能对于说唱不常听的吧。
首先，端正态度。
说不上端正其实，只是不要带着有色眼镜。韩流来袭也好，老师你好也好，有很多说唱饱含脏话。但是，这只是说唱真实的一种表达，他不全是脏的。我见到的大部分人都是因为觉得他粗俗而鄙视的，我给他推荐的歌他们也不会认真体会。说唱要真实，它接地气。
只不过我闻到的是泥土的芬芳，他们看到的是泥土的肮脏。
其次，关于旋律。
当时，我写了一首歌给妹子，妹子听完说我还是比较喜欢有调儿的歌，你不如唱首林俊杰给我听。
说唱不是没有调儿的。这句不像给你说，像是说给那个妹子，你的伴奏就已经决定了你的调子，其他的高度是有违和感的，真心的，妹子你相信我。
三，关于歌词。
歌词是一首歌曲的灵魂。我觉得有道理，这就说到当时那个骂街的歌了，其实很简单，说唱表达你真实的感受，现实就是这个尿性，你去描述他自然而然可能出现脏话，什么都可以说，这是其他音乐不具备的特点，而这才是真正的音乐，我在之前听主流的时候，全是我爱你你爱我你爱不爱我，而听说唱时我能听到，当我看见未来变成了黑色，于是我问自己应该如何去选择，对错善恶无法把握的悲伤与快乐，欲望诱惑着我。他的信息量大因为语速快，所以有很强的意识流在。至于词，你去说你想说的话好了，管他脏不脏。
这样的歌有真感情，而且贴近你的生活。
最后，节奏。
节奏是说唱的灵魂。说唱有好多灵魂。节奏是rapper的另一个乐趣所在，每个人都不同，譬如热狗的低音，譬如蛋堡的轻快，哦对蛋堡的词不错热狗双押韵很棒，譬如较劲的故事性，等等等等，同样都是八拍就看你怎么拆，说得好人会和你一起摇头，说的不好就叫数来宝。

其实说了这么多都是废话，音乐这东西就是个听，喜欢就好不喜欢就算，我是那种嘴巴停不下，热爱押韵，不会街舞但是听到鼓点就会帕金森的人。喜欢真实。楼主多听一些你就会发现不全是脏的，你就会发现是有旋律的，歌词超棒，好像和他一起摇摆。

跟着我的节奏一起点点头 就算不爱说唱 一样热爱自由
音乐出现 是为了表达人的信念 只要你能觉得来电 风格不是关键
你既然问了问题 我相信你有兴趣 有别人推荐歌曲 请认真感受旋律
志同道合的朋友 我们互相鼓励 不管别人怎么看 我们 继续

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网友涂燕对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
说唱，我之前学生时代有学长举办一个叫嘻近运动，全是玩这种的， 特别high

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网友Shaun Li对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
非专业人士，抛个砖吧...说唱音乐如果是指代Rapping，那么首先它是一种音乐方面的艺术表现形式。

可以尝试从以下几个方面入手来提升对Rapping的欣赏/鉴赏能力。

一、文化角度
Rapping/MCing是嘻哈文化（Hip-hop Culture）的四大代表性元素之一，还有 DJing/scratching, break dancing, 以及 graffiti writing。嘻哈文化是起源于美国的著名亚文化，以及美国黑人最有代表性的文化之一，其实长久以来并不受上层社会甚至是主流社会的待见，这与黑人历史上在美国的社会地位低下是分不开的，套用现在流行的话来说，那是屌丝中的屌丝的流行文化。

Rapping与其他艺术形式一样，正所谓来源于生活而高于生活，因此歌词中通常充斥着犯罪、帮会、毒品、性、枪支、金钱、香车美女、奢靡生活，充分反映出社会底层黑人生活的状况，表达不满的诉求以及其飞黄腾达之后生活的向往。

随着近几十年来美国黑人社会地位不断提升，嘻哈文化，尤其是音乐，得以逐步登入大雅之堂。但是也涌现出一种思潮，认为嘻哈已死，而现在风靡的那些嘻哈音乐和明星，只能称为Hip-Pop。当然有一句话深得我心的，就是 Hip-hop is what it means to you.

二、音乐历史角度
一般认为Rapping最早起源于几百年前的西非传统音乐，随着黑奴贸易而在美国生根发芽，慢慢经历了与Blues、Jazz等黑人音乐风格的融合和发展。

三、音乐技法及流派角度
这方面留给专业人士解答吧。。。

四、歌手乐队
了解歌手、乐队的出身、成长背景，可以更好地理解他们在歌词和演唱中所要表达的情感。

比如说50 cent，出生在单亲家庭，母亲15岁生下他，是个毒贩子瘾君子同性恋，而且在他10岁时候自杀。在一个畸形的家庭和环境里长大，50 cent跟很多黑人孩子一样走上了贩毒的路子，然后进少管所后出来改过自新。所以他的音乐里透露着少时生活的影响。

再看Eminem，小时候父亲抛弃妻子，在单亲家庭长大，但是却没有走上青少年犯罪的道路，而是从小在舅舅影响下接触嘻哈音乐。所以在Em的歌曲里面，经常透露出对家庭、亲情以及责任的反思，当然他自己的婚姻之路走得并不顺畅。

五、专辑及歌曲背景
还是拿Em做例子，05年的专辑《Curtain Call: The Hits》里面的《Mockingbird》以及《When I'm Gone》，都是很让我感动的歌曲。抒发了他对家庭和女儿的愧疚，同时希望与前妻同归于好的想法。果然在06年初，他们复合了。

总结一下，可以尝试融入到嘻哈的文化背景中，以体会歌曲所抒发的情感，来更好地欣赏说唱音乐。

最后用D12的一句歌词来结束:
"Hip-hop, that's the way of life."

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网友余远洲对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
先从中文听起吧

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网友chansey对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
听rap就要听歌词。比两个MC谁有才就比他们歌词就行。比如这个http://www.61k.comEminem/Why-is-Lil-Wayne-better-than-Eminem

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网友HSPENG对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
首先rap是门艺术。
美国纪录片《说唱艺术》里面提到过
“说唱的欣赏是要去学习的”

简单说，听说唱必须比听普通的流行乐更加专注，注重它的flow、韵脚、歌词的逻辑性，歌词创作角度的新意，还有现在很流行讲的punchline，巧妙地词句构造，妙语连珠。

可能很多人不太理解flow是个什么东西，这个就得多去听不同说唱歌手的作品，多听你就可以听得出每个说唱歌手在说唱时候的阴阳顿挫的不同，同样的词给不同的歌手唱感觉都不同，这就是flow，一般特点显著的歌手都会有自己独特的flow，也有些歌手的flow是靠模仿（这不是贬义）起步的。

如果楼主真的对说唱音乐感兴趣，建议多去听说唱作品，而后你就会体会到里面的奇妙。

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网友黄有鑫对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
对于我个人来说，首先肯定看歌词看韵脚，其次听flow，这两点足够了。

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网友大饼小将对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
你可以先听一听那种口水歌，比如姆爷有的几首的副歌很悦耳，像《Stan》《Love the way you lie》等等，当然侃爷的公鸭的也行，然后听听其中的韵脚之类的东西，然后把韵脚和节奏组合起来，我也是门外汉，不专业，一些名词我也不了解，不过很喜欢说唱，顺便看一看说唱的电影也行，姆爷的《8英里》就不错，我感觉气氛最有感染力的就是现场啦，看一次爽一次

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网友Iron Man王进喜对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
听一听北大力南逸峰的《我的故事》，你会爱上rap的，相信我。

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网友张白羊对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
首先，你要能听懂。

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网友陈禹对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
非专业人士。
我最爱的大神是EMINEM .
他的详细资料我就不详述了，我认为说唱文化用两个字就能代表。”批判“
批判社会的不公，批判人性的虚伪，批判一切你看起来不爽的东西。
永远要记得，说唱不是真理，更无关政治，只是歌者表达自己内心的想法的一种途径。
所以听说唱要是不能接受歌词里面的不良词语的话，还是不要听得好。
姆爷最开始的歌曲都是调侃，都是谩骂，中期自我认识之后出了几首温情的歌，到现在带点小励志的曲风。都是他内心的真实写照。
所以欣赏说唱音乐除了要了解歌曲本身，还要了解歌曲的作者。
中国MCHOTDOG 的说唱一般般，北京那片儿的还可以，节奏一般，词写得挺犀利。
想听说唱的，凭心而论，还是欧美的比较优秀，节奏，歌词，语调。种种。
听说唱就是听得那种”爷就这样，你们爱谁谁！！！‘的范儿。
自我宣泄，自我认识，自我反省。说唱这个东西在国内发展很慢，南京的一直和北京的不对付。其他地区的也不行，都处于半脑残的孩童时期。当然，就算再烂，也比棒子那种骗花痴的说唱要好得多。
记住批判二字。这是说唱的灵魂。

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网友刘翔对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
非专业人士..我就说说一般我听RAP时比较注意的地方吧. 一般我会先听歌曲的节奏..因为RAP和别的歌曲不一样就在于它带有很强的节奏感...一个好的节奏才能让一首RAP流畅的演唱出来.然后就是歌词,因为说唱就是通过歌词来表达自己思想.它不像流行乐,它的歌曲更加的简洁.不过会大量运用比喻.再来一个很重要的就是了解这个歌手和歌曲创作时的社会环境..尤其是听一些独立创作的歌曲,因为现在很多说唱乐经过商业化的包装,已经慢慢的淡化了这一方面.所以我很喜欢听一些歌手刚刚出道时的歌曲.那时他们的歌曲更加贴近社会.因为比较说唱乐是起源社会底层人士的..最后就是慢慢品味歌曲的雅韵了.你会发现一些很特别很好玩的东西.比如为了雅韵经常会将一些词的发音用另外一种音节发出.

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网友文明人弹烟头对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
一个外行表示只是觉得节奏带劲

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网友高家南对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
感觉第一节奏绝对很重要，rap本身就要给人一种节奏感和押韵的流畅的感觉，其实想说中文相对来说不是很适合唱说唱，rap发源于美国，英语可以比中文说的流畅的多。
第二是格调，说唱在美国可以说是最大众的音乐形式了，你在街边看到美国青年开车，十个有7个在放说唱，感觉和中国网络歌曲差不多，而且这门艺术起源于黑人，因为黑人的文化和独特的口音常年被黑人把持，因而格调不是很高，哪个三流歌手没事儿拽两句录下来也能算专辑，感觉可以听听Eminem，他的歌中经常有激励人这样的主题，听听姆哥和其他的说唱歌手感觉不一样

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网友高子淇对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：

非专，即兴说唱看文采韵脚与伴奏的结合说白了看积累，作品风格，韵脚，和拍，和创新吧

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网友柳翰朋对[danceflow]如何欣赏说唱音乐？给出的答复：
说唱的特点是什么？脏话和beats吗？这是大众对说唱音乐的普遍看法，但是我个人觉得，说唱是每个人内心深处的想法用一种强有力的方式表达出来，所有的说唱歌手成名作都是一种对自己生活中遇到的trouble 的抗争，表达的都是“i don't give a fuck of these motherfucking trouble‘这样的感情。对于一个说唱歌手来说，听众能和他产生共鸣或者是能够因为他的歌而重新对生活充满希望就能让他满足。阿姆的歌为什么能这么火就是因为他的歌能给那些失意者力量，能让他们重新站起来。这是我的回答，病句挺多，表意不清，请谅解。

四 : 如何欣赏龚琳娜的音乐？

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网友不鳥萬如一对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
知乎上那麼多以如何看待、如何評價、如何欣賞開頭的問題裡，這個是最好的。我們真的要想想該如何看待龔琳娜。

對 Robert Zollitsch（老鑼）/ 龔琳娜音樂的評價必須放到兩個語境裡看，一是西洋人聽亞洲音樂的語境，二是民族音樂翻新的語境。我對本版幾乎所有答案感到愕然。首先請大家聽幾首歌：

1. Sainkho: Valley of Shadows

Valley of Shadows Sainkho Namtchylak Valley of Shadowsmp3 Valley of Shadows歌词

2. Kurt Schwitters: Ursonate(Jaap Blonk 的版本)

http://www.61k.comwatch?v=JgNL8-FdG-k

這幾首歌和《金箍棒》的區別在哪？主要區別是沒有我們熟悉的文化元素：Sainkho 是圖瓦共和國的女歌手；Ursonate則是「聲音詩」（sound poetry）這個藝術類別裡最有名的作品。這些東西是陌生的，一般中國人沒事不會去聽。而《金箍棒》，素材是中國的，旋律是有中國風味的，而且還是鄉土的。同樣是不倫不類的東西，我們對自己文化中的不倫不類顯然沒那麼寬容。

但從音樂技法上說，《金箍棒》和這三首歌屬於同樣的語境：人聲實驗——即把人的肉嗓當作樂器來用，並取消歌詞在語義上的功能（這一點在 Ursonate裡做到了極致），以及民族音樂與西洋流行音樂的融合。這兩點都不是新事物，在世界範圍內，都是有至少幾十年歷史的音樂藝術實踐。我們很難脫離這個語境去談龔琳娜的這些音樂。

《金箍棒》、《忐忑》等曲子的作者 Zollitsch 是個亞洲音樂迷，也是民族音樂學者。他的目標想必是讓民族音樂活起來，不斷有新的作品、新的創作方向。說實話，如果只是想把民族音樂做得更容易被消費，完全可以用「心靈治療」或「返璞歸真」等名義包裝一下。但這不是他們夫婦要的東西。他們的心態要純粹得多。Zollitsch 當然是嚴肅音樂家，龔琳娜也是。他們只是比其它嚴肅音樂家更善於利用媒體，更不羞於出名。本質上，他們做的事情，跟 Sainkho，跟多年前劉索拉做的事情都沒有區別：試圖嫁接傳統民族音樂（元素）與現代音樂（元素）。至於做得好不好，那是另一回事，完全可以討論。但在對當代音樂藝術缺乏瞭解的前提下，一味用「沒下限」「神曲」「譁衆取寵」之類的字眼來諷刺，實在是反智的典範，只能給所謂後現代文化研究學者提供素材。

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网友匿名用户对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
@Lawrence Li 从专业背景角度解读了《金箍棒》，正好《人物》杂志2月号有一篇关于龚琳娜的文章，或许有助于从演唱者自身的背景出发去理解她的作品：龚琳娜幼年时候的榜样是李谷一、彭丽媛。1999年龚琳娜以文化部颁发的“民歌状元”身份从中国音乐学院毕业，2000年参加青年歌手大奖赛，得到民族唱法专业组银奖、“观众最喜爱的歌手”。24岁时龚琳娜加入了中央民族乐团，四处巡回演出。
但2000年到2002年期间，她极其痛苦。尽管收入很好，但是“一点都不快乐”。“不累。对口型，上台就唱一首歌。去一个城市，别人接待的特别好，住很好的宾馆，有很好的收入，经常会有领导陪你吃饭。为什么会累呢？因为我在音乐里没有满足。”她的痛苦远不止于精神上，甚至到了生理上想要作呕的程度。

2002年，龚琳娜遇见她现在的丈夫老锣。老锣跟她说，你像木偶一样唱歌很恶心，假唱是不对的。这几句话“就像一个人扎准了我的穴，扎通了。”
随后，龚琳娜从30个人甚至4个人的家庭聚会重新开始真实的演唱，从技巧到内心。她一开始甚至紧张得《月亮代表我的心》都唱不准。但那以后，她再也不做晚会歌手了。
由于对中国新民乐的前途看不清，龚琳娜2005年随丈夫搬去德国。她在森林里待着，看，听，背着孩子唱民歌。等2010年回到天津演唱会，她已经不再是那个唱颂歌的、娇美的女人，但是欢快得不行。生命活出来了，把美都远远抛到了后面去。相信其他人在知道龚琳娜老师的背景之后，会多一些自己的看法。

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网友蒙面大侠对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：

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网友匿名用户对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
小时候看过很多遍《新白娘子传奇》，每次看到白素贞被关进雷峰塔的情节，都会很难过。有时也会看着法海，感到好奇——他真的如此专注于自己的原则，可以直接无视他人的巨大的痛苦？

听到《法海你不懂爱》的时候，我想起了自己的这个疑问。只不过，我只是想想，龚琳娜把它唱出来了。而且用的是民歌的方式。

我感到不适，不适来自两方面——1. 她的曲子和我习惯的《新白娘子传奇》的配乐不是一个类型；2. 我已经习惯了接受《新白娘子传奇》中的悲剧，注意力集中在白素贞和许仙那里，而这首歌的注意力中心是法海。

注意力中心的转换，我想比配乐的差异对人们的影响大得多。可能大多数人已经默认接受了白娘子打不过法海的事实，更接受了法海是个冷酷的和尚的事实。甚至，可能不仅仅是接受，人们已经自豪地宣称：没错，法海就是这个样子的，白娘子哭了那么久都没用，你对着他唱歌有意思么？

这里想向大家介绍Lady Gaga的《Judas》。这首歌在美国也有争议，我甚至在Youtube上好奇地问过一位愤怒的大妈为什么她不喜欢这首歌。在她看来，Judas就是邪恶的化身，恨不得让广电总局以及各种局禁了他，结果Gaga居然写了一首以Judas为主题的歌？有没有搞错？亵渎！亵渎！亵渎！

所以，看到网上对《法海你不懂爱》的各种谩骂，我想起了那位大妈。她出于宗教立场，而很多人的可能没什么立场可言，只是习惯了民歌的那些唱烂了的主题，习惯了民间故事的传统格局，习惯了，习惯了，习惯了……

从这件事情里也可以看出人的自恋。在上面的评论里我甚至看到了“封杀”这种极端的言论，一个人得有多自恋，才能把自己无法接受的艺术给封杀掉？为什么你不是仅仅简单的不理它呢？一个世界，如果仅仅有你所熟悉的那些艺术，它得有多贫乏，多么缺乏活力？

科学上，发现无理数的人，居然还被死刑处死，仅仅是因为大家不愿意接受这个打破自己“一切长度都能被分数来表示”的自恋的偏见的事实。好在事实就是事实，不被发现，也依然是事实。可是艺术呢？它消失了，可能就永远消失了。

龚琳娜把人声当乐器用，把传统故事的配角当作新的主角，最终的结果可能并不是那么赏心悦目，但至少，会引起有心人对于“艺术创新”的些许思考吧？这种探索式的艺术实验，或许本身并不能直接和已经非常成熟的艺术形式一样被广泛的认同和接受，但是没有它们，新的能够被广泛接受、同时推动着大众的审美趋于多样化的动力在哪儿呢？

总之，你可以喜欢也可以讨厌，可以单纯的听也可以想想歌曲的意义，可以单曲循环听上一百遍也可以不理，但是鼓动别人一起去禁止某种艺术形式绝对不是一个好选择。请注意，当你以“颠覆传统”这样的理由去禁止某个东西时，不要忘了，你所熟悉的一切，都是被创造出来的，都曾经艰难的挑战过大众的更古老的“传统”。




对于《忐忑》，我只能会心一笑。我很早就做过这种把自己的情绪实时的用乱七八糟的声音表现出来的尝试，因为每次都哼哼唧唧一个小时，被室友骂过好多次了。说到传统，这种无词的、靠嗓子乱叫的音乐，恐怕是人类最古老的音乐形式了，你们说呢？你们大概都忘了自己小时候是怎么跟着录音机哇哇乱叫的吧？

对于《法海你不懂爱》，龚琳娜唱的很好听，内容上做了一个主角置换的小创新，主题还是常见的追求恋爱自由。

对于《金箍棒》，主要内容是孙悟空开心的拿到了金箍棒，和唐僧在旁边Only You……八戒沙僧天神妖怪在拉琴敲鼓，红孩儿矩阵在后面团体做操……唐僧的歌词没什么好说的，是周星驰做的颠覆传统故事表现形式的创新，而孙悟空的歌词，则是简单的表现这猴子拿到金箍棒后的开心吧，我觉得那一堆balabala……倒是跟猴子的嚷嚷声挺像。



想起柴静的采访，想起人本主义。我觉得历史是人的组合，人是主角，是确定无疑的，而故事则总有偏见、角度和表达理解能力的影响，虚虚实实，不容易知道。人的大脑如此虚弱，以至于人总要用各种标签来骗自己——我知道那是什么，那是×××。我知道事情会怎么发展，那是×××。

从来就没有单纯到能够用一个词汇来描述的人，只有单纯得傻傻的故事。可是，假如不那么偏执于一个故事，假如探索故事之外的可能，也许能够从人身上迸发出来的无数影像里，慢慢的逼近那个人的本来面目。

艺术要有生命力，不能仅仅被喜欢，还要被需要。
但有那么一些艺术，是如此骄傲，挑战审美的惯性，挑战思维的惯性，挑战欲望的惯性，把人们抛向陌生的感官世界，呈现世界的或原始、或刺痛、或野蛮的一面，揭开人性里最深的虚伪、让人在它们面前坦承相待，除了纯粹的自己，无所依靠。

它们最终重建了人们的需要，也重建了人心。
感谢它们。

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网友蒙面大侠对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
@Lawrence Li 的答案給這個問題提供了更優質的維度，不過他把公衆（包括呈現在本題答案中的態度）對龔琳娜的不解，等同於通常我們熟悉的那種老百姓被嚴肅藝術嚇着後的反智應激，是我不能同意的。

龔琳娜和 Robert Zollitsch 在《忐忑》這一系列作品採用的推廣方式，也不能簡簡單單地解讀爲他們——作爲嚴肅藝術創作者——「不介意」去跟世俗接觸。事實上他們必須介意，必須給聆聽者應有的提示。這就好比一個人可以不介意暴露自己的身體，但他跑到大街上裸奔，就不能怪有人要說他神經病，因爲沒有人準備好在大街上看到光屁股的人跑來跑去。裸體的觸目驚心，需要給受衆一個提示。Sainkho Namtchylak、Jaap Blonk 這樣的人，也是乖乖地面向他們的目標受衆去表演。若是放到歐美國家的類似「春晚」這種面向大衆的場合，會怎樣呢？一樣觸發「反智」的抵抗，或者提供了歪打正着的娛樂。

是他們天真地以爲自己可以把他們的實驗強行插入到世俗裡去，還是他們壓根——更天真地——以爲這東西好聽到公衆都會喜歡？我就不知道了。也許他們覺得提示過了，但反覆強調我們這是民歌這是實驗，顯然是徒勞的，他們不會不清楚吧。

換個角度說，不管是好是差，他們在做的東西並不是可以輕輕鬆鬆聽的小曲，是要「用力聽」的。但他們所觸及的觀衆，是沒有準備好「用力聽」的，絕大多數人不會隨時隨地準備好「用力聽」。也許這些觀衆裡不乏「用力聽」後會覺得好的吧。

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网友菂菂L对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
嗯，既然大家说欣赏无能，那我建议你们去听听「静夜思」、「花非花」、「相思染」等等再来作评价。

龚琳娜我一直称她为老师或者说艺术家，而且是聪明的艺术家。当初「忐忑」刚出来的时候受人瞩目被人吐槽的时候就深深觉得这就是她要的目的，她要传播她的音乐搞音乐创新就必须要关注度那么她确实做到了，后面一系列的「金箍棒」、「法海不懂爱」都是持续作用的结果。

但是如果你觉得她这些歌是哗众取宠那就是年轻不懂事咯，戏剧版的「忐忑」结合了五大剧种各种唱腔可谓专业中的战斗机（不信你去听听邓紫棋的一小段翻唱就知道多难咯没黑哦）；对一系列古诗的吟唱可称为天籁，让我这俗人都迅速进入角色爱上古诗；「金箍棒」这个作品是民间音乐和人声试验的结合。还有好多例子可举，就不一一列举了，其实仔细听过她的人就知道她就是一个纯粹的音乐人。

戏曲，诗歌，民乐等等，这就是她眼中中国的珍宝，她只是在脚踏实地做着大家总口口声声说的传播中国文化，文化创新罢了，不理解不懂的也请不要随意谩骂，因为这样纯粹的艺术家不多了。

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网友马宁对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
Lawrence Li对我们应该以什么态度欣赏《金箍棒》讲的很好了，我先单说下对芒果台晚会上龚琳娜表演《金箍棒》的真实完整感受。

背景：之前对龚的全部认知仅限两首歌：《忐忑》和《法海，你不懂爱》，前者只听过删减版，不喜欢，不理解，但觉得蛮奇特。后者听了觉得做作，歌词简单重复得很莫名其妙，欢快的旋律也像故意搞怪一样，mv也很扯，但表演者还仿佛很卖力。有《忐忑》在先，也没多想，默默在心中贴上了“搞怪，无聊”的标签。后来在各种争议中又看了这场表演，结果蛮喜欢《金箍棒》，觉得表演形式惊艳创新，音乐超有感染力，龚的表情动作神态也切合歌曲主题，情感表达直观易懂（但也有个别地方很难接受，下面会提到），这场表演改变了我对龚琳娜过去的印象，查了下，是一位致力于民乐创新的歌者，除了“神曲”们之外，更多的作品都是新形式的民乐。

欣赏过程：个人理解整个表演的情感和唱腔变化大致分四段，第一段是“俺老孙”到唐僧出场，龚开口惊人，唱腔有力，歌词只有“俺老孙，俺老孙，住花果山，寻得宝贝如意金箍----”每个字拖的悠长又不失力度，音调变化多端，这段让我想到猴王早年大闹天宫之类的“前科”，一个本领高强，软硬不吃，谁也奈何不了的反叛者，寻得宝贝的高兴，痛打天兵天将的快意恩仇。再到“后面开始“棒把个把个---”速度很快，节奏紧密，龚猴相毕露，眼神，腔调处处灵动百变，这段我感受到了猴王骨子里那股子对自由的向往，甚至想到《西游记》里猴王上窜下跳，无视繁文缛节，反复折腾的样子，这在封建社会的天庭，人间都是“泼猴，无礼”的表现，但这也正是悟空的本质。（这段接受不了的地方是龚琳娜把刘海儿紧箍咒造型，觉得丑）

悟空正“棒把个把个”的高兴投入呢，唐僧出现，开始严肃认真的唱“only you",第二段感情变化开始。 悟空这时候显得很慌乱，很惊讶，几步退到一边，面向唐僧（这退到一边的几步真心觉得龚表演的十分形象）唐僧对悟空抒情，要他保护去西天取经；这段对应《西游记》中，对悟空的管教，束缚以及“取经感化之旅”开始了，唐僧唱了几句后，悟空快速唱了几句“棒把个”，表情坚定，节奏短促快速，貌似是悟空的对峙，之后唐僧再开口的时候，音乐急剧变化，悟空痛苦的抱头挣扎，唐僧说了句“阿弥陀佛”。这段对应悟空与唐僧发生矛盾，唐僧念紧箍咒管教悟空。（当时不理解为啥唐僧是个老外，另外认为唐僧唱onlyyou那段觉得表达过重，太容易转移观众注意力了，后来知道这个人是龚琳娜的作曲家老公？）

第三段对应悟空的斩妖除魔，龚又开始“棒把个把个”很多次，节奏越来越快，申请动作也越来越灵动百变，（这段龚表演也很生动，神态想到传统戏曲里的“猴戏”了）让人想到悟空西去路上大显神通，斩妖除魔，赏善罚恶，个人价值得到充分体现，之前的自由，激情，高兴劲儿又回来了，有过之而无不及。

第四段主要是唱腔变化，歌词是“变变变，齐天大圣”，听到这里感受很简单：霸气。用霸气的唱腔，音调来表达霸气的悟空不羁的性格再适合不过了，没啥好说的，想想《青藏高原》最后两个字，为啥唱那么长？这段龚的动作神情也是甩开膀子，打了胜仗一样，奔放豪迈。

再扯点别的：写完发现把感觉，联想，画面转换成文字，真有点太啰嗦。看网上评论貌似差评颇多，最多的字眼是“毁三观”“神经病”“惊悚”“哗众取宠”“不知道想表达什么”, 负面评价还有很多，有的当笑话看，有的一本正经说要封杀龚。我其实有点惊讶的，上面说过，除了觉得头发造型真心丑，老外演唐僧过于突兀之外，别的我都蛮喜欢。唱功，曲调没的说，荡气回肠，惊艳，霸气，淋漓尽致。表达内容也较简单，无外乎就是悟空从花果山为王到遇到唐僧，西天取经的抽象概括，重现了这一神话人物的性格，气场。哪里至于什么“完全不知道想表达什么，哗众取宠”呢？为啥引发全员大声讨?

后来思考一下，差不多明白了。大家观念还是有些保守，之前晚会的歌曲，全是用歌词来叙事，说的明明白白，曲调用来渲染气氛，突然出来个歌词居然不用来讲故事，居然还“棒把个把个”没完，居然还演的是孙悟空！孙悟空造型还那么吓人！龚琳娜表情还那么夸张！而且居然还在收视率超高的芒果台演！这不对！这太怪了！这什么乱七八糟的！于是大家都愤怒了。

好吧我对音乐理解并不专业，上面的长篇大论也许只是个人yy，但绝对是真实感受，如果是单听音乐，不看表演可能也会有困惑感。毕竟龚在这场表演中的肢体语言和神态表现对内容表达占大比重。看了别的知友的回答，各有千秋，比别处的一边倒让人宽心。提到音乐欣赏，说点杂感。学校里接触的很多朋友听音乐的面相对较窄，很多在sns爱好栏填“听音乐”的其实绝大多数听的都是华语pop歌曲，更有走路带耳机，回寝室就放音乐的孩子也是如此，必听的是“千千静听top100”，到ktv里豪情万丈，每首都会，但都是差不多限定的几种音乐类型“华语pop”，或者欧美日韩版的某个”top100”，都是“歌曲”，不是更广义的“音乐”。能想象的到，随便抓一个自称爱听音乐的年轻人出来，聊音乐欣赏最可能出现类似如下对话：“听说你爱好听音乐，平时都听什么呀？”“多了，周杰伦的，孙燕姿的，五月天的，苏打绿的..."“都是流行乐吗？别的呢？”“呵呵，差不多，古典的不经常听，还有摇滚啊！五月天摇滚诶...”“...额...你喜欢哪种摇滚？”“啊？摇滚还分种类?”“......”"......."接下来话题就局限了。
我也爱听音乐，但听的多而杂，其中华语pop占比也不大，更多的是杂七杂八的，来自不同国家，不同时代，各种乐器，各种形式演奏的音乐。觉得《金箍棒》难听到“毁三观”的童鞋们，多尝试欣赏新事物，对多元化价值观先采取包容的心态来看，可能会发现一片更广阔的天地。

ps：大多数朋友说龚琳娜造型吓人丑陋，确实，表演尾声龚的圆睁双眼的神情配合怪异感浓厚的化妆，确实不是啥温厚之辈。个人也不怎么喜欢，我猜在微博上声讨的朋友们肯定从小就打心底认为悟空是个光辉，帅气的正面形象，这种观念根深蒂固，导致对龚的造型和舞台氛围过于注意，无法淡定心态去看这场表演。不过原著中孙悟空也是个“毛脸雷公嘴”的妖怪形象，谁见了谁跑。作为四大名著之一，《西游记》即是传统文化瑰宝，也是对外文化输出主力军，我觉得是主旋律和动画片把悟空的大众形象美化了，阳光化了。个人心中更希望在未来的艺术作品中，悟空形象应有更多凶相和暴戾之气的表现，记得“暗黑西游记”系列CG设定我就很喜欢。

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网友织田信长对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
龚琳娜和她的团队走了一个很取巧的灰色地带，在歌唱上很有讲究和技法，有一定的门槛。在内容和表达上又非常的俗气。
这样导致的效果有：
1. 俗气的内容 + 新鲜的唱法。易于大众传播
2. 批评者很难有踩到准确的点去批评。
-- 批评她唱歌的技法？一般人水平不够。批评她内容俗气？别人又是玩儿艺术的你有啥好说的。
3. 因为批评又导致一个对于批评的讨论，再次传播。就像我们现在这样的讨论。

而对于龚琳娜自己来讲：
1. 不妨碍她继续探索歌唱技艺的探索和革新。
2. 出名，进一步传播她的音乐

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网友蒙面大侠对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
这个时候必须祭出龚老师这首《小河淌水》了

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网友陶小白对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
六小龄童：在网民们的争议声中看了 @龚琳娜演唱的《金箍棒》的视频，感到她的歌词内容是严肃的，面部化妆、头上画的金箍、安插在肩上的雉鸡翎都有孙悟空的特点，能感受到她是在用心创作，希望这首歌通过不断的打磨、提高，成为传播西游文化的载体，让大家感受到西游文化在中华民族乃至世界上的影响力

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网友匿名用户对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
知乎各种『形而上』的答案越来越多了，那我也来一个。

『人声实验』，本身就是古典人声的基础 ---- 真正优秀的人声应该是经过日积月累的锻炼，把人体自身当做一件乐器，用全身去歌唱。这样才是自然而真实的人类的声音。懂得欣赏古典人声，也是欣赏人声音乐最重要的一步。
这样看来，不管是龚琳娜的作品，还是上面提到的其他的一些作品，都是在此之上积极拓展音乐疆域的实验，所以把它定义为『实验人声』或者是『新民乐』是合适的。


如果单纯的想要取消歌词的语义，我认为《忐忑》就是很不错的一个典型，甚至包括《金箍棒》中的一部分。
Steve Reich 的《Music for 18 Musicians》中关于『人声作为乐器』使用也是精妙。

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网友碳头对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
小众的音乐，被大众当笑话了而已。
但是这年代，出名就好，正负不论。

我是觉得她的歌要细听，其实是有些意思的——但是如果您听交响乐也只是听个旋律的话，相当可能是听不出来的。

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网友无耻人渣对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
这首金箍棒我觉得比忐忑更容易接受，第一次听可能谈不上多享受，但觉得很有趣，我想她是不是在用这首歌这样表达孙大圣拿着金箍棒时候那种欣喜若狂的情绪。

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网友李如春博士对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
神曲《忐忑》的艺术性还可圈可点，较好地结合了专业作曲技巧、民族音乐元素和流行音乐元素，音乐丰富、音响新鲜，除了喧闹的外表其实也颇有文化内涵。龚的声音也不错，可塑性很强，能够胜任的表现范围很宽广，是个优秀的声音艺术工作者。
她演唱的很多作品都有一定的个性与艺术思考，将高雅音乐的部分元素与流行，商业化结合，有些作品也颇有新意并传播广泛，值得称道

但是有一次听了龚琳娜唱的《法海你不懂爱》，感觉纯是应景的作品，在刻意制造流行与火爆。艺术性、内涵比起《神曲》一落千丈。
《法海你不懂爱》应该是所谓的老罗创作，旋律主要用一个小三和弦的分解音调，毫无艺术性与创造性，似乎只是为了刻意追求好记好流行，音乐形式单调，内容乏味，和以前大陆的《九妹》、《你是我的玫瑰你是我的花》之类的流行音乐沦为一个类型的恶俗了。

俗本不可怕，就像一个低档产品本没什么，有其存在的价值与受众，但非用土豪金的艳丽包装然后硬说它高端、大气、上档次就是恶俗。

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网友李伟对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
编曲（老罗写的歌）
演奏（后面常见的几位）
演唱（龚老师 加 和声）
服饰（仿西游的服饰）
舞蹈（后面的小红人 一手一个孙悟空的面具 一手一个猪八戒的面具）
都很精致，
有违和感 但让人眼前一亮 让所有观看过的人都难以忘记。
那一句“变～变～变～框框框
齐～天～大～圣～ 哎咳咳咳霍咿呀咳咳咳”，
唱的我寒毛直立，
孙悟空霸气侧漏。
很有生命力的演出，
至少我感到了台上的人是发自内心的演出。

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网友车路对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
艺术家们不断地拓宽着艺术的领域，在拓宽的路上总会有人不明白，“这也是艺术？这样也可以？”甚至激烈地反对——他们同样会在这里发表他们的观点。他们心中有一个美与不美的“金线”，并且对跳脱到线外的情况表现出惶恐和本能的保守厌恶。
就像在只有法老王雕塑的时代，那时的先锋艺术家们企图给平民和乞丐雕塑，“这不是有病吗”？
就像反沙龙的印象派画家，不去画教堂宫殿，居然去画草堆水沟农妇，“这就是迎合大众审丑需求”。
就像摇滚歌手们，在台上蹦跳着的披头士之类的，太低俗了，这种低俗乐队凭什么登堂入室？还有什么几十万人几百万的摇滚音乐节，去的人都是有毛病吧。你的音乐，根本不符合维基百科音乐词条的定义！
什么九寸钉，什么人声试验，什么音乐先锋，为什么敢抛头露脸，不怕自己丢人吗?这种行为违反了我心目中的道德标准。太过于低俗！
这种情况当然会继续下去，这个世界上，不被所有人理解的人会继续出现，他们总有办法让人吃惊。他们的金线的剪刀，贵族艺术的下放者，蹦蹦跳跳的小丑、词条实质性的修改作者、让道德卫士显得老土的滑稽演员。他们的试验或许会失败，他们的游戏或许不好玩，他们的歌或许也就引起了两到三个月的议论纷纷。他们中也会有人成功突破现成的束缚——或者是另有他人受到启发，踩着他们的肩膀继续往历史舞台上爬。
和他们相反的人，维护着过去和自以为代表的大众的权利，继续阻止这一切发生——油画中不应该出现平民、音乐不应该出现金箍棒。幸好他们总会死去，他们的意见和那些闪光的行动者一样短暂。

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网友孙小方对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
既然是个那么专业那么小众的东西，放大众平台被大家吐槽了，那不是正常无比嘛？大众谁管你出发点？难听就是答案。

从艺术评论角度看，敢于突破和试验最多代表了进取心野心和实践的能力，并不能等于作品的艺术价值。

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网友张可对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
这个问题本身是“如何欣赏”。
关于如何欣赏音乐（注意，是“欣赏”，不是“听”），我个人属于绝对外行人士，讲不出专业的答案，但拜读了几篇网上有关如何欣赏音乐的文章，我更加坚信一点：
欣赏的初级阶段，或者说前提是它“能带来感官的愉悦”，就是觉着好听。
如果一个人觉得一首歌根本接受不了，甚至是一种噪音，那么完全没有必要去进一步“欣赏”它，更不要说了解创作者的经历、名气、初衷等等相去甚远的信息。

@Lawrence Li 的答案很专业，想必可以帮助喜欢这首歌曲的人脱离“觉得好听”的初级欣赏的感性阶段进入高一层次的理性阶段，但是对于不喜欢它的人来说完全没有解决他们的问题，即怎样才能觉得这首歌好听。至于说讽刺这首歌的行为是反智，真的是大可不必。

摘录其中一篇文章最后一段：
总之，欣赏音乐作品本身就是一个由感性到理性，由理性到审美的综合运动过程，没有感性也无谓理性，而没有理性也谈不上审美，因为音乐美不仅是感官的愉悦，而且是心灵的升华，音乐作品的美只有在这种升华中才能体现出来。

附两篇网上的文章，喜欢这首歌的人如果想进一步欣赏，可能会有些帮助。不喜欢的人也不妨看看，提高一下理论水平。
如何欣赏音乐
怎样欣赏音乐作品

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网友蒙面大侠对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
金箍棒采用了秦腔的唱法，从歌词上讲简单循环跟民歌很相像。龚丽娜的音乐可以说是一种对传统民歌的革新，用传统民歌的唱腔来演唱口水歌。

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网友李文对[龚琳娜新歌]如何欣赏龚琳娜的音乐？给出的答复：
欣赏不了的，就别欣赏了。有些艺术品，超出我们的理解能力，比如凡高的《向日葵》。有些“艺术品”超出我们的忍受极限，比如这个“金箍棒“。
个人认为，《忐忑》还勉强算艺术品，从《法海你不懂爱》到《金箍棒》只能说是哗众取宠罢了，本质上和罗玉凤动机是相同的。

五 : 如何欣赏音乐

（一）

如何欣赏音乐是一个非常老的话题。多少年来，一直有许多的专论。可到底该怎样欣赏音乐，还是有人不明白。其实,欣赏音乐也可以说是一个非常简单的问题，那就是只要你喜欢就行。经常都听到很多人说：“音乐好，就是听不懂。”可我也经常反问他们：你到底要听懂什么呢？音乐这东西，你只要觉得好听就行。何必要这么功利性的搞懂呢？其实真是这样。一首音乐名曲，你只要觉得好听，能让你感动就行了，不一定非去琢磨这曲子是描写的是什么故事。什么曲式、调性、主题那是下一步的事。其实那些都还不是重要的。最重要的是你首先必须要觉得好听，能被这音乐感动。否则再是什么名曲对你也是白搭。至于那些东西是对音乐下一步了解的事。如果你能被音乐感动那就什么都好办。因为你在被感动时，会有一种冲动的想法，你会去思考为什么这音乐让人感动万分。这到底是因为什么？也就这样，你就有了进一步了解音乐的渴望。你想一开始就什么都搞懂那不太可能。



音乐在刚刚开始欣赏时，它所具有的那种音响的感染力太大了，它几乎能让所有听到它的人为之感动。这个时侯的音乐是非常神秘的。它具有巨大的魅力，让人着迷。不管是旋律还是歌词，甚至到伴奏的和声等等，都会让人激动万分。我们可以从喜欢不同音乐类型的人群中看到流行歌曲和浪漫情调音乐的差别。非常明显的是音乐在这个时侯对感官的引诱力太大了，特别是对那些还没有真正接触音乐或较少接触音乐的人更是如此。他们会一下子被它那或委婉的旋律或鲜明的节奏或悦耳的和弦甚至缠绵的歌词所吸引。也正因为如此，才会有很多人在这个时侯往往把音乐当作一种寄托，当作理想，当作礼物，当作远离现实的逃避，甚至当作是自己的幻想世界。正因为如此，才有人经常参加电台电视台的点歌节目，把自己喜欢的某支歌作为自己的一种心意当作礼物送给别人。因为他们觉得这音乐(歌曲)使自己感动，就好象是自己的心境的表露。当然这无可非议，送什么给别人那是自个的事。一切都是在向前发展的。人不可能永远停留在一个欣赏阶段。在喜欢流行歌曲的人群中有一点是明确的，那就是三十岁以上的人肯定很少。为什么？仅就阅历而言，那些“为了爱梦一生”、“永远相信爱情”真是一场比较虚的事。没有人会永远生活在这样的歌曲里，自己受不了别人也受不了。



（二）

音乐欣赏由浅入深有这么一个过程，即从感性（被音乐感动）到理性认识（探究音乐知识）又回到感性认识（更深层次的欣赏）这样三个阶段。这是欣赏音乐的必经之路。一个学习乐器的人也许不一定就是一个很好的音乐欣赏者，因为他关注的是技巧。表达与理解不是一回子事。音乐有自己的语言，就象舞蹈中的一招一式都有自身的表达含义，音乐里的和弦、乐谱、速度、调性也有其含义。在刚一开始期间音乐能从感官上打动你，让你激动让你欣喜。这是一种无意识的审美活动。可如果就此而已，你还是没办法去真正聆听音乐。



音乐具有巨大的感染力。这种感染力不仅是对刚接触音乐的年轻人，对一个饱经风霜、历尽人间艰辛的老人也是如此。只是欣赏音乐的阶段不同，所带来的思想内容也就不尽相同了。在感性认识的阶段，你对音乐的理解还只限于感官感受。如果你在欣赏音乐中不是主动积极的，那么你也许就没法真正去领会音乐的真谛。比如〈蓝色多瑙河〉这首脍炙人口的名曲，在感性认识阶段，我们会觉得它十分动听，其实我们仅仅只是被那起伏的旋律和三拍子的圆舞曲节奏以及这首名曲的故事名声以及其他因素所吸引。我们并不知晓三拍子的圆舞曲形式为什么这么吸引人；不知晓在这首曲子究竟由几首什么样的小圆舞曲组成；我们也不知晓斯特劳斯圆舞曲与其他圆舞曲有什么实质性上的不同，但首先我们会被吸引会被感动。如果你面对一曲好听的音乐而无动于衷，那才是最没办法的。欣赏音乐时你必须是一个积极的聆听者，绝不满足于简单的感官感受和无意识的欣赏。这样你才会去深入了解这首作品的其他内容，从创作背景到音乐流派以至于音乐曲式主题思想内涵艺术造诣等等。这样，你对音乐的感悟就会比别人更深。在感性认识的第一阶段，我们通常还会借用一些作曲家对曲目的标题或后人标注的文字说明来加深对音乐的理解。比如<<献给爱丽丝>>这首贝多芬所作的钢琴小品，聆听中结合音乐加上标题文字的联想，我们就能很好理解这首温馨明快的抒情小品；又再如墨西哥作曲家罗萨斯的<<乘风破浪圆舞曲>>，由标题中我们可以领略到音乐所描写的那浪花飞溅,海鸥飞翔、在波峰浪尖中航行的自由愉快的心情；克莱斯勒的小提琴曲<<中国花鼓>>，一听曲名就知道是由中国的五声音调来表现出热烈又欢快的情调。在浩瀚的音乐长河中有大量的标题性音乐，只要你愿意走进这音乐圣殿，你就会发现这殿堂堂中满是人类文明的精华，它就象一笔巨大的财富足够你受用一辈子。



（三）

音乐欣赏在最初阶段，主要靠感官对音响的感受。动听的旋律，悦耳的和声，有规律的节奏，起伏的响度等等。都让人感受到的一种欣愉。一个音乐爱好者特别是音响爱好者大都有这样的感受：首先追求的是音效。一开始用音响器材来重播音乐，是聆听比较音响器材，对不同的重播效果比如节奏、音色、动态等等这些关于音响的概念涉及教多。至于什么内容、复调、赋格、对位，什么是塔兰泰拉，什么是奏鸣曲式，统统不知道。其实不完全是一部份音响爱好者不知道，很多人都不知道这些乐理概念。其实也没什么关系？音乐欣赏并不要求人人都是音乐家。每一个聆听音乐的人都会经历这么一个初级阶段，不管一开始他听流行歌曲或是听通俗交响音乐。这些年来，我也看到有这么一个现象：有一些年青人，主要是中学生，如果他在孩提时没有受到音乐文化的熏陶，他将很快就迷上如迈克尔.杰克逊之类的摇滚音乐且很快变成一个执迷疯狂的追随者。因为他们一下子就被那种疯狂的节奏和刺激的声响所迷惑，至于内容是什么，他们不理解，也不会理解，跟那些有理智的摇滚乐爱好者相比，他们只算是小儿科。有时侯在电视台也会播出一些垃圾音乐节目，尽管不多却叫人恶心，但这些节目却有着一大群追随者。我们再不能说在社会主义中国的电视节目里上演的都是健康向上的节目，有时侯也会考虑的赞助广告收视率，一个被动的，毫无鉴别能力的人很容易把糟粕当精华。



欣赏音乐时，你必须是主动积极的。你要有自身的体验，这种音乐的体验是非常重要的，因为按图索骥的音乐欣赏指南，仅仅是协助你加深这个体验。你想仅凭一本小册子或几篇类似这样粗浅的文章就能学会欣赏音乐。那是妄想。因为音乐指南介绍只能告诉你怎样去欣赏音乐，如果你连一点点音乐的内心体验都没有，那些介绍指南再读也是白搭。因为没有一本书或一篇文章会教你如何在心中涌出激情或产生欣愉，悲哀或忧愁。因为这是人的本性所在，恩雅那近乎晦涩的音乐让大多数人听起来宛如天赖之音，可有人听出的梦呓和静穆，这没关系。你的素质和阅历驱使你这样。可如果你面对什么样的音乐都无动于衷，那才是真正的悲哀。



音乐不是调味品，尽管它可以拿来调节气氛，但它绝不是调味品。可现在很多人却把音乐当作调味品，似乎音乐是一个高档神奇的调味品。商店开张、大宴宾客、红白喜事......音乐就象餐厅的胡椒。当音乐那神奇的声音响起，它确实可以改变一切，它可以顿时让你肃穆，可以让你欣喜万分，也可以一下子就让你忧郁千种。音乐这种巨大的感染力是非常神秘的，但你千万别去把音乐拿来当装饰品，这里放一首通俗歌曲，那里来一段萨克斯，就象用那些廉价的塑料装饰品来装饰你的居室。



总之，在欣赏音乐的初级阶段即感性阶段，你需要的是对音乐魅力的内心体验。不管是优美的旋律，还是迷人的音色或缠绵的歌词。总之，需要是你能被音乐感动。只要你能被音乐感动就什么都好办了。



（四）

被音乐感动。在聆听音乐时情感体验以及对探求音乐的欲望将驱使你走入音乐圣殿的第二道大门：理性认识阶段。如果不经过这个阶段，你仍是一个被动无为的音乐聆听者，尽管你也许会选择音乐，也可能随时都在听音乐，可你仍然是被动的，因为除了你被音乐感动之外什么也没有了。优美也罢，欢乐也罢，悲伤也罢，仅仅只是听感上造成你的情绪上的波动而已。你当然可以随时随地的听音乐，连骑自行车上班或者进餐什么的都可以聆听音乐，但此时的音乐仅仅只是给你造成一个屏障，用音乐里那些旋律节奏来隔绝城市的喧嚣和人世的纠葛。我们在前面提到过，音乐不是调味品。音乐尽管是非常神奇的，但它决不是调味品。音乐是需要被人聆听的。你真要拿它来做别的用途，如烘托气氛、调节情绪、甚至于拿它来开胃，那它就不是音乐了。因为没人会认真地聆听餐厅重播的音响，更没有人会被某候机厅的音乐激动。只有当你认真地聆听音乐的时候，音乐才是音乐。因为一件响器如果能引起你内心体验其中必定有某种内涵，这种内涵就是音乐内容本身。



进入到音乐欣赏的理性认识阶段，说明我们欣赏音乐从被动到主动的发展过程。在这个圣殿的第二道大门中，我们将认识巴赫、莫扎特，体会贝多芬、拉赫玛尼诺夫。总之，整个人类文明历史中所有著名的音乐家都将一个个从我们前面走过，让我们认识了解。我们还将知道音乐构成的要素：旋律节奏音色和声；知道什么是巴洛克音乐，谁是浪漫主义后期的音乐代表；奏鸣曲和奏鸣曲式怎么不同。一个刚接触音乐的人对音乐的认识应该说是比较肤浅的。如果不全面地理解音乐，你就不能更好地欣赏音乐。比如你不知道什么是音色，你就根本无法去理解音乐。因为音色就犹如绘画中那绚丽的颜色，从而决定了丰富的音乐含意。又比如在柴科夫斯基第六《悲怆》交响曲中那个感人至深的主题，其感染力实在让人欲哭无泪。杨明望先生对这个主题有一段让我觉得是非常精彩的描述：“这个困倦的心灵，带着不可磨灭的创伤，在无法抚慰的恸哭和悲哀绝望的热潮中，终于投入永恒死亡的怀抱。”如果对音乐没有了解，你能了解这个主题的深刻含义？



在理性认识的这个阶段，不一定每个人都有机会或条件去认真系统的学习音乐理论和音乐史。但我们仍可以通过其他一些书籍来获取有关音乐的知识。用《名曲赏析》这类型的书来对比聆听是最好的方法之一。乐曲分析、曲式结构、主题提示等对聆听者是必不可少的一环。这样一来，你就知道了协奏曲与交响曲在结构上的差别；你也就知道变奏曲与回旋曲的不同；甚至你也许就开始迷上了马勒或是勃拉姆斯；帕瓦洛蒂那高昂激扬的嗓音与阿姆斯特郎的沙哑声可能你也同时都会喜欢。等等这一切都是建立在你对音乐了解的基础上的。也就在这个时候，你也开始发生变化了：你的谈吐、你的见解、你的阅历和涵养等等。“芝麻开花”，音乐这座巨大的宝藏已经对你敞开了大门。



（五）

所有的音乐都有其自身的内涵，你对音乐的了解就是对这些音乐内涵的认识过程。尽管每一个人都不可能孤立地停留在一个阶段去单纯地探究音乐知识而置音乐内涵于不顾。借助一些音乐欣赏名曲分析等一些辅助工具，认真聆听一首音乐作品是必要的。在这个阶段首先要了解音乐史，要知道音乐不同时期的不同的表现形式；你还要了解作曲家的基本内容如贝多芬和瓦格纳在音乐创作上的不同风格和思想；另外你还需要知道一些音乐的基本知识，比如曲式。其实曲式就是乐曲的形式。在曲式中最需要了解的首先是奏鸣曲式。一般说来，在古典音乐的曲式中，以奏鸣曲式为最多。奏鸣曲式基本上代表了大部分乐曲的基本形式，交响曲、协奏曲、室内乐等大都采用的是这种形式。奏鸣曲式有一个乐章，也有三至四个乐章的。曲式当然不仅仅只是奏鸣曲式，曲式还有很多种。如变奏曲，用一个主题进行各种演变：A-A1-A2-A3-.....AZ，对变奏曲的了解可以聆听柴科夫斯基的《洛可可主题变奏曲》，一个主题变化为七个变奏；又如回旋曲，它的基本含义就是由一个主题多次重复：A-B-A-C-D-A......等，其中A代表主题，而B.C.D.....等则代表变化，每一次变化之后又回到主题。对这个曲式的了解可聆听莫扎特的《A小调钢琴回旋曲》。



音乐欣赏还应该了解主题。音乐中的主题是至关重要。在一首乐曲中，一个聆听者必然牢牢记住这首乐曲中的音乐主题形象，它的变化对比发展等构成了音乐的全部内涵。所以我们在聆听音乐时一定要学会记住主题。在柏辽兹的《幻想交响曲》中那个孱弱敏感的青年艺术家主题音乐形象，从乐曲的第一乐章一直贯穿到第五乐章，且每个乐章都有其不同的变化。从一开始温柔纯真到最后的怪诞疯狂。仔细聆听这个乐曲对理解主题比较有帮助。如果你在聆听音乐时连主题形象都听不出来，你就没办法去很好地理解音乐。当然，音乐的主题不象视觉上的形象那样鲜明清晰，电影中的主要人物一出场，你就知道了电影的全部过程中一定是以他为主。小说也一样，《红楼梦》中的贾宝玉与林黛玉是一个对比的主题，两个主题形象的关系对比发展贯穿整个小说。尽管也有其他的人物，如金陵十二钗和贾府众多人口，但主题形象却依然是贾宝玉与林黛玉。音乐里主题形象其实也是如此，只是音乐里的主题形象不会象电影小说里那样鲜明。在一首乐曲里，音乐形象也有许多，但不管再多它们全都是围绕乐曲的主题形象的。在贝多芬《命运交响曲》中有很多其它的音乐形象：悲哀、叹息、撕杀、凶残、深沉的思考与坚强的信念、光明、胜利，甚至还有忧郁与彷徨，但这些都是由对比的主题形象而产生的。所以，在认真聆听音乐时一定要紧紧抓住主题，就象雨果唱片公司的易有伍先生说的要提高你耳朵的聚焦能力，这样你才能在一遍音乐的轰鸣声中找到那个时刻变化的主题形象从而领略音乐的无穷魅力。



（六）

在欣赏音乐的这个审美过程中，除了曲式，还有诸多的因素,如节奏、音色等。仅就节奏而言，音乐的最初的起源应与节奏有十分密切的关系。节奏产生的韵律美使原始部落至今仍在信奉。不同组合的强弱快慢节奏以及多次重复能使节奏产生出非常巨大的内涵和韵味，让人疯狂或痴迷，没有人会拒绝节奏。在音乐中节奏的表现形式是节拍。节拍通常用小节线和节拍符号来表示，如3/4，就表明这是三拍子。每一拍为四分音符，每一小节内有三拍；第一拍为重音，后两拍为弱音。这样就构成了一个圆舞曲的节奏型。改变重音的位置会引起一些崭新的变化。把两个以上不同的节拍组在一起又将形成新的复节奏。就这样，无穷无尽的节奏就形成了我们音乐的组成要素之一。仅就节奏而言，一个欣赏者需要用耳朵去感受它而不是靠分析。整体的音乐欣赏也是如此。说起节奏还不得不提及诸如<<哥利高里圣咏>>之类的自由节拍的音乐体裁。在许多宗教早期音乐以及东方音乐中经常都有一些无节拍要求的音乐，其实这种自由节奏的音乐对节奏的要求更为精确的。只是这种精确已无法用节拍记号来标注它。它需要的是演奏者或演唱者对它更深层次的了解和把握。



音乐的魅力当然不仅仅只是在主题、旋律`、节奏、色彩、曲式结构、调性等，有的时候甚至连作曲家的创作观念、演奏家的风格、录音师的录音技术及爱好，在加上聆听者的素质、阅历、情感、性格等等这些诸多因素加在一起才构成一个整体的音乐。单独去分析其中的一个部分其实都是对音乐的肢解。结合历史背景了解作曲家的创作个性，认真聆听主题的发展变化与对比，让你全身心都得到音乐及音响的感染，让你的思想情感以及情绪都在音乐的体验中发生微妙的变化。



在音乐欣赏的第二个阶段中你需要了解的东西确实太多了，这很可能会吓到一些爱好者：我的妈，欣赏音乐这么难！其实也没有什么。因为所有你需要了解的一切一切都在建立在你对音乐极大的兴趣上的。对这些知识的了解又促使你对音乐发生更大的兴趣。前提是你对音乐首先要有一种需要的欲望，也就是你首先要真正热爱音乐！也就是因为这个前提，你才能进入到这个阶段去认真的学习这些音乐知识。



（七）

进入音乐欣赏的第三阶段，并不是十分明显的。因为对音乐认识的阶段永不能说结束。进入欣赏音乐的第三阶段，并不意味着要和过去的阶段划清界限。其实我们这样分析和介绍仅仅只是一个表述上的概念。但不管怎样，经过一段时间的学习，（在这个阶段的一切都主要靠你自己的自学，因为没有人会详细的教你如何分析和理解一首乐曲）我们对音乐已经有了一定的了解。这时候我们再来聆听音乐：当那神奇的乐音响起时，我们的心中就会泛起无际的激情的浪花。不管是与巴赫交谈还是和马勒神游；抑或是倾听莫扎特的心声，总之，音乐就象是情感的源泉。这时候你已经步入了音乐的殿堂。不管是人生征途的跋涉还是成家立业的拼搏；也不管你是年轻或年迈；落魄或得意，欢乐也罢，忧愁也罢，在音乐的殿堂里，你都是在用自己的情感去体验音乐！这时候音乐已经不再神秘的了。音乐也不再是高不可攀的了。音乐所表达的一切也都不再是外表的。也许主题还是那个主题，但“山远水远，你我的心不远”，现在的你聆听音乐时的内心体验已经有了更深的心潮涌动。也就在这个阶段，你已经从一个被动的聆听者转变成为一个自由的音乐爱好者了。你不会用主题分析曲式结构来约束你思绪的自由飞翔，也不会在一个标题下用一个简单的音乐形象来束缚想象力的驰骋和情感的涌动。尽管有的时候也需要去分析主题、探究曲式结构什么的，但真正在聆听音乐时你已经确确实实是用情感来体验音乐了。在这个时候你需要的是纯音乐而不是什么主题或名曲汇萃。名曲集锦和主题联奏之类的音乐是最让人倒胃口的。因为它实在无法让人去产生什么激情。这一类的音乐只能算是普及读物，经常聆听这样的音乐所带来的最大好处就是能参加音乐有奖竞猜活动。那跟欣赏音乐没有多少联系。



在音乐欣赏的审美过程中，内心体验与认知活动永远是结合在一起的。从感性认识到理性认识的这一发展过程永远是不会停滞不前，我们对音乐的理解也永远是无止境的。跨入那美妙无穷的宏大的音乐圣殿，让我们自由尽情的翱翔吧！



什么是 R&B?

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。 广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础， Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。



什么是HOUSE？

HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐，他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为\"浩室\"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈， 很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素，至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。

为什么会叫\"House\"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中最容易被大家所接受的.

Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐.



House可分为：

Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐

Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体.

Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House.

Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一 点像\"演奏类\"的House乐. 像SASH!的专辑It\'\'s My Life便是很好的Progressive House专辑.

Epic House 就是\"史诗\"House. Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!). BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作\"Epic House天皇\". 其实连Rock也有\"Epic Rock\"

Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样? 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点. 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种\"而已。

到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。



什么是Britpop？

Britpop虽有个“ Pop\"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。

英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead



什么是 Trip-Hop？

Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人，他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”，指迷幻，氤氲的药物【旅程】，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。

外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut



什么是 Gangsta Rap？

Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。

Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys



什么是 Synth Pop？

Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。

Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan



什么是 ORCHESTRA ？

ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。



什么是 CHAMBER POP？

CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。

外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。



什么是民歌（ FOLK）？

民歌（ FOLK）原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（ FOLK）的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP、ROCK及都市化发展， BOB DYLAN发明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（当代） FOLK路线。民歌 （FOLK）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年较新的发展是与 NEW AGE结合（如 ENYA），及与 TRIP HOP结合）如 BETH ORTON）。



什么是 BOSSA NOVA ？

BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第1、4、7、11、14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。



什么是 CLASSICAL POP ？

CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEAN***IGBY”就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。



什么是ACAPPELLA ？

ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。



什么是 WORLD MUSIC？

WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。



什么是 DREAM-POP？

DREAM-POP是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多*SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。

代表乐队有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。

中文歌手以王菲为首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。



什么是 NEW AGE？

NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。



什么是Electrophonic Music？

何谓Electrophonic Music（电子音乐）？随着时代的演进，音乐家有了更多制作音乐的方法。所谓电子音乐，就是以电子合成器，音乐软体，电脑等所产生的电子声响来制作音乐。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。

电子音乐的类型也是多种多样的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum\'\'n\'\'Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。



什么是Techno ？

Technology， 即表示“高科技舞曲”啦！利用电脑，合成器合成，做出一些特殊音效，这种音乐常常是许多音效组合起来的。 Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快，且听起来具重复性，较强硬，较机械化，所以某些人称Techno为“工业噪音”，但某些还是会注重旋律的。 Techno起源于美国底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合，而产生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常较平缓，不像一般的Techno那样强劲，可说是现代Techno的起源。



什么是Ambient ？

听起来起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效， 或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为“情境音乐”，且常对於生活周遭的声音做取样，如人声、汽车声，甚至是其他音乐的旋律……等等。为70年代的Brian Eno所创，是一种很“高深”的电子音乐。后来Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中也有Ambient的味道。



什么是Trance？

迷幻舞曲，由Techno演变而来，听了会让你有“出神”的感觉，但还是保有舞曲的律动，很注重Bass的表现，某些听了会有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍为主。不过我也有听过用Breakbeat的（下面会介绍），如Sven Vath的专辑Fusion。



什么是Psychedelic Trance？

又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。



什么是Break beat？

不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一种。



什么是Brit-Hop？

把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重，配合些许电吉他、Bass，有摇滚乐的味道， 如The Chemical Brothers的曲风即是。



什么是Big-Beat？

“大节拍”，把Brit-Hop变得更快，节奏更重，更有摇滚的味道，可说是将Brit-Hop改良后，更成熟的一种曲风，你可以想像一下又重又碎，又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角”。



什么是Drum N\'\' Bass？

对某些人来说，Drum N\'\' Bass的音乐可能很烦，因为Drum N\'\' Bass很注重在节奏上玩花样，还有Bass的表现，像是很快很快，复杂的碎拍，以及运用各种不同的电子鼓，或是取样而来的鼓声。因此Drum N\'\' Bass也是Breakbeat的一种。4Hero为Drum N\'\' Bass的知名乐团。



什么是Jungle？

Jungle就是Drum N\'\' Bass的前身。Jungle的速度比Drum N\'\' Bass快很多，而且节拍更为复杂，比较强悍，有时会搭配一些Rap，不像Drum N\'\' Bass会融合一些Jazz、Soul等元素，听起来比较柔（当然这是和Jungle比起来）。连“摇滚变色龙” David Bowie现在都搞起Jungle了。



什么是Electro？

早在70年代末，80年代初，那时还没有House、Techno……这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。 Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。现在的Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。现在的Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。



什么是Dub？

Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae（瑞格，也有称之为雷鬼，一种很有节拍性，唱腔特别的南美黑人音乐）。而将Dub运用在电子乐上，则是将部份歌声抽离，将Bass和鼓声加重，并且加入大量的Echo（回音）等效果。这种技术常在现场表演时，将歌曲重新混音（Remix）呈现。像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。



什么是Chill Out？

这只是一种统称而已。在舞池旁边，常会有一个区域，或是小房间，里头会放一些较缓和，较平静的音乐，让舞客跳完舞后缓和情绪，休息一下，以放Ambient音乐为主，所以会叫“Chill Out”（冷却）就是这个缘故。The Orb可说是Chill Out音乐大师。



什么是Minimalism？

这被翻译成“极小派乐风”，在Ambient和Techno的音乐中常听的到。带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律，还有一种特别的律动，感觉上像一种特别的频率一样让你听了会有被催眠的感觉。Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno，带有相当的迷幻色彩.



Black metal 黑色金属

以邪恶、异教崇拜以及撒旦思想为其主要诉求，通常在歌词含有反基督、反宗教的倾向即被归为黑金属，除了传统重金属固定乐器之外，经常会使用其他乐器如钢琴、小提琴，或歌剧的女高音，在歌曲中营造出一股诡异又吓人的恐怖气氛。“黑金属”以来自北欧的重金属团体最具代表性。

代表性乐队：Emperor、 Mayhem、 Enslaved、 Dark Funeral



Death 死亡金属

乐风以“鞭击金属”或“碾核”为其背景演化而成。电吉他快速的反复，几无旋律的和弦，速击狂踩的双大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌词以死亡仇恨为主题，充满了尸体、内脏、肢解、分尸、*尸、恋尸癖、食尸、虐待等变态字眼。“死亡金属”以来自佛罗里达州的重金属乐队最具代表性。

代表性乐队：Death、 Carcass、 Cannibal Corpse、 Suffocation



Doom 毁灭金属

节奏和速度都很慢，非常得慢。较不激烈也不大具有攻击性，但仍是相当拥有重量感的音乐。通常具有非常干净的音乐和歌声，但有时也有粗暴野蛮的声音出现。

代表性乐队：Solitude Aeturnus、 Cathedral、 Candlemass



Glam metal 华丽金属

通常指一个重金属乐队的舞台表演方式或外在形象以夸张的浓妆艳抹或俊俏的外型来吸引乐迷，这类的乐队大多是偶像团体。“华丽金属”的乐风不会太重，歌词也无太深入之含义，属于较流行的重金属音乐，是主流金属的分支。

代表性乐团：Kiss、 Poison、 Warrant、 Twisted Sister、 Motley Crue



Grindcore 碾核

类似“朋克”但极具重量的音乐，主唱低鸣深沉的狂吼咆哮、电吉他超麻辣的音色再加上极快速的反复节拍及密集鼓点，构成一种几无旋律的重金属乐风，乐曲的长度都很短，从两秒钟到三分钟不等。“碾核”为一种极为冷僻的重金属乐风，大多数“死亡金属”乐队都采用此一乐风。

代表性乐队：Napalm Death



Grunge 垃圾（颓废？）

另类摇滚的同义词。起源于西雅图的类金属（metal-like）另类摇滚，基本上Grunge属于另类摇滚而不应归类到重金属之下。

代表性乐队：Nirvana、 Pearl Jam、 Mudhoney、 Alice In Chains



Hardcore 硬核

源自于“朋克”，歌词直言不讳粗鄙不堪，音乐如同噪音一般。



Hard Rock 重摇滚

比重金属乐“轻”一点的音乐。

代表性乐队：Foreigner、 Blue Oyster Cult、 Heart、 Cinderella



Heavy metal 重金属

“重金属”必须具备狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、电吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓点和低沉有力的贝司填满整个听觉的背景空间，而构成一种含有高爆发力，快速度，重量感及破坏性等元素的改良式摇滚乐。通常泛指传统的主流派重金属或无法分类到其他重金属流派里的重金属乐。

代表性乐队：AC/DC、 Accept、 Judas Priest、 Iron Maiden、 W.A.S.P.



Industrial metal 工业金属

采用大量冰冷的电脑采样音效，穿插以机械或金属器具的撞击声代替传统打击乐器，加上电子式的节拍，是很象科技舞曲的重金属乐，但仍保留重金属的大量失真效果。

代表性乐队：Fear Factory、 Ministry、 Nine Inch Nails



Neo-Classical 新古典金属

受古典音乐极深，在重金属乐中加入大量古典音乐元素。

代表性乐队： Angra



Pop metal 流行金属

在重金属摇滚中加入流行音乐之元素，可说是重金属摇滚和流行音乐妥协结合的折中产品，是极易为主流市场之音乐消费者所接受的重金属摇滚乐。

代表性乐队：Def Leppard, Mr Big, White Lion



Power metal 强力金属

拥有类似“速度金属”的速度和“鞭击金属”的重量压迫感，但旋律性不及“速度金属”，爆发力也不及“鞭击金属”。

代表性乐队：Pantera, Armored Saint, Wild Dogs



Progressive metal 前卫金属

风格有别于传统重金属，在歌曲中采用大量复杂华丽的编曲，或在歌词中传达出某些前进思想供听者一个想象思考的空间。

代表性乐队：Queensryche, Fate Warning, Dream Theater



Punk 朋克

歌词中传达某些叛逆思想及对生活环境、文化、社会、政治等的不满情绪，而音乐缺乏协调性无特定风格，是一种相当嘈杂的音乐，通常一群能将乐器弄出声音来的人就可以组一个朋克乐队。

代表性乐队：Clash, Sex Pistols



Speed metal 速度金属

速度为其标榜的主要特色。经常会和“鞭击金属”产生混淆，通常“速度金属”的音乐较具旋律性，主唱歌词咬字较清楚，吉他间奏富旋律性且快速而流畅；而“鞭击金属”则较缺乏旋律性，完全一速度、重量、压迫感和破坏力并重。通常“鞭击金属”乐队和“速度金属”乐队的乐手们都拥有纯熟高超的乐器演奏技巧。

代表性乐队：Helloween, Gamma Ray, Riot, Rage



Thrash metal 鞭击金属

速度也极快，具有相当快速的反复节拍(riff)，电吉他粗麻的音色刷出剽悍的和弦，极具破坏力及压迫感的速踩双大鼓，主唱粗暴狂吼式的唱腔配合电吉他快速的节奏急速地唱出几无旋律的曲调。“鞭击金属”以来自旧金山湾区的重金属乐队最具代表性。

代表性乐队：metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax, Death Angel, Testament, Exodus, Destruction, Kreator, Coroner, Overkill



音乐格式一览：

经典的WAVE

WAVE文件作为最经典的Windows多媒体音频格式，应用非常广泛，它使用三个参数来表示声音：采样位数、采样频率和声道数。

声道有单声道和立体声之分，采样频率一般有11025Hz（11kHz）、22050Hz（22kHz）和44100Hz（44kHz）三种。WAVE文件所占容量=（采样频率×采样位数×声道）×时间/8（1字节=8bit）。



传统的MOD

MOD是一种类似波表的音乐格式，但它的结构却类似 MIDI，使用真实采样，体积很小，在以前的DOS年代，MOD经常被作为游戏的背景音乐。现在的MOD可以包含很多音轨，而且格式众多，如S3M、NST、669、MTM、XM、IT、XT和RT等。



电脑音乐MIDI

MIDI是Musical Instrument Data Interface的简称，它采用数字方式对乐器所奏出来的声音进行记录（每个音符记录为一个数字），然后，播放时再对这些记录通过FM或波表合成：FM合成是通过多个频率的声音混合来模拟乐器的声音；波表合成是将乐器的声音样本存储在声卡波形表中，播放时从波形表中取出产生声音。



龙头老大MP3

MP3可谓是大名鼎鼎，它采用MPEG Audio Layer 3 技术，将声音用 1∶10 甚至 1∶12 的压缩率压缩，采样率为44kHz、比特率为112kbit/s。

MP3音乐是以数字方式储存的音乐，如果要播放，就必须有相应的数字解码播放系统，一般通过专门的软件进行MP3数字音乐的解码，再还原成波形声音信号播放输出，这种软件就称为MP3播放器，如Winamp等。



网上霸主RA系列

RA、RAM和RM都是Real公司成熟的网络音频格式，采用了“音频流”技术，所以非常适合网络广播。在制作时可以加入版权、演唱者、制作者、Mail 和歌曲的Title等信息。

RA可以称为互联网上多媒体传播的霸主，适合于网络上进行实时播放，是目前在线收听网络音乐最好的一种格式。



高压缩比的VQF

VQF即TwinVQ是由Nippon Telegraph and Telephone同YAMAHA公司开发的一种音频压缩技术。

VQF的音频压缩率比标准的MPEG音频压缩率高出近一倍，可以达到1∶18左右甚至更高。而像MP3、RA这些广为流行的压缩格式一般只有1∶12左右。但仍然不会影响音质，当VQF以44kHz-80kbit/s的音频采样率压缩音乐时，它的音质会优于44kHz-128kbit/s的MP3，以44kHz-96kbit/s压缩时，音乐接近44kHz-256kbit/s的MP3。



迷你光盘MD

MD（即MiniDisc）是SONY公司于1992年推出的一种完整的便携音乐格式，它所采用的压缩算法就是ATRAC技术（压缩比是1∶5）。MD又分为可录型MD（Recordable，有磁头和激光头两个头）和单放型MD（Pre-recorded，只有激光头）。

强大的编辑功能是MD的强项，可以快速选曲、曲目移动、合并、分割、删除和曲名编辑等多项功能，比CD更具个性化，随时可以拥有一张属于自己的MD专辑。MD的产品包括MD随身听、MD床头音响、MD汽车音响、MD录音卡座、MD摄像枪和MD驱动器等。



音乐CD

即CD唱片，一张CD可以播放74分钟左右的声音文件，Windows系统中自带了一个CD播放机，另外多数声卡所附带的软件都提供了CD播放功能，甚至有一些光驱脱离电脑，只要接通电源就可以作为一个独立的CD播放机使用。



潜力无限的WMA

微软在开发自己的网络多媒体服务平台上主推ASF(Audio Steaming format)，这是一个开放支持在各种各样的网络和协议上的数据传输的标准。它支持音频、视频以及其他一系列的多媒体类型。而WMA是Windows Media Audio的缩写，相当于只包含音频的ASF文件。

WMA文件在80kbps、44kHz的模式下压缩比可达1∶18，基本上和VQF相同。而且压缩速度比MP3提高一倍。所以它应该比VQF更具有竞争力。



免费音乐格式Vorbis

为了防止MP3音乐公司收取的专利费用上升，GMGI的iCast公司的程序员开发了一种新的免费音乐格式Vorbis，其音质可以与MP3相媲美，甚至优于MP3。并且将通过网络发布，可以免费自由下载，不必担心会涉及侵权问题。但MP3在网上已经非常流行，微软的Windows Media技术也开始普及，Vorbis的前景还是不容乐观。



其它音频格式

AIF/AIFF：苹果公司开发的一种声音文件格式，支持MAC平台，支持16位44.1kHz立体声。

AU：SUN的AU压缩声音文件格式，只支持8位的声音,，是互连网上常用到的声音文件格式，多由SUN工作站创建。

CDA：CD音轨文件。

CMF：CREATIVE 公司开发的一种类似MIDI的声音文件。

DSP：Digital Signal Processing（数字信号处理）的简称。通过提高信号处理方法，音质会极大地改善，歌曲会更悦耳动听。

S3U：MP3播放文件列表

RMI：MIDI乐器序列



有损压缩：

AAC：在高比特率下音质仅次于MPC，在高比特率和低比特率下表象都很不错。就是编码速度太慢!

MPC：低比特率下表现一般，不及Mp3Pro编码的MP3和OGG，高比特率下音质最好，编码速度快!

OGG：低比特率下音质最好，高比特率同样也不错。编码速度稍慢。

MP3(MP3Pro)：在低比特率下音质次于OGG，其他方面同MP3

WMA：高低比特率下都一般，不支持VBR，最高192Kbit/s



无损压缩：

FLAC：压缩率在四个中最差，编码速度不错，平台支持很好。

PAC：稍慢的编码速度，压缩率排第三，平台支持良好。

APE：编码速度最快、最好的压缩率，平台支持一般。

WV：编码速度非常快，压缩率在四个种排第二，仅支持Windows平台。

器 乐 世 界

弦乐器

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弦乐器是乐器家族内的一个重要分支，在古典音乐乃至现代轻音乐中，几乎所有的抒情旋律都由弦乐声部来演奏。可见，柔美、动听是所有弦乐器的共同特征。弦乐器的音色统一，有多层次的表现力：合奏时澎湃激昂，独奏时温柔婉约；又因为丰富多变的弓法（颤、碎、拨、跳，等）而具有灵动的色彩。

弦乐器的发音方式是依靠机械力量使张紧的弦线振动发音，故发音音量受到一定限制。弦乐器通常用不同的弦演奏不同的音，有时则须运用手指按弦来改变弦长，从而达到改变音高的目的。

弦乐器从其发音方式上来说，主要分为弓拉弦鸣乐器（如提琴类）和弹拨弦鸣乐器 （如吉它）。 弓拉弦鸣乐器：小提琴（Violin）、中提琴（Viola）、大提琴（Cello）、倍低音提琴（Double Bass）、 电贝司（Electric Bass）； 弹拨弦鸣乐器：竖琴（Harp）、吉它（Guitar）、电吉它（Electric Guitar）、二胡、古琴、琵琶、筝。

铜管乐器

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铜管乐器的前身大多是军号和狩猎时用的号角。在早期的交响乐中使用铜管的数量不大。在很长一段时期里，交响乐队中只用两只圆号，有时增加一只小号到十九世纪上半叶，铜管乐器才在交响乐队中被广泛使用。铜管乐器的发音方式与木管乐器不同，它们不是通过缩短管内的空气柱来改变音高，而是依靠演奏者唇部的气压变化与乐器本身接通“附加管”的方法来改变音高。所有铜管乐器都装有形状相似的圆柱形号嘴，管身都呈长圆锥形状。铜管乐器的音色特点是雄壮、辉煌、热烈，虽然音质各具特色，但宏大、宽广的音量为铜管乐器组的共同特点，这是其它类别的乐器所望尘莫及的。

铜管乐器：小号（Trumpet）、短号（Cornet）、长号（Trombone）、圆号（French Horn）、大号（Tuba）。

木管乐器

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木管乐器起源很早，从民间的牧笛、芦笛等演变而来。木管乐器是乐器家族中音色最为丰富的一族，常用被来表现大自然和乡村生活的情景。在交响乐队中，不论是作为伴奏还是用于独奏，都有其特殊的韵味，是交响乐队的重要组成部分。木管乐器大多通过空气振动来产生乐音，根据发声方式，大致可分为唇鸣类（如长笛等）和簧鸣类（如单簧管等）。木管乐器的材料并不限于木质，同样有选用金属、象牙或是动物骨头等材质的。它们的音色各异、特色鲜明。从优美亮丽到深沉阴郁，应有尽有。正因如此，在乐队中，木管乐器常善于塑造各种维妙维肖的音乐形象，大大丰富了管弦乐的效果。

唇鸣类：长笛（Flute）、短笛（Piccolo）；簧鸣类：单簧管（Clarinet）、双簧管（Oboe）、英国管（English Horn）、大管（Bassoon）、萨克斯管（Saxophone）、口琴（harmonica）、笛子、笙、唢呐、萧。

键盘乐器

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在键盘乐器家族中，所有的乐器均有一个共同的特点，那就是键盘。但是它们的发声方式却有着微妙的不同，如钢琴是属于击弦打击乐器类，而管风琴则属于簧鸣乐器类，而电子合成器，则利用了现代的电声科技等等。键盘乐器相对于其他乐器家族而言，有其不可比拟的优势，那就是其宽广的音域和可以同时发出多个乐音的能力。正因如此，键盘乐器即使是作为独奏乐器，也具有丰富的和声效果和管弦乐的色彩。所以，从古至今，键盘乐器倍受作曲家们和音乐爱好者们的关注和喜爱。

键盘乐器：钢琴（Piano）、管风琴（Organ）、手风琴（Piano Accordion）、 电子琴（Electronic Keyboard）。

打击乐器

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打击乐器可能是乐器家族中历史最为悠久的一族了。其家族成员众多，特色各异，虽然它们的音色单纯，有些声音甚至不是乐音，但对于渲染乐曲气氛有着举足轻重的作用。通常打击乐器通过对乐器的敲击、摩擦、摇晃来发出声音。可不要认为打击乐器仅能起加强乐曲力度、提示音乐节奏的作用，事实上，有相当多的打击乐器能作为旋律乐器使用呢！现代管弦乐队里增加了很多非洲、亚洲音乐里的音色奇异的打击乐器，几乎无法完全罗列。

有调打击乐器：定音鼓（Timpani）、木琴（Xylophone）；

无调打击乐器：小鼓（Snare Drum）、大鼓（Bass Drum）、三角铁（Triangle）、锣（Gong）、铃鼓（Tambourine）、响板（Castanets）、砂槌（Maracas）、钹（Cymbals）、扬琴、编钟、木鱼、云锣。

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小提琴（Violin）

乐器名称：小提琴（Violin）

应用谱号：高音谱号，不移调记谱。

结构组成：琴身（包括琴头、琴颈、指板和共鸣箱）、 琴弦

系统（包括弦轴、挂弦板、琴马和琴弦）和琴弓。

使用材质：琴身：木制结构，以槭木和云杉为原材料配合制造

的 音色最佳；琴弦：金属丝；琴弓：马尾。

乐器特色：属提琴族乐器中的高音乐器，艺术表现力丰富，

音色优美、表达含蓄、变化多端，具有歌唱般的魅

力。

小提琴是一切弓弦乐器中流传最广的一种乐器，也是自17世纪以来西方音乐中最为重要的乐器之一。

现在的四弦小提琴是16世纪从老式的三弦小提琴发展来的，1650-1730年间经斯特拉迪瓦里、 阿马蒂和瓜

尔内里等家族加以改进而臻于完美。再后来的改良包括加长指板，增加腮托，用钢丝和尼龙丝取代肠线琴

弦等。

小提琴是最具表现力的乐器之一，演奏技巧极其丰富，作曲家们经常用以引发作品的基调。 小提琴在

交响乐队中，分为第一小提琴和第二小提琴。第一小提琴常担任乐曲的主旋律，第二小提琴 则担任乐曲主

要声部的和声伴奏。此外，小提琴也常在室内乐和小品中常用于独奏。近年来，小提琴又成为当代流行乐

和爵士乐的当家乐器之一。

迄今为止售价最高的小提琴系斯特拉迪瓦里奥斯于1720年制造的。1990年11月以820，000英镑的价格

易手。

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乐器名称：中提琴（Viola）

应用谱号：上中音谱号。结构组成：类似小提琴，但琴身稍大

，琴弓较长且稍显粗重， 定弦比小提琴低五度。

使用材质：琴身：木制结构，以槭木和云杉为原材料配合制造

的 音色最佳；琴弦：金属丝；琴弓：马尾。

乐器特色：属提琴族乐器里的上中音乐器，音色柔和、深沉，

略带些沙哑，因而亦独具特色。

中提琴仅比小提琴大七分之一，外形几乎一模一样，同样广泛应用于管弦乐队、交响乐队 以及室内

乐（尤其是弦乐四重奏）中。但中提琴通常担当中音声部，为主旋律起伴奏和衬托的作用， 极少用于独奏

。不过偶尔也以独奏乐器的形象出现，如在柏辽兹的交响曲《哈罗尔德在意大利》中， 中提琴的独奏就占

了相当比重。中提琴的音质别具一格，近似鼻音的咏叹，非常适合表现深沉与神秘的情调。

乐器名称：大提琴（Cello）

应用谱号：低音谱号或中音谱号、次中音谱号。

结构组成：类似小提琴，但琴身大很多，琴弓稍粗且短，定弦

比中提琴低八度。

使用材质：琴身：木制结构，以槭木和云杉为原材料配合制造

的音色最佳；琴弦：金属丝；琴弓：马尾。

乐器特色：属提琴族乐器里的下中音乐器，音色浑厚丰满，

具有开朗的性格，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉

而复杂的感情。

大提琴的历史可以追溯到16世纪末，是一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”的 15世纪的

乐器演变而来。维奥尔琴的体积不像大提琴那么大，弧形也不那么明显，但演奏时可以夹在两膝之间，像

大提琴那样用弓拉奏。

大提琴最初在意大利语中被拼作Violoncello，后来逐渐简写为Cello。 大提琴以其热烈而丰富的音色

著称，是交响乐队中最常见的乐器之一。适合扮演各种角色： 有时加入低音阵营，在低声部发出沉重的叹

息；有时则以中间两根弦起到节奏中坚的作用。

大提琴最为辉煌的时刻，要数作曲家赋予其表现如歌的旋律的使命。整个大提琴组奏出的美妙的旋律

，足以令交响乐队中的任何其他乐器都相形见绌。

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乐器名称：倍低音提琴（Double Bass）

应用谱号：倍低音谱号。

结构组成：类似于大提琴，但琴弦更粗（且通常使用肠衣弦）

， 琴体更大，琴弓更粗更短，定音比大提琴低八

度左右。

使用材质：琴身：木制结构，以槭木和云杉为原材料配合制造

的音色最佳；琴弦：金属弦，也有以肠衣为原料；

琴弓：马尾。

乐器特色：是弦乐器中形体最大的，音色极其低沉柔和，并且

能 奏出极美妙的泛音，拨弦奏法可发出隆隆声，

用于 描述雷声或波涛声往往恰到好处；慢奏时效

果最佳， 不宜快奏；高音部分音质纤弱动人。

倍低音提琴体积庞大，需站立演奏。它有两种基本形制：一种属于六弦提琴一族，肩斜背平（见上图

）；另一种属于小提琴一族，肩较方，背微圆。

倍低音提琴是管弦乐队和交响乐队中的最低音声部，多充当伴奏角色，极少用于独奏，但其雄厚的 低

音无疑是多声部音乐中强大力量的体现。贝多芬就常用它在交响乐队中演奏重要的旋律。如他在 第九交响

曲的第四乐章开始时，用倍低音提琴演奏的宣叙调，有力地回绝了前三个乐章的主题动机。 还有圣·桑在

他的《动物狂欢节》中，用倍低音提琴生动地塑造出笨重、庄严的大象形象。

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乐器名称：电贝司（Electric Bass）

应用谱号：低音谱号，不移调高八度记谱。

结构组成：类似电吉它，从外形上看也同电吉它差不多，但只

有四根弦，以电吉它的后四根弦低八度定音。

乐器特色：属电声乐器，音量变化可以调节。中低音区发音厚

实响亮， 高音区则较明亮。同吉它一样可以运用

多种技巧，演奏出 特色旋律来，因此电贝司在合

奏中是不仅仅作为低音 伴奏乐器而出现的，它往

往奏出令人难忘的乐句，音色优美， 旋律流畅。

电贝司几乎只用于现代电声乐队中，作为整个乐队的低音声部。常使用分解和弦伴奏，在乐曲的经过句中，电贝司常奏出过渡性旋律，能大大丰富乐队的音色

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乐器名称：竖琴（Harp）

乐器本调：降C大调。

实用音域：大字组降C－小字四组升F。

应用谱号：高声部：高音谱号，移调高大一度半记谱；

低声部： 低谱号，移调高大一度半记谱。

结构组成：琴身（包括琴柱、挂弦板、共鸣箱和底座）

琴弦系统 （包括琴弦、弦轴、变音传动机件装置

和踏板）。

使用材质：琴身：木制结构；

琴弦：通常（即最理想搭配方式） 高音区用尼龙

弦，中音区用肠衣弦，低音区用金属缠弦；

变音传动机件：使用曲型铜板。乐器特色：具有无以伦比的美

妙音色，尤其在演奏琶音音阶时更有行云流水

之境界；音量虽不算大，但柔如彩虹，诗意盎

然，时而温存时而神秘， 是自然美景的集中

体现。

竖琴是最古老的拨弦乐器，早期的竖琴只具有按自然音阶排列的弦，所奏调性有限。现代竖琴是由法国钢琴制造家S·埃拉尔于1810年设计出来的，有四十七条不同长度的弦，七个踏板可改变弦音的高低，能奏出所有的调性。

由于具有丰富的内涵和美丽的音质，竖琴成为交响乐队以及歌舞剧中特殊的色彩性乐器，主要担任和声伴奏和滑奏式的装饰句，每每奏出画龙点睛之笔，令听众难以忘怀。

在室内乐中，竖琴也是重要的独奏乐器。独奏时能奏出柔和优美的抒情段或华彩段，极具感染力。

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乐器名称：吉它（Guitar）

应用谱号：高音谱号，不移调高八度记谱。

结构组成：琴身（包括琴头、琴颈和共鸣箱），琴弦系统 （

包括琴弦、弦轴、弦枕、指板、品位和弦马）。

使用材质：琴身：木质结构；品位：用金属扁条制成，依音位

插于指板上；琴弦：民瑶吉它多用钢丝弦，古典吉

它多用尼龙弦（包括尼龙质的金属缠弦）。

种类介绍：目前世界上最常见的吉它有两类，即西班牙吉它和

夏威夷吉它。这两类吉它均可改装为电吉它。在演

奏方法以及音色方面，西班牙吉它和夏威夷吉它有

明显的区别：夏威夷吉它需要借助金属棒（按弦）

和指套（拨弦）来演奏，音色明亮而饱满， 尤其

擅长表现滑音，多用于演奏主旋律，较少用于伴奏

。在中国常见的是西班牙吉它。

乐器特色：典型的大众化乐器，雅俗共赏，便于演奏。高音部音色清澈华丽，中音部柔美动听，低音部丰满深沉，用于独奏可以表现出丰富的和声效果，具有如泣如诉般的感情力量，并能奏出美妙的　泛音，还可模仿许多打击乐的音色，其表现力丰富可见一斑；用于伴奏（尤其是伴唱）可以充分发挥其和弦的功力，为主旋律作丰富的衬托。“自弹自唱，乐在其中”。

吉它又名“六弦琴”，属室内乐器，因其音量较小，几乎从不用于各类乐队中。这种乐器堪称简单设计的杰作。理想的吉它琴体的底板和侧面应由最好的黄檀木构成，面板采用云杉木，弦品和琴颈分别由乌木和红木制作。六根琴弦则是尼龙和钢材料的混合体。世界上最为昂贵的西班牙吉它于 1990年由索斯比拍卖行以15，400英镑售出。

吉它经过了不少变化，才形成常见的莱斯·保尔、斯特拉托卡斯特尔和吉布森等类型（最后一种类型为所有摇滚吉它手所渴求）。然而，今天的吉它与当年西班牙南部山区的安达卢西亚人用于独奏和为舞蹈伴奏的吉它相比，并没有本质上的区别。吉它主要用于大众娱乐，是典型的家庭乐器，对于音乐的普及和教育起着重要的作用；而且许多古典吉它名曲根本无法改编为用其他乐器演奏的乐曲，因为这些名曲中蕴含着独特的吉它技巧，其他乐器是根本无从模仿的。也许正是由于这些因素，吉它艺术在音乐体系中成为一个相对独立的分支。

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乐器名称：电吉它（Electric Guitar）

应用谱号：高音谱号，有时也用专用的乐谱。

结构组成：比普通吉它少了共鸣箱，其余部分与普通吉它相同

。琴身不过是实心的装饰品而已，电吉它的发音是

通过弦马下的电磁扩音装置连接音箱（扬声器）而

实现的，因此可以调节 发音音量。

乐器特色：由于摆脱了共鸣箱的限制，因此扩大了普通吉它的

音域， 并使高把位的表现力增强。另外，由于电

吉它音量可大可小， 音值可长可短，故比起普通

吉它来，在演奏方面回旋余地 更大，在表现滑音

、颤音和倚音方面（这正是吉它类乐器的 突出特

点）更是游刃有余。

自从电吉它出世以来，一直是电声乐队中不可或缺的主力。在各种小型乐队中，电吉它也经常参与合奏。由于音量的扩大，电吉它作为独奏乐器就更为理想，参与伴奏、合奏也不再被其他乐器的音响所湮没。可以认为，电吉它赋予了吉它类乐器以崭新的生命力。

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乐器名称：二胡

结构组成：由琴头、弦轴、琴杆、千斤、琴码、琴筒、琴弦和

琴弓八大部分构成。

使用材质：大部分结构为红木或楠木所制，琴弦多为金属弦或

金属缠弦，琴弓为马尾所制。

乐器特色：典型的中国民族乐器，属于弦乐器族内的弓拉弦鸣

乐器类。音色柔美而深沉，表现力丰富，善于抒发

感情。二胡的演奏技法艰难，有分弓、快弓、颤弓

、顿弓和跳弓等弓法技巧和颤音、倚音和滑音等指

法技巧。

多用于独奏，也是中国民族乐队中必不可少的主旋律乐器。中国的许多地方戏种、曲艺说唱等艺术形式的主要伴奏乐器即为二胡以及二胡的“同族兄弟”板胡、京胡以及高胡等等。

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乐器名称：古琴

别称雅号：“琴”、“七弦琴”

结构组成：型制多样，现今以“仲尼式”最为多见。一般分为

琴体（即共鸣箱，由琴面、琴底和琴轸、雁足等部

分组成）和琴弦系统（包括琴弦七根和岳山、龙龈

、琴徽等部分）。

使用材质：琴身的琴面面板一般为桐木制，琴底板为梓木制。

琴弦的质地以前多为丝制，现在多为金属制；琴徽

多为贝壳或玉石制成。

乐器特色：是乐器家族中最古老的乐器之一，历史悠久，为中

国最重要的传统民族乐器之一。属于弦乐器族内的

弹拨弦鸣乐器，发音浑厚深沉，余音悠远，具有浓

厚的中国民族特色。演奏技巧复杂，有滑奏、揉弦

和泛音奏法等特殊技巧，表现力丰富。

属于典型的独奏乐器，较少用于合奏。古时也常作为文人

吟唱时的伴奏乐器。

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乐器名称：琵琶

结构组成：由头部、颈部和腹部三部分构成： 头部：包括琴

头、弦槽和弦轴； 颈部：包括山口、相、琴枕和

琴颈； 腹部：包括品、面板、复手、琴背和琴弦

（4根）。

使用材质：头部、颈部多由红木或牛角、象牙、玉石等原料制

作；腹部面板多为桐木或柏木制成，品多为竹制或

牛角制，琴弦为钢丝弦或尼龙弦。

乐器特色：最重要的中国民族乐器之一，属于弦乐器族内的弹

拨乐器类。琵琶自唐朝时期基本定型以来，还不断

经历一些小的改动，其音色、音量和音域也随之变

动。琵琶的音色清澈、明亮，中国唐代诗人白居易

的著名诗句“大珠小珠落玉盘”，形象而生动地说

明了琵琶的音质特点。其演奏技巧相当复杂，不同

的演奏技巧可以模仿许多声音效果（如潺潺流水乃

至战场上的人喊马嘶等等），十分逼真。

通常为独奏乐器。在中国民族乐队中，琵琶也是极为重要的旋律乐器和伴奏乐器。另外，在以苏州评弹为代表的许多中国地方曲艺中，琵琶也是主要的伴唱乐器。

乐器名称：筝

应用谱号：“古筝”

结构组成：为一弦一柱、多弦多柱的乐器，分为琴身（由共鸣

箱和支架构成）和琴弦系统（包括琴弦、弦轴、前

梁、后梁和音柱）两大部分。目前筝的弦数在十九

弦到二十六弦之间，有多种规格。

使用材质：琴身共鸣箱一般为桐木制，支架为木制。琴弦的质

地以前多为丝制，现在多为金属制；前梁、后梁和

音柱多为竹制。

乐器特色：是中国传统的民族乐器之一，分布甚广。属于弦乐

器族内的弹拨弦鸣乐器类，历史久远，历经演变，

发音清脆悦耳，如山泉般流畅。由于按五声音阶定

弦，故极具中国民族特色。

无论用于独奏、重奏、合奏或伴奏（伴唱），都是 特色

型乐器。也常常用于中国民族乐队充任声部。此外，筝还广泛

应用于中国的许多种地方曲艺形式， 如山东琴书、潮州弦诗

等等。

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乐器名称：小号（Trumpet）

乐器本调：降B调。

应用谱号：高音谱号，移调高大二度记谱。

实用音域：小字组F－小字二组C。

结构组成：号嘴，管体和机械三部分。管长1.355米，机械部

分由 活塞和活塞套组成，通过按下活塞接通旁路

管以达到延长号管的目的。活塞分为直升式和回转

式两种。

使用材质：磷铜管。

乐器特色：音色强烈，明亮而锐利，极富光辉感，是铜管族中

的高音乐器，既可奏出嘹亮的号角声，也可奏出优

美而富有歌唱性的旋律。小号使用弱音器可增加神

秘色彩。

小号最早是在军队中用来传递信号，17世纪以后成为管弦乐队和独奏的乐器。19世纪以前，小号仅限于吹奏泛音列的各音，而到巴赫时代，许多小号则长于高音区的演奏。基音的音高可以通过安装不同长度的接管（若干节号管）来改变。大约1830年，小号又加上了阀键，以便更容易演奏。

小号是军乐队的重要乐器，也大量用于爵士乐队。除降B调，另外还有C、降E、A等多种调的小号，但使用很少。

小号音色嘹亮，富于英雄气概，多用于吹奏号角之音和进行曲式的旋律。如威尔第的《阿伊达》中的小号齐奏，气势恢弘，极富煽动性。小号演奏时，还可以在号口塞梨状弱音器，堵住排气量的百分之七十，达到改变音色的目的，以表现抒情、梦幻与神秘。

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乐器名称：短号（Cornet）

乐器本调：降B。

应用谱号：高音谱号，移调高大二度记谱。

实用音域：小字组F－小字二组C。

结构组成：号嘴，管体和机械三部分。管长1.335米，机械部

分由 活塞和活塞套组成，通过按下活塞接通旁路

管以达到延长号管的目的。

使用材质：磷铜管。

乐器特色：音色柔和，富有歌唱性，但不够辉煌。

短号是小号的变形乐器，通常只用于军乐队和舞厅乐队，很少用于管弦乐队。另外还有降E调短号，使用较少。

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乐器名称：长号（Trombone）

乐器本调：降B调。应用谱号：低音谱号，不移调记谱。实用

音域：大字组E－小字一组降B。

结构组成：号嘴，U型套管（管长2.75米），里管，调音管，

喇叭口等（低音长号还带有一个回转式四度活塞和

一根四度附加管）。还有一种活塞长号，现在基本

已经淘汰。

使用材质：磷铜管。

乐器特色：音色高傲，辉煌，庄严壮丽而饱满，声音嘹亮而富

有威力， 弱奏时又温柔委婉。其音色鲜明统一，

在乐队中很少能被 同化，甚至可以与整个乐队抗

衡。能演奏半音音阶和独特的滑音。常演奏雄壮乐

曲的 中低音声部。军乐队中是用来演奏威武的中

低音旋律的主要乐器。管弦乐队中很少用于独奏。

长号又称拉管，是构造上唯一未经过技术完善，很少改进的铜管乐器。它通过滑管来改变号身的长度和基音的音高。长号的历史可追溯到15世纪。大约1700年前称为萨克布号。17-18世纪时多用于教堂音乐和歌剧的超自然场面中。到19世纪，长号成为交响乐队中的固定乐器。长号也是军乐队的重要乐器，同时还大量用于爵士乐队，被称为“爵士乐之王”。

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乐器名称：圆号（French Horn）

乐器本调：F调（常见的圆号有F/降E双调，F/降B双调和

F/A/降B三调等多种）。

应用谱号：高音谱号，按本调F调移调记谱。

实用音域：大字一组B－小字二组F。

结构组成：号嘴，管体和机械三部分，管长3.930米（F调圆号

） 管体弯成圆型，整个管体拐弯较多机械部分使

用回旋式 活塞，通过按下活塞键使活塞回转接通

旁路管以达到 延长号管的作用。常见有三键，四

键和五键圆号。

使用材质：磷铜管。

乐器特色：音色具有铜管的特色，但又温和高雅，带有哀愁和

诗意，在铜管和木管乐器之间起到 媒介作用，表

现力极其丰富，是铜管乐器中音域最宽，应用最广

泛的乐器。

圆号又称法国号，在传统上与狩猎有关。19世纪以前，管弦乐队中的圆号大多限于泛音列的各音使用，其基本音高可以通过“附管”改变乐器的长度来改变。1840年以后，阀键逐渐取代了“附管”的作用。

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乐器名称：大号（Tuba）

乐器本调：降B调。

应用谱号：低音谱号，不移调记谱（也有移调记谱的）。

实用音域：大字一组D－小字一组F。

结构组成：号嘴，管体和机械三部分组成。有四到六个活塞

（回转式较常见）。大号有抱式大号，圈式大号和

转口式大号（俗称“苏萨风”）三种，后两种只

用于军乐队或管乐队。

乐器特色：是管弦乐队中最大的低音部铜管乐器，音色浑厚低

沉， 威严庄重，与倍低音提琴同是管弦乐队和奏

的基础。

大号的形制有多种，除前面提到过的抱式、圈式、苏萨风，还有一种优福尼（次中音大号）。管弦乐队中还使用G，F，C调大号。

大号在乐队中主要担任低音部和声或节奏，很少用于独奏。其实大号不但低音浑厚，它的高音区也很优美，所以现代作曲家偶尔也用大号吹奏旋律，如拉威尔配器的《图画展览会》中“牛车”主题，就是用大号演奏的。

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乐器名称：长笛（Flute）

乐器本调：C 调。应用谱号：

高音谱号，不移调记谱。

实用音域：小字一组C－小字四组C。

结构组成：管身（含吹节, 主节和尾节）和音键系统。

使用材质：普通型：无缝镍银管，专业型：硬质真银。

乐器特色：清新、透彻，色调是冷的。高音活泼明丽，低音优

美 悦耳，广泛应用于管弦乐队和军乐队。

长笛的流传已有好几个世纪，其历史甚至可以追溯到古埃及时代，当时它还只是竖吹的上面开孔的粘土管。到了海顿所在的年代（1732-1809），长笛已成为交响乐队中的固定乐器。19世纪初，随着特奥巴尔德·波姆发明的按键装置（后来亦被用于单簧管、双簧管和大管等），长笛完成了定型。

长笛音色柔美清澈，音域宽广：中、高音区明朗如清晨的第一缕阳光；低音区婉约如冰澈的月光；而且擅长花腔，演奏技巧华丽多样，在交响乐队中常担任主要旋律，是重要的独奏乐器。

长笛的种类很多，除常见的普通C调长笛外，还有降D、降E调长笛，G调次中音长笛，C调低音长笛等，不过应用较少。

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乐器名称：单簧管（Clarinet）

乐器本调：降B调。

应用谱号：高音谱号，移调高大二度记谱。

实用音域：小字组D－小字三组F。

结构组成：哨头（单簧片），小筒，主体管（两节），喇叭口

， 和机械音键系统。

使用材质：普通型：硬制橡胶、ABS塑料、酚醛树脂等； 专业

型：经特殊处理的乌木、紫檀、红木或有机玻璃。

乐器特色：高音区嘹亮明朗；中音区富于表情，音色纯净，清

澈优美； 低音区低沉，浑厚而丰满，是木管族中

应用最广泛的乐器。

单簧管又称“黑管”，是一种音域宽广的簧片乐器。其根源可以追溯到号角和风笛，一般认为是从一种类似竖笛的单簧片乐器芦笛演变而来。现代的单簧管是德国笛子制作人约翰·丹纳在1690年发明的，此后屡经改进，最终由德国长笛演奏家特奥巴尔德·波姆定型。

单簧管除降B调外，常用的还有降E调小单簧管和音区向下延伸的中音单簧管、巴塞特单簧管、低音单簧管和最低音单簧管等。传统上，单簧管是木制的，考究的单簧管一度是用象牙制作的，但如今已普遍采用塑料制作。

单簧管的性能十分灵活，可以轻松地演奏掠过多个音阶的长音，且以能连续吹出琶音著称，用于独奏极富表现力。莫扎特是第一位在交响乐中采用单簧管的作曲家，他觉得这是最接近人声的乐器。

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乐器名称：双簧管（Oboe）

乐器本调：C 调。

应用谱号：高音谱号，不移调记谱。

实用音域：小字组B－小字三组F。

结构组成：哨子（双簧片），管体（包括上下节和喇叭口）和音键。

使用材质：管体用经过特殊处理的硬木制成。

乐器特色：音色柔和软丽，有芦笛声，适于表现田园风光和

忧郁抒情的情绪。

双簧管最初形成于17世纪中叶，18世纪时得到广泛使用。双簧管在乐队中常担任主要旋律的演奏，是出色的独奏乐器，同时也善于合奏和伴奏。此外它还是交响乐队里的调音基准乐器（乐队以双簧管的小字一组的A音定音）。

双簧管音色带有鼻音似的芦片声，善于演奏徐缓如歌的曲调，被誉为“抒情女高音”。柴科夫斯基的《天鹅湖》中的忧郁而优美的白天鹅主题就是由双簧管吹奏的。

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乐器名称：英国管（English Horn）

乐器本调：F调。

应用谱号：高音谱号，移调记谱。

实用音域：小字组E－小字二组A。

结构组成：哨子（双簧片），管体，球状喇叭口和音键系统。

使用材质：木制。 乐器特色：音色近似双簧管，有忧郁、梦

幻的情调。

英国管即F调双簧管、中音双簧管，比双簧管的音域低五度，音色比双簧管浓郁而苍凉，听起来如泣如诉。如德沃夏克的《新世界交响曲》第二乐章主题和西贝柳斯的交响诗《图奥内拉的天鹅》都是以英国管来演奏。

英国管不是管弦乐队的基本乐器，只在表现特定情景时才用。 “英国管”名称之由来，并非此乐器来自英国，而是由于文字上的相同音译的结果。

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乐器名称：萨克斯管（Saxophone）

乐器本调：降B（高音，次中音），降E（中音，上低音）。

应用谱号：高音谱号，根据乐器本调移调记谱。

实用音域：两个半八度。

结构组成：金属制抛物线性圆锥管体，与单簧管类似的哨头

（单簧片），波姆体系音键系统。除降B高音 萨克

管外，均弯成烟斗型。

使用材质：铜制。

乐器特色：音色丰富，高音区介于单簧管和圆号间，中音区犹

如人声和大提琴音色，低音区象大号和低音提琴。

萨克斯管是法国乐器制造家A·萨克斯于1846年发明的。最常用的是中音和次中音萨克斯管，常与高音和上低音萨克斯管配合，组成萨克斯管的四重奏。

萨克斯管的独特音色为现代音乐所推崇，广泛应用于现代爵士乐队中，偶尔也用于管弦乐队。

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乐器名称：口琴（harmonica）

结构组成：非常简单，是体积最小的乐器之一。在长条型琴体

上设置双层方格窗口，窗口内设置簧片，通过口吹

气流使簧片振动发声。

使用材质：琴体外壳多为金属质地，方格窗口内多为朔料或电

木所制，簧片多为金属片。

乐器特色：属于簧片乐器族内的吹孔簧鸣乐器。由于上下双层

窗口的簧片振动不完全一样，故口琴的音色中有一

种特色颤音，十分柔美动听。

属于极为大众化的乐器，物美价廉，便于携带，演奏技巧

比较简单。很少用于管弦乐队，但广泛流行于民间，深受人们

的喜爱。

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乐器名称：笛子

别称雅号：竹笛；横笛；“横吹”

应用谱号：低音谱号，不移调记谱。

结构组成：是一根比手指略粗的长管，上面开有若干小孔。

常见的六孔竹制膜笛 由笛头、吹孔（1个）、膜孔

（1个）、音孔（6个）、后出音孔（1个）、 前出

音孔（2个，又名筒音）和笛尾组成。

使用材质：笛身一般为竹制。笛膜（演奏时贴于膜孔处的一个

小薄片）一般用嫩 芦苇杆中的内膜制成。

乐器特色：属于木管乐器家族中的吹孔膜鸣乐器类。是典型的

中国民族乐器。据 传说，笛子已有两千年以上的

历史。笛子的表现力十分丰富，可演奏 出连音、

断音、颤音和滑音等色彩性音符；还可以表达不同

的情绪； 无论演奏舒缓、平和的旋律，还是演奏

急促、跳跃的旋律，其独到之 处都可从中领略。

此外，笛子还擅长模仿大自然中的各种声音，把听

众带入鸟语花香或高山流水的意境之中。

是中国民族乐队中重要的旋律乐器，多用于独奏，也和参与合奏。笛 子实际上是一类乐器的通称，如果从音高上分类，笛子一般分为曲笛（笛身较为粗长，音高较低，音色醇厚，多分布于中国南方）、梆笛（笛身较为细短，音高较高，音色清亮，多用于中国北方各戏种）和中笛（形状、发音特点介于曲笛和梆笛之间）。

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乐器名称：笙

别称雅号：“芦笙”

应用谱号：低音谱号，不移调记谱。

结构组成：主要由笙簧、笙苗(即笙体上的许多长短不一的竹

管)和笙斗(即连接吹口的笙底座)三部分构成。

使用材质：笙簧：古代用竹制，现代多用响铜；笙苗：多用紫

竹制作，每一竹管的下端嵌接有木制笙 脚以装簧

片；

乐器特色：古老的中国民间乐器，属于簧片乐器族内的吹孔簧

鸣乐器类，是世界上现存大多数簧片乐器的鼻祖。

发音清越、高雅，音质柔和，歌唱性强，具有中

国民间色彩。

在中国分布广泛，大致有十七簧、二十一簧和三十六 簧三种规格。多用于合奏以及地方戏曲伴奏。

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乐器名称：唢呐

别称雅号：“喇叭”

结构组成：在一椎形木管上开八个音孔(前七后一)，木管上端

装一细铜管，铜管上端安装一个苇制哨子，为演奏

者吹奏所用；木管下端承接一个铜制“喇叭口”。

乐器特色：属于木管乐器族内的吹孔簧鸣乐器类，唢呐苇制哨

子的结构与西洋乐器双簧管的吹口相似，均为双簧

乐器，但唢呐的簧片较薄。音色高亢、明亮，具有

极强的感染力，无论用于表现自然事物或者人类的

喜怒哀乐，都有其独到之处。唢呐是一种历史久远

的中国传统民族乐器，自明代起已广泛流行于民间

。有些民间艺人不但能用唢呐演奏出轻巧的颤音、

倚音和滑音，而且能用唢呐模仿出箫的柔美音色

来。

是中国民族乐队中的主要吹奏乐器，常用于独奏、重奏、合奏以及地方戏曲、歌舞的伴奏。在民间，每逢喜庆佳节，唢呐更是吹打乐队和锣鼓乐队中的骨干乐器。

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乐器名称：箫

别称雅号：“洞箫”、“竖吹”

结构组成：为一根长80厘米的竹管，管径约为2厘米左右。竹

管上端用 竹节封口，在封口处开一个半椭圆型吹

孔，竹管管身上开六个 按音孔（前五后一），管

身另一面开有出音孔。

使用材质：古代的箫多为竹制，但也有玉制或瓷制的；现代箫

统一为竹制。

乐器特色：属于木管乐器族内的吹孔气鸣乐器，音色圆润、浑

厚、柔和 ，但音量较小。箫为传统的中国民族乐

器，其音色十分独特， 有一种悠远、苍凉的感觉

，因此极适于演奏较为哀婉的乐曲。

常用于独奏或琴箫合奏。在传统的中国江南丝竹乐中，箫也是重要的乐器之一。

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乐器名称：钢琴（Piano）

应用谱号：高音部：高音谱号，不移调记谱； 低音部：低音谱号，不移调记谱。

结构组成：由琴弦列、音板、支架、键盘系统（包括 黑白琴

键和击弦音棰）、踏板机械（包括顶杆 和踏板）

和外壳共六大部分组成。

使用材质：琴弦列：高、中音琴弦由钢丝制成；低音琴弦 由

钢丝加上紫铜缠丝制成。音板：木质结构。 木材

要求质地柔软、有弹性、易传导振动，以白松或梧

桐为最佳。支架：包括铸铁支架和木支架两部分。

键盘系统：黑白琴键由象牙或电木制成；音棰常用

木制。 踏板机械：金属结构。外壳：漆饰木板结

构。

乐器特色：音域宽广，音量宏大，音色变化丰富，可以表达各

种不同的音乐情绪，或刚或柔，或急或缓 均可恰

到好处；高音清脆，中音丰满，低音雄厚，可以模

仿整个交响乐队的效果。

钢琴的历史已有200年以上，最早是在17世纪末由克里斯托福里在佛罗伦萨制造的。19世纪的 著名钢琴制造家 J·布罗德伍德、S·埃拉尔、K·贝希施泰因、J·F·布吕特内尔和H·E·斯坦威等人在许多方面改进了钢琴，增加音量和连续演奏的能力，扩展了音域，并改善了钢琴的机械装置。

现代钢琴因形状和体积的不同，主要分为立式钢琴和三角钢琴。音乐会所用的大三角钢琴是乐器中的庞然大物，有9英尺长，最重的可达79吨。迄今为止最昂贵的钢琴是一架1888年生产的斯坦威牌三角钢琴，1980年在纽约以18万英镑的高价被拍卖。

钢琴因其独特的音响，88个琴键的全音域，历来受到作曲家的钟爱。在流行、摇滚、爵士以及古典等几乎所有的音乐形式中都扮演了重要角色，被誉为“乐器之王”。

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乐器名称：管风琴（Organ）

应用谱号：高音部：高音谱号，不移调记谱；低音部：低音谱

号， 不移调记谱；最低音声部：（用于脚踏低音

键盘） 倍低音谱号，不移调记谱。

结构组成：是世界上有史以来体积、重量最大的乐器，构造极

其复杂，没有固定的规格。一般由键盘系统和音管

系统两大部分组成。

乐器特色：属簧片乐器族中的自由簧乐器，音域最为宽广，有

雄伟磅礴的气势，肃穆庄严的气氛，其丰富的和声

绝不逊色于一支管弦乐队，是最能激发人类对音乐

产生敬畏之情的乐器，也是最具宗教色彩的乐器。

管风琴是历史悠久的古老乐器，大约产生于公元前二百年左右。有多种类型，但其共同特征是风箱将空气注入琴箱，演奏者用手指或双脚操作键盘施加压力，使空气进入不同长度和管径的金属或木制音管中，从而奏出乐音。

管风琴曾是纯粹的宗教乐器，在很多欧洲国家，每个普通村镇的教堂里都有管风琴。它是典型的独奏和声乐器，作为伴奏往往只用于宗教歌曲，在管弦乐队和交响乐队中则更少见。

管风琴体积庞大，最大的高达十几米，有三万多根音管，七层键盘，演奏时发出宏大壮阔的音响。罗曼·罗兰写克里斯朵夫第一次听到管风琴的声音，“一个寒噤从头到脚，像是受了一次洗礼。”

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乐器名称：手风琴（Piano Accordion）

应用谱号：高音谱号，不移调记谱。

结构组成：高音键盘、低音键钮和风箱三大部分。

乐器特色：具有多种音色，可模拟多种管乐器和弦乐器； 和

声丰富，可奏出小型乐队的效果；音量宏大， 发

音持久，不受空间局限；便于携带和演奏， 是普

及型乐器。

最早的手风琴的专利注册于1829年的维也纳。此后虽音质和结构不断得到改善，但基本形制没有太大的变化，大多为右手演奏高音键盘，左手操纵六排键钮，产生低音与和弦。手风琴多用于独奏或为歌曲、舞蹈等伴奏，较少加入管弦或交响乐队；具有较强的民间风格，特别能体现东欧国家的民族特色。20世纪的一些重要作曲家，如普罗科菲耶夫等曾专门为手风琴创作过乐曲。

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乐器名称：电子琴(Electronic Keyboard)

应用谱号：使用钢琴谱，高低音双行记谱。

结构组成：电子乐器的结构较为复杂，音源是由晶体管产生的

电振动，并通过音色回路而产生各种音色；同时由

周波数调制产生颤音效果，由振幅调制产生各种乐

器的音效。电子琴的外形很像普通键盘乐器，只是

某些种类多一排脚踏键盘，而且手触键盘也往往分

为两层。

乐器特色：属于电子乐器，发音音量可以自由调节。音域较宽

，和声 丰富，甚至可以演奏出一个管弦乐队的效

果，表现力极其丰富。它还可模仿多种音色， 甚

至可以奏出常规乐器所无法发出的声音（如人声，

风雨声等）。另外，电子琴在 独奏时，还可随意

配上类似打击乐音响的节拍伴奏，适合于演奏节奏

性较强的现代音乐。 另外，电子琴还安装有混响

回声、延长音、震音和颤音等多项功能装置，表达

各种 情绪时运用自如。

电子琴是电声乐队的中坚力量，常用于独奏主旋律并伴以丰富的和声。还常作为独奏乐器出现，具有鲜明时代特色。但电子琴的局限性也十分明显：旋律与和声缺乏音量变化，过于协和、单一；在模仿各类管、弦乐器时，音色还不够逼真，模仿提琴类乐器的音色时，失真度更大，还需要不断改进。

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乐器名称：定音鼓（Timpani）

结构组成：由鼓身、鼓皮、定音系统和鼓棰等部分组成。

使用材质：鼓身：金属结构；鼓皮：牛、羊、驴皮均可， 或

使用合成材料。鼓棰：短木棰。根据演奏需要 决

定是否在一端包以弹性材料。

乐器特色：属单皮膜鸣乐器，造价昂贵。定音鼓可发出固定频

率 （即音高）的声音，并能够在五度音程范围内

改变音高。 音色柔和、丰满，音量可控制，不同

的力度可表现 不同的音乐内容，有时甚至可以直

接演奏出旋律。 演奏方法分为单奏和滚奏两种，

单奏多用于节拍性伴奏， 滚奏则可以模仿雷声，

且效果逼真。定音鼓作为色彩性打击乐器，其丰富

的表现力远非 普通打击乐器所能比拟。

定音鼓的前身是古阿拉伯的纳嘎拉鼓，17世纪传入欧洲以来，就一直是交响乐队中打击乐声部的固定乐器，是重要的色彩性伴奏乐器，也适于其他各类乐队。

定音鼓在规格上分为大、中、小三种，在交响乐队中通常设置三到四个，由一名乐手演奏，可达到鼓声本身的和声效果。从表面上看，定音鼓几乎算是最易演奏的乐器了，但实际上鼓手需要相当大的自信和时间感才能成功地驾驭它。鼓手经常要默默地静坐若干时间，随后数着章节，在非介入不可的当口发出振聋发聩的一击，稍有差错便会人尽皆知。

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乐器名称：木琴（Xylophone）

结构组成：由音条、琴架、共鸣筒和打棰四大部分组成。

使用材质：音条：用红木或其他硬质木料制作；琴架： 金属

质地；共鸣筒：长短不同的圆形薄铝管， 装在每

个音条的下方，作用相当于弦乐器的 共鸣箱，使

音条发出的声音增强和延长； 打棰：一对勺型小

木棰，多用红木制成。 用来击打音条以发声。

乐器特色：属竹木体鸣乐器类，各个音条都有固定的音高，因

而木琴是变音打击乐器，可用于独奏旋律。 强奏

时，木琴音色刚劲有力，弱奏时则柔美悦耳。木琴

发音短促而清脆，多用来演奏 轻快、活泼的乐曲

，表达一种欢乐的气氛。对于持续音，则必须运用

两个打棰迅速交替敲击 同一音条以获得连续的效

果。此外，木琴还可以奏出美妙的滑音和动人的震

音，具有 丰富的表现力。

木琴产生于14世纪，音域为3个半到4个八度。多用于独奏，但需要其他乐器（如钢琴、管弦乐队等）来伴奏方能衬托出其独特的音色，使之更具魅力。

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乐器名称：大鼓（Bass Drum）

结构组成：由鼓身、鼓皮、鼓圈、鼓卡和鼓棰等部分组成。

使用材质：鼓身：木质或轻金属材料；鼓皮：多用牛皮； 鼓

圈和鼓卡：目前多用铝合金制成。鼓棰：短而粗的

木棰，一端包以皮条、布料或绒毡，呈球状。

乐器特色：属于双面膜鸣乐器，无固定音高，但可控制发音的

强弱 变化。用鼓棰敲击发音，随用力的变化来表

现不同的 音乐情绪。其音色低沉响亮，雄壮有力

，用于模仿雷声 和炮声时恰如其分。

现代大鼓起源于古代土耳其，因此又称大军鼓，中世纪时传入欧洲。是军乐队、管弦乐队和交响乐队中最重要的打击乐器，几乎不作独奏，而是参与合奏或衬托乐队和声的伴奏乐器，但大鼓的地位非常重要，它不仅使乐队的低音声部更加充实、丰满，而且为整个乐队带来一种气势，增添了活力。

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乐器名称：小鼓（Snare Drum）

结构组成：类似大鼓，但体积小得多。

使用材质：基本与大鼓相同，只是鼓皮为羊皮，且不敲的一面

绷有多条响弦；鼓棰使用两条硬木棰，棰头较小，

且不包任何外物。

乐器特色：属双面膜鸣乐器，无固定音高，但发音频率高于大

鼓。 音色清晰、明快，并伴有沙沙的声音，别具

特色。 演奏方式分为单奏、双奏和滚奏三种，其

中滚奏法 最具小鼓特色，双棰极迅速地交替敲击

，发出颗粒清晰的 音响，各种处理效果（如轻、

重、缓、急的区别）可以 表达出不同的音乐情绪。

小鼓又称“小军鼓”，在各类乐队中与大鼓的重要性相同，常与大鼓同时使用。但小鼓不象大鼓那样用来加强强拍，而是在弱拍上敲击细小的节奏，以调和音色，增强乐曲的节奏感。小鼓的音响穿透力强，力度变化大，还可以通过在鼓面上盖绒布，或使用不同硬度的鼓槌来改变音色， 能奏出各种气氛，表现力非常丰富。

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乐器名称：三角铁（Triangle）

结构组成：主体由一根弯成等腰三角形的弹簧钢条 （首尾不

连接）组成，另有一根金属棒， 用来敲击主体以

发声。

乐器特色：属于金属体鸣乐器族，无固定音高。可发出银铃般

的颤音，为整个乐队增加一种特殊的色彩， 其点

缀作用十分明显。它还能奏出各种 节奏花样和连

续而迅速的震音，尽管音量 微弱，但这种美妙的

感觉仍可回荡在整个乐队 之中。

三角铁又称“三角铃”，是一种古老的打击乐器，是管乐队、管弦乐队、交响乐队乃至歌舞剧乐队中必不可少的打击乐器。常常在华彩性的乐段中加入演奏，以增强气氛。

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乐器名称：锣（Gong）

结构组成：锣身为一圆型弧面，多用铜制结构，其四周 以本

身边框固定；锣棰为一木棰。锣身大小有多种规格

，小型锣在演奏时用左手提锣身， 右手拿棰击锣

；大型锣则须悬挂于锣架上演奏。

乐器特色：属于金属体鸣乐器，无固定音高。其音响低沉、宏

亮而强烈，余音悠长持久。通常，锣声用于 表现

一种紧张的气氛和不祥的预兆，具有十分 独特的

艺术效果。

锣又称“中国锣”，来自中国的民族乐队，是交响乐队中唯一的中国乐器。锣是现代交响乐队、管弦乐队中重要的打击乐器，改变锣棰棰头的结构或质地可有效地改变锣身的音色。另外，一些较小的锣有确定的音高。

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乐器名称：铃鼓（Tambourine）

结构组成：由鼓框（一圈鼓框上开有若干长条型孔，每个孔中

安装有一对小钹；有的铃鼓还在一圈鼓框上悬挂

几个 铜铃）和鼓皮两部分组成。

使用材质：鼓框：一般为木质结构；小钹：铜制； 鼓皮：多

用羊皮制成。

乐器特色：属单皮膜鸣乐器，直接用手敲击发声，无固定音高

。 铃鼓具有简易、轻便的特点，适合于民间舞蹈

， 普遍应用于世界各地。演奏时一只手提鼓身，

另一只手 敲击鼓面，可同时发出鼓声和钹声（甚

至铃声），常用来烘托热烈的气氛，表达一种 欢

乐的情绪。音色清脆、明亮，还可发出急速而美妙

的震音，真可谓“载歌载舞”。

铃鼓又称“手鼓”，无论在民间舞蹈或乐队伴奏中，铃鼓都是一种色彩性很强的节奏打击乐器，可用作伴奏、伴舞和伴歌，节奏自由，任凭演奏者即兴发挥。

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乐器名称：响板（Castanets）

结构组成：由一对手掌大小、贝壳形状的扁木片构成。两个木

片上 都拴有细绳，可套在拇指上。

使用材质：多用红木或乌木等坚硬木材制成。

乐器特色：属竹木体鸣乐器类，无固定音高。演奏时将两片响

板像 贝壳一样相对着挂在拇指上，用其他四个手

指轮流弹击 其中一片响板，使之叩击在另一片上

发声。音色 清脆 透亮，不仅可以直接为歌舞打出

简单的节拍，而且可以 奏出各种复杂而奇妙的节

奏花样，别有一番特色。

响板又叫“西班牙响板”，多用于西班牙、意大利等南欧国家以及拉丁美洲的民族舞蹈之中。在交响乐、歌剧和舞剧音乐中，响板也通常只限于伴奏具有南欧及拉美风格的音乐、歌舞。有时，响板甚至可以用于独奏。

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乐器名称：砂槌（Maracas）

结构组成：由内装干籽的葫芦加上一个木制手柄组成。 大小

及形状都没有固定的规格，通常 成对使用。演奏

时用手持手柄摇动发音。

乐器特色：属于体鸣乐器族，一般归于打击乐器类。 演奏时

发出轻微的“沙沙声”，通常为 急板音乐或快节

奏音乐伴奏，起烘托气氛的 作用。

砂槌为典型的拉丁美洲节奏乐器，常用于拉丁美洲舞曲音乐之中，更是伦巴乐队必备的乐器，有时也在西方管弦乐队中用作节奏性乐器

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乐器名称：钹（Cymbals）

结构组成：钹身为一对铜制的草帽状圆片，对扣在一起像一个

梭子。钹身的两个部分各系有一条钹巾，演奏者须

取站姿，用双手通过钹巾持住钹身，使钹身的两部

分碰撞发音。

乐器特色：属于金属体鸣乐器，无固定音高。其音响洪亮而强

烈， 余音回荡，可以传得很远。用于强奏时，极

富气势， 通常表现一种激情；用于弱奏时，其作

用类似大鼓， 属于节拍乐器。

钹是一种古老的碰奏乐器，又称“土耳其钹”，其音响的穿透力很强，善于烘托气氛，是管乐队、交响乐队、管弦乐队中必不可少的色彩性打击乐器。

钹在演奏时可以悬挂在支架上，用鼓槌滚奏，表现力很丰富。轻奏则像冰雪消融时的潺潺春水，重击则如暴风骤雨时的风声呼啸。

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乐器名称：扬琴

结构组成：结构较为复杂。最常见的“401”型扬琴由琴身（

包括前梆、后梆、 左琴头、右琴头、底板和共鸣

箱）、琴弦系统（包括山口、滚板、 调音滚轴和

琴弦）和琴键（击弦用的长杆）三大部分构成。

使用材质：琴身一般为木质结构；琴弦（共有124根）一般为

钢丝弦或金属缠 钢丝弦；琴键一般为竹质，击弦

的一端套上气门芯

乐器特色：属打击弦鸣乐器，与钢琴同宗。音色具有鲜明的特

点，音量宏大， 刚柔并济；但个性又不是很强，

因此容易与其他乐器融合。慢奏时 音色如叮咚的

山泉，快奏时音色又如潺潺流水。

是中国民族乐队中必不可少的乐器。无论用于独奏、伴奏还是合奏，

扬琴的音色特点都可得到淋漓尽致的发挥。

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乐器名称：编钟

结构组成：编钟由若干大小不同的“钟”组成，每一个钟体上

都饰有简 单的兽面，内腔是空的。编钟的编制有

许多种类，东周时期的 编钟以九枚一组的居多；

较大的编制以曾侯乙编钟（曾侯乙墓 出土的编钟

）为代表，共计六十四枚，分三层悬挂。

使用材质：编钟的历史可以追溯到新石器时代的晚期，当时的

钟多为陶 制；商代以后的编钟多为铜制。

乐器特色：属于变音打击乐器族，发音类似钟声，清脆悦耳、

延音持久 。具有东方色彩，适合于演奏东方五声

音阶的音乐。

在中国古代音乐中占有极其重要的地位。

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乐器名称：木鱼

结构组成：多用桑木或椿木制作，体高约5至15厘米，中空。

演奏时用小木槌敲击发声。

乐器特色：属于体鸣乐器族。发音清脆、响亮，节奏感强。

木鱼为历史较为久远的中国传统打击乐器，源于佛

教，最早用于佛教“梵呗”（一种佛教歌曲）的伴

奏。后来传入民间。

为中国民族乐队中必备的打击乐器，通常成套使用

（现行的成套木鱼为大小不等、音高不同的一 组木鱼）。

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乐器名称：云锣

结构组成：云锣由大小相同，而厚度，音高存在区别的若干铜

制小锣组成。这些小锣以音乐次序悬挂于木架上，

每一个小锣都由3根绳吊在木架的方框中。云锣的

演奏方法与中国锣类似，用小槌击奏，其常见编制

为十个一组，也有十四个一组和二十四个一组的大

型云锣。

乐器特色：属于金属体鸣乐器族内的变音打击乐器类，音色清

澈、圆润、悦耳、余音持久，但音量不大。

不是小型民族乐队的固定编制，但大型民族乐队中较为常用。

其作用如西洋乐队中的三角 铁，音量虽然不大，但点缀作用明显。

古典音乐知识

1　赞美歌(anthen)以管风琴伴奏的合唱曲。由赞美诗发展而来。取《圣经》或其他教会文字为歌词。在基督教会中举行奉贤仪式或布道之后用英文唱歌。其中包含独唱的，称为“独唱赞美歌”；无独唱的，称为“合唱赞美歌”。十六世纪宗教改革后，基督教新教的赞美歌相当于旧教中的经文歌。音乐史上写赞美歌的著名作曲家有伯德、普赛尔、韩德尔、韦斯利等。

2　咏叹调(arj)以器乐伴奏的独唱曲或二重唱。出现于十七世纪初，是歌剧、清唱剧、康塔塔＊的重要组成部分。其特点是声乐部分加入难度高的演唱技巧。由于追求结构上的高度完整，常忽略与剧情的关系，而单纯致力于音乐上的独立发挥。在声乐作品中常以宣叙调表明情节，咏叹调继其后，使表演者可以充分抒发情感，展现其演唱水准。巴赫、韩德尔、莫扎特等人的咏叹调则是声乐曲目中的珍品。

3　波尔卡(polka)舞曲。较快的2/4拍子。十九世纪初发源于波希米亚。后来风行于全欧洲及美国。

４　小夜曲(serenade)小夜曲历来是男子晚上在他情人的窗下唱的，常用吉他或曼陀林伴奏。古典作曲家在写作小夜曲时，总是设法创造这种气氛。十八世纪用于晚会的小型乐队的作品。

5　浪漫曲(romanza)一种无固定形式的抒情短歌或短乐曲。十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶在俄国广泛流行。其歌曲的特点为：曲调表情细致，与歌词紧密结合，伴奏较丰富；器乐曲旋律富于歌唱性，常由小提琴及管弦乐队演奏。

６　圆舞曲(waltz)起源于奥地利北部的一种民间三拍子舞蹈。分快慢两种。十七、十八世纪在维也纳宫廷流行后，开始成为社交中的舞蹈。十九世纪起风行于欧洲各国。现在通常所说的圆舞曲大多是维也纳式的圆舞曲，速度为小快板，其特点为节奏明快，旋律流畅。

7　和声(harmoy)不同高度的音乐同时发声，称之和声。和声学的研究对象为：和弦的结构、和弦的连接法则、和弦在乐曲上的功能属性。和声学是作曲技法上的重要组成部分。

8　和弦(chord)和声的结构单位。在自然音阶的和声体系中，和弦由音阶上各音连续三度叠置而成。三音叠置，既成三和弦；四音叠置，成七和弦；五音叠置，成九和弦。如c大调的主三和弦，由c、e、g三音组成；其属七和弦，由g、b、d、f四音组成。

9　赞美诗(hymn 英)基督教颂赞上帝的诗歌。均为教会中名家所作，它与《圣经》中的《诗篇》和《雅歌》有别。天主教赞美诗最早是用拉丁文，其多章节而曲调相同。现今保存的最早的赞美诗是出自米兰大主教安布罗斯（340-397）和基督教神学家奥古斯丁（354-430）之手，名为《赞美颂》。一般的赞美诗皆作于五至十世纪。马丁·路德创新教，改赞美诗歌词为德文，用四声部合唱。十八世纪初，传入英国。今英国通行的赞美诗集有《牛津赞美诗集》等。

10　声部(part voice)是指重唱、合唱、重奏、合奏乐曲中同时进行的各旋律线。如：弦乐四重奏中有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴四各声部；混声合唱有女高音、女低音、男高音、男低音四各声部。

11　浪漫主义音乐（romantical music)音乐派系之一，亦称“浪漫乐派”或“浪漫派音乐”。一般指十八世纪末到十九世纪初发始于德奥，后又波及整个欧洲各国的一种音乐新风格。这种新风格同时在其他文艺领域也有所反映，其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾。并通过生与死、孤独与爱情、热爱大自然等抒情题材，表达出知识分子阶层对现实生活的不满，对自由、幸福的向往和渴求。浪漫派的音乐家一般偏重于幻想的题材与着重抒发主观的内心感受，因而抒发古典乐派某些形式的限制，使音乐创作得到了新的进展。

12　奏鸣曲式(sonata form)是欧洲十八世纪下半叶以来，各种大型乐器体裁中最常见的，也是最重要的一种曲式。大多数交响乐的第一乐章都运用“奏鸣曲式”写成，其结构大致如下：1.呈示部：在引子之后，往往出现两个性质不同的曲调，称为“主部主题”（又称“第一主题”）及“副部主题”（又称“第二主题”）两个主题之间富于对比性，如一个是雄壮的，另一个则是温柔的；一个是悲伤的另一个则是欢乐的；一个是粗犷、有力的，另一个则是优美、抒情的等等。它们有各种乐器重复地叙述，加强听者对主题的印象。副部主题的调性与主部主题不同，通常建立在主调的近关系调上或上下三度的关系调上。2.展开部：它和呈示部的各主题材料有密切关系，但可以作较大的调性转移及音形变化，好比一场动人的戏，音乐的力量在这里得到充分的发挥，因此乐曲感情的高潮往往也是在这一部分。3.再现部：“再现”就是回到“呈示部”开始的音乐形象，它综合了前面主题对比与冲突，得到结论。再这里，副部与主部均在同一主调上出现。

13　小步舞曲(minuet)一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。十七、十八世纪常用于古钢琴组曲和管弦乐套曲中，速度稍快、有力；十九世纪出，小步舞曲曾构成交响曲、奏鸣套曲的第三乐章，后又被谐谑曲所代替。小步舞曲亦可作为单独的器乐曲，大多为三部曲式，其中段常用三声部写成，故称“三声中部”，并沿袭至今。

14　民族乐派(national music school)亦称“国民乐派”。是指以民间音乐为素材，结合西欧作曲技法，创作出具有本国家、本民族精神及艺术特色的音乐作品的流派。民族乐派在俄国，以格林卡为先驱，随后有巴拉基列夫、居伊、鲍罗廷等；民族乐派在东欧有捷克的斯美塔那及德沃夏克；十九世纪中叶，民族乐派在北欧的代表人物有挪威的格里格，芬兰的西贝柳斯；此外，匈牙利的巴托克、罗马尼亚的乔治·艾涅斯库等均为著名的民族乐派音乐家。

15　康塔塔（cantata)“康塔塔”来自意大利语“歌唱”一词，即歌唱的曲子。以咏叹调、宣叙调、二重唱和合唱组成，是一种为声乐家们、合唱队和乐器演奏家们的表演，以诗体故事为基础的作品。最早的康塔塔以情歌为主用于独唱或数字低音的伴奏。意大利作曲家罗西、卡里西米等人是康塔塔的先驱。十八世纪后期康塔塔指宗教的或世俗的合唱作品，但不一定包含独唱，以乐队伴奏，内容往往偏重于抒情，类似小型清唱剧。

16　回旋曲式(rondo form)乐曲形式之一。起源于欧洲民间的轮舞：一圈人跳舞、唱歌，先有集体合唱（群舞），所唱的即是基本主题（称“主部”），接着是独唱（独舞），这部分由舞者轮流担任，音乐特色各不相同（称“第一插部”、“第二插部”）。回旋曲的主部至少需出现三次，它的结构式为：a+b+a+c+a……回旋曲式适宜表现活跃欢腾的情景，故奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协奏曲等需以热烈气氛结束时，常用之于末乐章，如莫扎特《a大调奏鸣曲》的第三乐章《土耳其进行曲》就是一个回旋曲式的乐章。

17　变奏曲式(variation form)乐曲形式之一，又称“主题与变奏”，它在音乐作品中广泛被运用。其原则为：先奏出一自成段落的“主题”，然后继以一系列的主题变形（变奏）使主题得到多方面的发展。其结构为：主题-变奏1-变奏2-变奏3……。变奏曲的主题可以取自民间音乐，可用作曲者本人旧作的片段，也可选取他人作品。变奏次数不定，少则三、四次，多则数十次。变奏的方式也不一定，可以改变旋律，可以变更和声，也可变换节奏、调式、调性及织体等。在我国民族民间音乐中，变奏手法最为常见。

18　华彩乐段(cadenza)音乐术语。原指意大利正歌剧中咏叹调末尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲乐章的末尾处也常用此种段落，通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥其表演技巧和乐器性能。这部分的演奏较自由，难度也较高，因而也较引人注目。华彩乐段最初由独奏者即兴创作，后来作曲者也开始写作。如莫扎特、贝多芬为自己的协奏曲写了一些华彩乐段，自门德尔松后，很多作曲家都自写华彩乐段，成为作品中的有机部分和有独立特点的段落。

19　旋律(melody)不同高低与不同时值的音前后相连，即成旋律。旋律的要素一为音高，二为节奏。较原始的音乐仅有旋律，甚至仅有节奏。现代音乐也有只求和声与配器等的新奇效果而忽略旋律。

20　曲式(form musical)乐曲的结构形式。曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成的规律性而找出具有共性的格式便是曲式。主要曲式的类型大体可分1.复调曲式：如赋格曲（段）、各种卡农等；2.主调曲式：如一部曲式、单二部曲式、单三部曲式、复二部曲式、复三部曲式、回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式、回旋曲式以及自由曲式等等。

21　想曲（rhapsody）一种技术艰深具有史诗性的器乐曲。原为古希腊时期，由流浪艺人歌唱的民间叙事诗片段，十九世纪初形成器乐曲体裁。其特征富于民族特色或直接采用民间曲调，如李斯特的19首《匈牙利狂想曲》，拉威尔的《西班牙狂想曲》等。

22　交响曲（sinfonia)实际含义要广的多。最早不过是指器乐曲，巴赫就曾用过此称。后来又指歌剧、康塔塔组曲的前奏曲或序曲。亚历山德罗·斯卡拉帝及其他作曲家的歌剧前面的所谓“意大利交响曲”包括三个小乐章（快-慢-快），这种布局对古典的形成起一定作用

23　进行曲（macrh）主要指行军中所用的音乐。有些歌剧也采用进行曲来为舞台上的行列伴奏，有的戏剧配乐中也有进行曲，例如门德尔松的《婚礼进行曲》。

24　声乐套曲（liederspiel)在利德盛期确定下来的一种固定的歌曲套曲形式。套曲中的各首歌曲通过其内容和音乐风格而相互联系。

25　利德（lied）字面意义为“歌曲”。此词现已专用于舒伯特、舒曼、布拉姆斯、沃尔夫、施特劳斯等人的德国浪漫歌曲，不过自中世纪以来也用于比较广泛的意义。

26　真实主义（verismo)起源于19世纪晚期的一种艺术潮流，旨在生动而逼真地表现生活。在歌剧创作上导致音乐话剧式的艺术处理，为追求个别情节不惜牺牲结构的统一和有机的发展。最著名的例子有马斯卡尼的《乡村骑士》（1890），莱翁卡瓦洛的《丑角》（1892）

27　诙谐曲（scherzo,意）一译“谐谑曲”。器乐曲。快速，三拍子，节奏强烈，有惊奇、幻想等特点。舒伯特、布鲁克纳等人都有优秀的诙谐曲作品。十七、十八世纪时还流行一种声乐诙谐曲。

28　集腋曲（jiyequ)

（1）一种即席演奏或记写成谱的乐曲，其中同时奏（唱）两个以上熟悉的曲调，应用于16，17世纪，特别在德国作曲家中。巴赫一家团聚时最爱作次游戏。

（2）集腋曲也可指自然串联起来的若干乐曲或歌曲。

29　歌剧台词全部或大部分用人演唱加上乐器伴揍的戏剧作品。现在各国通用的opear一字是原意大利语opear in musica的简称。17世纪的早期意大利歌剧叫作音乐故事、音乐戏剧或其他类似的名称。在17世纪的法国，严肃的歌剧称作配乐悲剧。

歌剧的种类有很多，如：谐歌剧、喜歌剧、正歌剧、轻歌剧等都属于歌剧范畴。

30　行板（andante）拍子中速的器乐曲。愿意为“进行”、“步行”。在这里为乐曲速度的指示词，后用为曲名。

31　巴洛克（baroque)愿意为“怪诞”（☆葡萄牙语意为：畸形的珍珠），现以成为说明17世纪和18世纪初期豪华的建筑风格的用语。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐。这个时期音乐的特点就是，感情丰富、华丽而且是以严格的格式写就的。早期巴洛克时期的乐曲与晚期巴洛克时期的乐曲之间通常是有区别的

32　嬉戏曲（badinerie）18世纪作曲家用以指称一种两拍子的快速、活泼的乐章

33　卡农（canon)复调音乐的一种。愿意为“规律”。一个声部的曲调自始至终为另一声部所摹仿，即严格的摹仿对位。卡农出现于13、14世纪，后人常采用古典曲调作为卡农主题

34　士兵舞曲（vebunk,匈）18世纪匈牙利的军队舞曲。源于德文werbung，意为“征集”。军人穿戎装，著马靴，聚众而舞，以作征兵的号召。当时匈牙利隶属于奥地利，人民备受兵役之苦，视当兵为畏途，故以这种方法来号召人们参军。后来此种舞曲被用在节日里当作喜庆音乐来演奏。乐曲开始于徐缓的引子，然后进入快速段落。

35　即兴曲（impromptu）早期浪漫派作曲家称一种钢琴小曲为即兴曲，这种乐曲被认为有些即兴创作的性格，或有一种精美雅致的气质和漫不经心地随意而为的风度。

36　船歌（barcarolle)源出意大利文barca，意为“船”。是威尼斯船家之哥。常用6/8或12/8拍，其伴奏模拟小船荡漾。后则泛指按这一体裁写成的声乐或器乐曲。

37　赋格（fugue，法）对位化音乐之一。由几个独立声部组合而成。先由一声部奏出主题，其他各声部先后作通篇的模仿。入题用主调，继起者用属调，第三个进入的声部又回到主调，如是反复变化以至曲终。各声部此起彼伏，犹如问答。赋格结构变化百出，故不能视为曲式之一

38　众赞歌（chorale)基督教新教的赞歌马丁·路（1438--1546）曾用为宗教改革的手段之一。他简化曲调，将歌词方言化。曲调主要采自民歌，有些出自路德之手。十七、十八世纪，以众赞歌为素材的管风琴曲与合唱曲大量产生。巴赫为不少众赞歌配以和声，至今仍被视为四部和声的典范。

39　练习曲（study，英）用于提高乐器演奏技巧的乐曲。必具有一种技巧项目，如音阶、琵音、八度、双音、颤音等。克莱曼帝是近代写作练习曲的先驱人物。肖邦是音乐会练习曲的创始人。

40　法兰多尔（farandole)法国舞曲。始于古代，今仍流行于法国南部。舞时男女携手连成长队，表演各种复杂动作。领舞者肩头或腰间系一小鼓，左手击鼓，右手执管吹曲。乐曲6/8拍。

41　印象派（imperessionism）十九世纪后期至二十世界初期活跃于法国的艺术流派之一。德彪西开创了音乐上的印象派。题材常取自诗情话意及自然景物等，以暗示替代陈述，以色彩代替力度。着意于表达感觉中的主观印象，并大量运用变和弦、平行和弦、全音阶等。印象乐派后起者有拉威尔、杜卡、鲁塞尔、迪利厄斯、莱斯庇基等。

42　定旋律（cantus firmus)自古相传的曲调。常作为复调音乐（包括声乐、器乐）的构成素材。中世纪的素歌就是一种定旋律音乐。定旋律乐曲近代多见于用赞美歌曲调作基础的管风琴曲。严格对为的习作亦常以古代的定旋律为题。

43　棱形旋律（angular melody ）现代派作曲家在音乐创作中，对某些滑音乐器的记谱，往往不用通常的音符，而用线条标出音的走向及其高度变化。当高低音交替进行时，谱线常显示出棱角形，这种曲调进行称为棱形旋律。

44　古典时期（calssic period)通常指西方音乐史上巴赫到贝多芬前的一段时期（即十八世纪）。另一说自十八世纪后期至十九世纪初，即维也纳古典乐派活动的时期为古典时期。

45　霍塔（jota）西班牙舞曲，发源于西班牙东北部阿拉贡省。快速，三拍子用吉他和响板伴奏。近代作曲家亦用于创作。如李斯特的《西班牙狂想曲》，格林卡的《阿拉贡霍塔》等。

46　音程（interval)两乐音之间的音高差距。通常以自然音阶两音之间的音级数作为音程度，如c-g，共五级，共称“五度”；g-b，共三级，故称“三度”。

47　单调音乐（monophony）复调音乐及主调音乐的对称。单旋律的音乐。即不附带任何对位声部、衬托句及伴奏等，只有一条单纯的旋律线。古代音乐及大多数民歌，都是单调音乐。

48 寻求曲（ricercare)，流行于十六、七世纪的一种器乐曲。常用于管风琴。自经文歌演变而来。是一种多主题乐曲，每一主题自成一段落，同时在全曲展开各种对位变化。

49　叙事曲（ballade,法）十三、十四世纪盛行于法国的一种歌曲，歌词通常分为三节，每节七行或八行，最后一行或二行是重复句。每节音乐用a、a、b的三段体，通常用复调写作。

50　清唱剧(oratorio)大型声乐曲。以宗教事迹或史诗为题材，由独唱、合唱与管弦乐队组成，在音乐厅或教堂内演奏，而不用布景、服装及身段表演。但最早（十六世纪中期）的清唱剧亦用布景与服装。清唱剧多由宣叙曲、咏叹调和合唱组成，而无对白和舞蹈。康塔塔与清唱剧很相似，但其篇幅较小。

51　卡巴莱塔（cabaletta 意）简短的歌剧咏叹调。曲调与伴奏都比较简易，罗西尼常使用。十九世纪后期，威尔第等人常用为咏叹调的华彩结尾，拍子快速，用不断反复的定型节奏。

48 合唱（chorus）即由一队歌唱者（男声或女声，或男女声兼有）来演唱一首歌曲。每个声部由数人同唱，与歌剧、清唱剧、康塔塔和其他大型声乐作品中的独唱相对而言

49 轻歌剧（light opera）原意为小型的歌剧，始于十九世纪，是一种含有序曲、歌曲、对白、舞蹈等的戏剧，其中音乐只起一种衬托气氛的作用。十九世纪，以写轻歌剧著称的作曲家有奥芬巴赫、约翰·施特劳斯、沙利文。至二十世纪，轻歌剧又常称为“音乐喜剧”（musical comedy）

50 古典曲式（classic forms）西方音乐史上古典时期通用的曲式。如变奏曲、组曲、奏鸣曲等几种曲式

51 表现派（experessionism）二十世纪前期流行于欧洲的艺术流派之一。表现派音乐在德国表现派绘画的影响下形成。与印象派音乐相反，其创作特点是通过艺术家的主观内省，运用变化、夸张、象征等手法来表现创作题材。表现派音乐的代表人物有勋伯格、贝尔格、韦勃恩等

52　转调（modulation）乐曲在进行中变换调性。转调是重要的作曲手法之一。简单的转调常在近关系调之间相转，如主属调、大小调之间互相转换

53　奥特尔（ordre，法)十八世纪古钢琴曲集的通称。法国作曲家科普兰开始引用。原文意为“次序”，其特点与组曲相似。

54　主导动机（leimotiv）瓦格纳的歌剧写作手法之一。初由德国音乐评论家乌尔索根于1878年在所作《论瓦格纳的〈众神的黄昏〉中的乐曲动机》中提出。指以一个乐曲动机代表剧中的某一角色、情景、观念或事物。如《尼伯龙根的指环》中的“指环”动机、“神剑”动机等。

55　室内乐（chamber music）原指演奏于室内（不包括教堂、剧院、音乐厅）的乐曲。近代室内乐指乐曲的一个声部由一名演奏者担任演奏的乐器合奏曲。每个人所演奏的部分在乐曲中不分主次。室内乐常按演奏人数区分为二重奏、三重奏、四重奏等。

56　幻想曲（fantasia）发挥想象力而不遵循传统曲式的作品，即称为幻想曲。

特点：无舞曲形势或变奏，在用复调来发展主题时以想像力所创作的作品。具有即兴性质。在曲式上比奏鸣曲更为自由。作品可以根据一个或几个主题来创作。

57　序曲（overture）指在歌剧、清唱剧、戏剧配乐等的开场音乐。常作为单独的音乐会演奏。另外还有一种交响序曲，其为独立乐曲，不是作为开场音乐之用。十七世纪，序曲在意大利和法国得到发展。当时序曲曲式定为的快－慢－快的三段体，通称为“意大利序曲”。而曲式为慢－快－慢的序曲，则被称为“法国序曲”。

数码音乐的格式

差不多所有数码音乐的数据都以文件形式储存在计算机的硬盘内，因应不同的用途，格式亦会有所不同。到底不同的音乐格式分别在哪，现在选出数种大家常接触到的格式类型，逐一介绍。

数码音乐的文件格式主要有WAVE、MP3及RA等，而CD唱片则是以音轨的格式储存在光盘内，扩展名为CDA。格式虽然多，但大致上可分为两类──非压缩性与压缩性﹔一般专业的数码音乐制作人都会使用非压缩性的WAVE格式，而普通用户则比较喜欢压缩率高、文件体积相对较小的MP3或RA格式。

●非压缩性﹕WAVE专业的数码音乐人都喜欢使用非压缩性的数码音乐档案，由于没有经过任何压缩，所以无论进行多少次修改，都不会产生失真的情况，而且处理速度也相对较快。这类文件最典型的代表就是Windows PCM格式文件，它是Windows的专用数码音乐文件格式，扩展名为WAV。这种格式文件容许用家储存单声道或立体声的讯息。要制作WAV文件，可使用Windows内的录音程序。

●压缩性1) RealAudio特点﹕典型、8kbps、单声道、压缩比为73:1这是RealAudio出品的一种声音格式，被广泛运用于互联网上作实时的声音串流播放，其扩展名为RM或RA。这种档案可根据不同的网络频宽及传输内容，以作不同的编制，亦容许用家以单声道或立体声的模式进行处理，但最典型的编制模式则是以8kbps及单声道来制作，这样便能得到73:1的压缩率，而计算机处理及译码的速度亦相对较快，即使用486级的计算机亦可作实时的声音串流播放。要制作RealAudio文件，可到http:/ / www.61k.com下载RealJukebox或RealProducer帮手。

2) MP3特点﹕典型、128kbps、立体声、压缩比为11:1相信大家对MPEG Layer 3（MP3）格式应不会陌生，此格式的最典型编制模式是128kbps的数据流量及立体声制作，可得到11:1的压缩比。虽然，压缩比不及RealAudio，但音质远比它佳﹔因子据流量愈小，压缩度就会愈高，档案体积亦会较小，但音质亦会愈来愈差。此外，即使你使用单声道进行编制，产生的MP3声音档案，体积亦会与立体声档案的相同，所以在制作MP3档案时，最好不要使用单声道，以免浪费硬盘空间。要制作MP3档案，一样可使用RealJukebox或到http:/ /www.61k.com下载MusicMatch Jukebox，不过该软件最高只能以190kbps来编制MP3。至于RealJukebox则最高可以320kbps来进行编制。

●kbps音质大比拼喜欢使用MP3随身听的读者，一定曾试过为不知道以何种数据流量来编制MP3而感到烦恼。由于MP3随身听的记忆卡容量有限，而且价钱亦颇昂贵，所以我们很多时要「睇送食饭」﹔以较高的kbps来编制，音色当然较好，但档案容量亦会相对较大，歌曲的储存量亦会较少。普遍而言，一首流行曲约5分钟，而大部分用家都会以128kbps来编制，产生的档案则约占4至5MB的硬盘空间。

欣赏音乐的几种不同方式和定位

您可能会心里嘀咕，音乐都不会欣赏？还要你说。哈，您老可真说对了，你很可能真不太会听。我见过不少人，自信心好点的会大大咧咧的说：“听呗，管他这么多干吗？”，自信心差点，或者说比较老实的会说：“嘿嘿，我是个乐盲，不太会欣赏。”

其实大家都能好好的欣赏音乐，但一定要有不同的定位，才能从容享受音乐之美。我把欣赏音乐分为三级，当然是初级、中级和高级。您一定会问，一定是高级最好喽？——废话，当然是！但不是一定要以高级的方式去听，才是欣赏音乐。中级和初级同样是可贵的。让我细细道来。

所谓的初级，当然是入门级了，不要紧，也基本可以了，为什么这样说呢？我把它比作欣赏风景你就明白了，不能每个去黄山的都是画家或摄影家吧，不然，黄山上只有寥寥几个人了。去的还是咱们普通老百姓的多。看到这么美的风景，任谁都会由衷地赞叹一声：“啊，多美！”吧？这就对了，其实这就是满不错的欣赏了，他总算从平时低头柏油路，抬头钢筋水泥中，抽出时间来欣赏这自然界的造化之美了，对不？欣赏音乐也是如此，只要你能静下心排除纷乱的心绪坐下来，看着窗外的月色，细细聆听音乐之美，不管它是古典的，还是现代的，只要你能从中发现它的美来，就可以了。容易吧。除非您俗不可耐，无药可救了，捧着靡靡之音自各乐得不行，或者捧着麦克风五音不全地大吼大叫，不然，应该是有所收获的。

至于中级，就难一些了，您要是只是没事时来听听就想进入中级状态是没门的了，至少您也得象发烧友那样，会花点精力去琢磨，然后宣称：“这条500大洋一米的线与50大洋一米的线就是不同”，您有这样的精神就行了。（嘻嘻，当然，要知道，我说的是他们的钻研精神，我也是分辨不出这两条线有何不同的，而且我也懒得花这个代价去听长笛手的换气声），就是说，你平时得订点专业音乐杂志，或买点音乐基本乐理或欣赏手册之类的偷偷躲起来练练，听音乐时留点心才行，要是你能分清音乐的类型，不至于连交响曲和协奏曲都分不清，以及能分清基本乐器的音色，不至于指驴为马，本来是长笛，却大声说“这小提琴拉得有点不响亮”，能基本分清流行音乐是什么类型，不至于听到pop说rap，就行了，当然，您再精通点，如连哪只乐队好，哪只乐队坏、它的历史、它的代表作、它的近况、它的成员以及它属于什么唱片公司等都基本还知道点，或者能分清这是什么民族的风格等等都知道些，当然就更好了。呵呵，被我说晕了吧，还是用前面欣赏风景的例子来说明最清楚了，就是说，你应该不只是说“好美”，而是有点专业知识，如这个构图好不好，这种树梢的嫩绿与那种松树的墨绿有什么区别等等，你能说出点门道来，那你就有点中级水平了。

而高级一般人就不必了，如果说百分之九十四都是初级，百分之五是中级，那么高级就是千中挑一，万中挑一了，一般人最多只到中级就行了，高级就如同是您看了风景，不是仅仅满足于欣赏，而是因为感动而诗意大发或别的灵感来临，而写点诗歌或画一幅画出来就是了。就是说，你已经从一般的被动欣赏升华到创造新的美了，那就对了。高级地欣赏音乐，就是你能从中领悟到音乐中的许多一般人不会去注意的因素，并给你带来启迪，给你带来创作的灵感，那这就是高级地欣赏了，到那个时候，您就会情不自禁地去注意音乐它的曲式、和声、配器、乐器音色的搭配、旋律发展的手法等方面的内容了。一般，没有经过长期严格的学习，是不能做到这点的。

我这样说，应该很明白了吧，欣赏音乐虽然有深浅高下之分，但只要你用真心去体会，哪怕是初级地欣赏，又何妨呢。你总会发现它的美的。怎么样？如果你现在终于恍然大悟，立马充满信心地开始拿出CD，开心地欣赏起音乐的美来了，那这篇小文就不是白说了。

[ 本帖最后由 tornado308 于 2008-6-15 17:25 编辑 ]

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　　发表于 2008-6-15 16:54 | 只看该作者

发烧友的十大误区

作为发烧友，拥有一套高档器材固然重要，但正确使用这些器材同样重要。在一般音响爱好者中，存在如下使用上的误区：

一、将器材放进柜里。有人出于装饰和保护，将器材放进定做的柜子里，这样会因柜内空间所引起的潜振使音色浑浊，功放等器材由于没有足够的流通空气，易过热、老化。如把音箱装入墙壁，会使声音效果变得生硬。

二、叠放器材。很多人爱将影碟机、放大器、调谐器、数码模拟转换器等机器重叠放置，这会引起互相干扰，尤其是镭射机与功放干扰严重，会使音色偏硬，产生压抑感。正确的做法是将器材放在由厂方设计的音响架上。

三、电源插头正负不分。电源插头正负处理得好的系统的音色层次分明，自然顺畅；正负不一致或参差不齐，音色会偏硬、粗糙。

四、接线不牢与不洁。如果系统音色干硬，其中一个原因可能是接触不良，如插头不牢、接触面氧化、沾上灰尘或油污等。

五、用云石或玻璃承载器材。云石密度低、谐振高，会影响音响效果；玻璃密度比云石高，但却不厚实、谐振更严重。可用花岗石或麻石，尤其是麻石，密度最高，承载器材较理想，但厚度要3厘米以上。

六、音箱的摆放“因地制宜”。有人因室内先有了其他家具，而将音箱摆放位置迁就家具。正确的应是：先决定聆听距离，然后将音箱摆到座位与对面墙间的1／3处，音箱的间距为聆听者与音箱直接距离的0．7倍，高度以聆听者耳朵和高音单元齐平为好。

七、接线处理不当。处理接线时不可把电源线与信号线扎在一起，因交流电会影响信号；信号线或喇叭线均不能打结，否则会影响音色；信号线与喇叭线过长可改短。许多信号线都有方向性，不要弄错。

八、想当然处理房间音响效果。除了明音、隔音，更重要的是音波反射、折射的处理，这需要考虑房间的体积、尺寸、坚固程度、材料的运用等，如不是行家，即便将房间装饰得豪华美观，音响也难以达到最佳效果。

九、盲目仿效。不从实际出发，盲目模仿别人。如人家用长信号线、短喇叭线效果不错，这是因为其前后级与镭射机都是平衡式的，而您的器材不是平衡式的，也去模仿，就难以达到相同效果。

十、自欺欺人。如器材播放某类音乐效果很好，而播放另一类音乐则不理想，这说明系统还未达到理想程度，需要多学、多听、多观察，从而加以改进。

[ 本帖最后由 tornado308 于 2008-6-15 17:03 编辑 ]

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　　发表于 2008-6-15 16:58 | 只看该作者

男女人声的差异

由於男女的生理结构的不同,一般女声要比男声高约一个八度音.根据测量,男女声的声带长度略有差异;女高音约1.4至1.7公分,女中音约1.8至1.9公分.男高音约1.8至2公分,男中音约2.1至2.7公分,男低音约2.4至2.5公分.由此可知声带细长者属於低音;声带宽短者属於高音.东方人的声带成年男子约1.7至2.3公分;女子约1.2至1.7公分,西方人略为长一些.至於声带则和体重无关,但与身高成正比.所以高个子的人大多唱低音.但声音的高低并不完全由声带的长短宽窄来决定,因为声带细长的声乐家唱出来的高音可能比声带宽短的歌者更高更美妙,所以自然歌唱的高低音决定於肌肉筋骨拉动声带的能力,及声带本身的伸缩性如何.因此人声之差异除先天之生理结构及人声成长的不同外,最重要的是後天训练的改变了.在此要特别强调,音质和音色是两种不同的声音观念,音质在成人定型後较难改变,但音色,强弱,力度,音域的高低都可藉训练改变而发展出来.

音乐中所用的乐音范围有多大？

音乐中所用乐音的范围从每秒种振动16次的最低音到每秒钟振动4186次的最高音，大约97个。现代最大的钢琴可以奏出其中的88个音，是乐音范围最大的乐器。人唱歌时因受生理限制，所能唱出的乐音仅是乐音范围中的一小部份

标题音乐与无标题音乐

标题音乐是以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品。其渊源可上溯至十六世纪以前。十九世纪上半叶标题音乐因欧洲浪漫派音乐家的提倡而盛行。标题音乐的名称也于此时产生。重要作曲家有：柏辽兹、李斯特等。

标题音乐比起无标题音乐来，由于它的表现力的尖锐性和生动的音乐形象更易于被广大群众所了解，因此它在器乐作品中占有很重要的地位。

无标题音乐这类器乐作品没有指示乐曲具体内容的文字标题，而只用曲式名称如：“奏鸣曲”、“赋格”、“变奏曲”等作为曲名，或用乐器体裁名称如：“前奏曲”、“练习曲”、“小步舞曲”等作为曲名。由于同名的乐曲很多，为了有所区别，就加上乐曲的开始调名，例如""C大调奏鸣曲"、"e小调交响曲"，或者再加上作者创作此种体裁的作品的编号，例如莫扎特《第四十交响曲》，李斯特的《匈牙利狂想曲第二号》，肖邦的《夜曲--作品第九号之二》等。

无标题音乐在创作时，没有用音乐来反映客观现实的意图，而只求通过音乐艺术来抒发某种主观情绪，表现某种精神意境，甚至主要着重音乐艺术本身的音响美和形式美的追求与体裁风格特征的体现。因之很难加上名副其实的文字标题。有的作者不愿借助于文字标题来说明乐曲的内容，而只希望欣赏者自己去心领神会。所以只以曲式名称或音乐体裁的名称作为曲名，而不设标题。

音色

不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

音色（Tone-color）指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成，其中有基音和泛音，泛音的多寡及泛音之间的相对强度决定了特定的音色。音色是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。一般来说，人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色高、中、低音，并有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色也是各不相同的。

音区

音区即音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

[ 本帖最后由 tornado308 于 2008-6-15 17:01 编辑 ]

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360docimg_98_　　 发表于 2008-6-15 17:11 | 只看该作者

简谱的介绍

所谓简谱，是指一种简易的记谱法。有字母简谱和数字简谱两种。一般所称的科谱，系指数字简谱。数字简谱以可动唱名法为基础，用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本音级，读音为do、re、mi、fa、sol、la、si，休止以O表示。每一个数字的时值名相当于五线谱的4分音符。数字简谱的雏形初见于16世纪的欧洲。17世纪时法国天主教方济名会教士J·J·苏艾蒂加以改进后用来教唱家教歌曲。18世纪中叶，著名的法国思想家J·J·卢棱再加改进，大力倡导，并编入他的《音乐辞典》之中。19世纪，经过P·加兰、A·帕里斯和E·J·M·谢韦3人的继续改进和推广，才在群众中得到广泛使用。因此这种简谱在西方被称为“加—帕—谢氏记谱法”。

19世纪末叶，简谱传到日本，再传入中国。1904年沈心工编著出版的《学校唱歌集》是中国最早自编的一本简谱歌集；之后逐步普及到各地的学校，30年代随着救亡歌咏运动的开展，简谱得以在群众中广泛流传。

数字简谱的雏形初见于16世纪的欧洲。17世纪时法国天主教方济各会教士J.J.苏艾蒂加以改进后用来教唱宗教歌曲，并著有《新的数字方法教唱宗教歌曲的试验》等书。18世纪中叶,著名的法国思想家J.-J.卢梭再加改进，大力倡导，并编入他的《音乐辞典》之中。19世纪，经过P.加兰、A.帕里斯和E.J.M.谢韦 3人的继续改进和推广，才在群众中得到广泛使用。因此这种简谱在西方被称为“加-帕-谢氏记谱法”，简称为“谢韦记谱法”。

关于字母简谱，主要为美英等国所通用。其中如H.C.格洛弗首创,J.柯温完成的可动唱名法。它以d、r、m、f、s、l、t，7个字母作为基本音符，其中除第7音读作ti外，其余各音与数字简谱的读音一样。有关半音的记法：遇升高时一律加e，降低时一律加a，高八度在右上角标1，低八度在右下角标1。其时值及节拍则以纵线表示强拍,双点表示弱拍；横线表示延长,单点表示数音连结成一拍。

由于简谱的记法与中国的工尺谱（流行在中国民间的一种文字谱）相当接近，在中国简谱得到了空前的发展，就世界范围而言，中国是把简谱吸收的最好、最发扬光大的国家。而五线谱，通过教育体制，以西方为中心的音乐教育，已基本流行于各个国家，在院校里也是必修项目之一，它为世界音乐统一于一谱提供了基础。在中国简谱的发明者是李叔同。

爵士（JAZZ）音乐发展史

最早的 JAZZMUSIC 起源于本世纪初20年代，美国新奥尔良的一些黑人社区里。当时的黑人因为没有供自己娱乐的音乐，所以就用一些廉价的乐器模仿起白人社会里的交响乐乱吹打一通，这就是最早的JAZZ音乐的雏形了。虽然在黑人社区里很流行，但在白人社会里，JAZZMUSIC却是不屑一提的。

??直到五六十年代JAZZMUSIC才渐渐成熟，慢慢地被白人所接受，而在一些大型的白人夜总会里，更由一些黑人组成的“BIG BAND”充当主角。而且这种BIG BAND一直流行至今，而其中出名的有Herbie Hancock、Miles Davis所带领的ALL STAR BIG BAND了。在五六十年代，英美都出现了很多出名的JAZZ歌手。在英国方面有“LOUIS ARMSTONG”，他除了能吹得一手很好的小号外，还有一把十分带有磁性的沙哑歌喉。（在前不久的康城居和键力士啤酒的广告上，曾用过他的一首歌作为广告歌，相信大家还有印象吧！）

??同期的美国方面有“NET KING COLE”，这位男歌手在国内没有多少人听过，但在欧美方面却十分出名。他和LOUIS ARMSTONG有点相像，除了有一把很好的嗓音外，还弹得一手好钢琴。其实还有很多很多出名的JAZZMUSICIAN，像JOE HENDERSON、DEXTER GORDON、HORACE SILVER。

??到了八十年代JAZZ MUSIC更是多姿多彩，从传统的CLASSICJAZZ发展出更多的类型，像POP JAZZ、HOUSE JAZZ、AICDJAZZ等等，到了九十年代JAZZ MUSIC更走向电子化，吸引了很多爱时髦的年青人。

jazz风格的种类

New Jazz：大概是Machael Jacson那時候開始興起的，麥可強而有力的舞步就是象徵，不過現在女性舞者居多，又有需多性感撫魅的動作。(阿妹新專輯中的：火)

Street Jazz：最近幾年興起，此類舞者大都和HipHop並行，定點動作比較沒有那麼僵硬，旋轉.翻手.轉手的動作也多了，舞步也比較輕快。(日本有這類型的團體)

AfricaJazz：就是...把非洲舞+到Jazz裡面，抓狂的甩頭，手臂永遠是張開著。

ReggaeJazz：Jazz裡面多了雷鬼的元素。

Latin Jazz：擺脫舊有的拉丁規則，將其融入流行舞蹈中，性感的身體.擺動的臀步.恣意的甩手，性感&狂野並存。(夏琪拉,瑞奇馬丁)

HipHopJazz：就是嘻哈+爵士啊，不過有兩種情況1.Hiphop裡面+了jazz舞步 2.Jazz舞感裡面存著嘻哈的動作。(安室奈美惠,布蘭妮)

Breway Jazz：百老匯爵士，艷麗的舞台，華麗的舞者配上精采的劇情&笑容(電影：芝加哥) 本文标题：如何欣赏高雅音乐-如何上好音乐欣赏课
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